Sandro Chia, Leben, Stil und Werke des Vertreters der Transavanguardia

Sandro Chia, Pseudonym von Alessandro Coticchia (Florenz, 1946), ist ein Künstler, Maler und Bildhauer und einer der führenden Vertreter der Transavanguardia-Bewegung. Er hat viel Zeit zwischen Italien und den Vereinigten Staaten verbracht, wohin er in den 1980er Jahren erstmals reiste. Seine Werke sind zunächst eher konzeptionell, bevor sie in eine eher figurative Phase übergehen. Im Grunde genommen gibt es in beiden Phasen ein gemeinsames Element, nämlich dietraumhafte und surrealeAtmosphäre, die die Protagonisten umgibt.

Im Laufe der Jahre nimmt die menschliche Figur immer mehr Raum in Chias Gemälden ein und nimmt hieratische Proportionen an. Obwohl die dargestellten Figuren bescheiden sind, stellt der Künstler sie so dar, als wären sie in jeder Hinsicht mythologische Helden, wobei er die Komposition weiter aufwertet, indem er oft mehr oder weniger offensichtliche Bezüge zu den großen Meisterwerken der Vergangenheit herstellt, sie umarbeitet und ihnen eine persönliche Dimension verleiht.

Das Leben von Sandro Chia

Sandro Chia (eigentlicher Name Alessandro Coticchia) wurde am 20. April 1946 in Florenz geboren und studierte an der Akademie der Schönen Künste in der toskanischen Hauptstadt. Eine Zeit lang reiste er durch Indien, die Türkei und Europa. 1970 kehrte er nach Italien zurück und ließ sich in Rom nieder, wo er 1971 seine erste Einzelausstellung in der Galerie La salita hatte. Einige Jahre später schloss er sich dem Kollektiv Transavanguardia an und nahm mit den anderen Künstlern der Gruppe an der Sektion “Aperto 80” der Biennale von Venedig 1980 teil; später hatte er eine Einzelausstellung in New York. Nach etwa einem Jahrzehnt in Rom beschloss er, nach New York zu ziehen, wo er etwa zwanzig Jahre lang blieb, während er weiterhin regelmäßig zwischen den Vereinigten Staaten und Italien pendelte.

In den Jahren 1984 und 1989 nahm er erneut an der Biennale von Venedig teil, während er seine Werke weiterhin in den wichtigsten italienischen und internationalen Museen, wie dem Castello di Rivoli, und dann in New York, 1983 im Solomon R. Guggenheim und 1984 im Met - Metropolitan Museum of Modern Art, ausstellte. Der Künstler lebt noch heute zwischen Miami, Rom und der Toskana, genauer gesagt im Castello Romitorio in Montalcino. Seit 1987 ist er auch an der Herstellung von Prestigeweinen beteiligt, darunter der berühmte Brunello di Montalcino. Im Jahr 2003 erwarb der italienische Staat drei seiner Werke, die in die ständige Sammlung des Senats der Italienischen Republik im Palazzo Madama aufgenommen wurden, während die Provinz Rom 2005 zwei monumentale Skulpturen erwarb, die vor ihrem Sitz in Rom aufgestellt wurden. Seine Werke werden häufig und sehr erfolgreich versteigert. So wurde 2007 sein Werk Der Sohn des Apothekers (1981) bei Christie’s im Vereinigten Königreich für 300 000 EUR verkauft und stellte damit einen Rekord auf.

Der Stil und die Werke von Sandro Chia

Unmittelbar nach seiner Übersiedlung nach Rom wandte sich der Künstler zunächst derKonzeptkunst zu. Ab Mitte der 1970er Jahre zog es Chia vor, sich der Figuration zu widmen. Er schloss sich der Gruppe Transavanguardia an und wurde einer ihrer bekanntesten Vertreter. Die Bewegung wurde von dem Kunstkritiker Achille Bonito Oliva gegründet und umfasste Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicola De Maria und Enzo Cucchi. Die Künstler der Transavanguardia-Bewegung zeichneten sich durch die Verwendung sehr leuchtender und auffälliger Farben aus, die mit sehr kräftigen und weichen Pinselstrichen auf die Leinwand gebracht wurden. In der Zwischenzeit, ab 1982, widmet sich Chia parallel zu seiner Malerei der Bildhauerei.

Das Konzept, das Chias Kunst kennzeichnet, ist die Überzeugung, dass der Saft, aus dem sich die Kunst speist, ihr selbst innewohnt. Er glaubt, dass es für Künstler notwendig ist, zu wissen, was vor ihnen war, und die Meister mit einem respektvollen Auge zu betrachten, um sie in ihren Werken zitieren zu können. In der Tat beschäftigt sich Chia viel mit den Meisterwerken vergangener Künstler wie Tizian, Masaccio, Tintoretto, Lorenzo Lotto und Michelangelo Buonarroti, aber auch mit zeitgenössischen Vorbildern vom Kaliber eines Giorgio de Chirico, Fernand Lèger, Paul Cézanne, Francis Picabia oder Marc Chagall, deren Errungenschaften er durch zahlreiche Verweise und Zitate, die er in seine Werke einfließen lässt, oft auf ironische und anspielungsreiche Weise umarbeitet und sich zu eigen macht.

Chias frühe Werke sind daher sicherlich figurativ, aber auch sehr konzeptionell, darunter La mercante di scacchiere (1976), in dem sich eine weibliche Figur von hinten zwischen verschiedenen karierten Flächen unterschiedlicher Farbe und Größe bewegt, die die gesamte Leinwand ausfüllen, als befände man sich in einer traumhaften Dimension; oder Ossa, cassa, fossa (1978), in dem ein Mann in eine Art Abgrund blickt, der durch einen schwarzen Parallelepiped dargestellt wird, der aus einer roten Wand herausgeschnitten ist und in dem wir die Worte lesen können, die dem Werk seinen Titel geben; schließlich erinnern wir uns an eines der Werke, in denen Zitate aus den metaphysischen Werken von De Chirico enthalten sind, Sul tetto, sulla strada (1979). Im Laufe der Jahre nehmen die menschlichen Figuren einen großen Teil der Leinwand ein. Diese Figuren sind durch mit schwarzer Farbe definierte Umrisse klar umrissen und bestehen aus mächtigen Volumina, die sich imposant von lebendigen Hintergründen abheben, die keinen Ort und keine Zeit haben und das Gefühl vermitteln, vor einem visionären Traum zu stehen, der aus scheinbar unvereinbaren Kontrasten besteht. Insbesondere erkennt man in diesen Werken ausdrückliche Bezüge zu den Gegensätzen zwischen dem Antiken und dem Zeitgenössischen, zwischen dem Apollinischen und dem Dionysischen, zwischen Leidenschaft und Rationalität. Es ist kein Zufall, dass sowohl in Chias Skulpturen als auch in seinen Gemälden die männliche Figur, die am häufigsten auftaucht, als Held dargestellt wird und den Künstler selbst in einer Haltung der Rebellion und Selbstbehauptung symbolisiert. Die Werke werden so zu einer abenteuerlichen Herausforderung für den Künstler, dessen Ziel es letztlich ist, seine eigene Freiheit zu finden und sich grenzenlos gehen zu lassen.

Das Ziel des Helden wird von Chia jedoch durch den Einsatz von Ironie immer wieder heruntergespielt, wie zum Beispiel in Sinfonia incompiuta (1980), in der eine Figur, die von hinten gesehen wird und dem Betrachter zugewandt ist, ihrer Kreativität freien Lauf lässt, als ob es sich um einen körperlichen Instinkt handelte, der losgelassen werden will. In diesem speziellen Fall wird die Kreativität durch eine Partitur dargestellt, aber in jedem Fall deutet der Künstler an, dass er sich in diesem Werk auf die Kreativität im Allgemeinen bezieht. Diesem Werk folgt die Figur mit Fahne und Flöte (1983), in der zwei Männer dargestellt sind, die nachts im Freien sitzen, während der eine eine Flöte spielt und der andere eine Fahne hält. Es ist eine Szene mit bescheidenen Tönen, doch Chia verleiht den Protagonisten eine Aura von großer Bedeutung, als wären sie Helden eines großen historischen Gedichts. Emblematisch ist auch The Painter (1983), in dem die Figur, die aus dem gesamten Raum der Leinwand herausragt, das Gesicht einer Statue hat, während der Rest des Körpers menschlich ist und ein Gemälde in den Händen hält, das lediglich aus unförmigen Farbflecken besteht.

Auch die Bildhauerei ist perfekt in Chias künstlerische Intention integriert, wie man in Untitled von 1984 sehen kann. Die menschliche Figur ist immer der Protagonist und wird so dargestellt, wie sie die typischen Posen der antiken Skulptur einnimmt oder vielmehr verspottet. Tatsächlich folgt der Oberkörper einer betonten, unnatürlichen Torsion, während die Augen mindestens doppelt so groß wie normal sind, in einer ständigen Überschreitung der Grenze zwischen Vorstellung, Traum und Realität.

In Chias produktiver Produktion der 1990er und 2000er Jahre finden sich weiterhin deutliche Zitate aus der Vergangenheit, die sich insbesondere an Braque oder Picasso orientieren (es ist kein Zufall, dass die Figuren einer Werkserie ohne Titel von 2006 direkt aus Les Demoiselles d’Avignon entnommen zu sein scheinen, denn es gibt immer wiederkehrende, einzeln dargestellte Frauenfiguren, deren verdrehte Positionen an die gleichen Figuren in Picassos berühmtem Werk erinnern). In dieser Periode tauchen auch immer wieder Anspielungen auf den Futurismus auf, die sich in den dynamischen, aus leuchtenden Farbblöcken zusammengesetzten Hintergründen zeigen, die stark an die Werke von Umberto Boccioni, Giacomo Balla und Fortunato Depero erinnern. 2003 ging Chia sogar so weit, die Bewegung ausdrücklich im Titel Futurist Photographer zu erwähnen.

Im Jahr 1999 porträtierte Chia auch Vertreter der italienischen Pop Art anlässlich einer dieser Bewegung gewidmeten Ausstellung im Chiostro del Bramante in Rom. Die Werke der 2000er Jahre setzen die Tendenz fort, die hieratische und plastische Figur in voller Größe zu zeigen, wobei die Farben weniger kontrastreich, sondern nuancierter und in Grün-, Blau-, Rosa- und Weißtönen gehalten sind.Das Werk Attesa (2013-14) zeigt einen gut aussehenden jungen Mann, der auf einem Felsen sitzt und auf jemanden wartet, während hinter ihm eine Landschaft mit abgerundeten und vereinfachten, aber immer noch plastischen Volumen zu sehen ist. Die gesamte Komposition basiert auf verschiedenen Blau-, Teal- und Grautönen, während die Konturen durch dicke schwarze Linien gut abgegrenzt sind.

Wo sind Werke von Sandro Chia zu sehen?

Viele Werke des Künstlers befinden sich in Privatsammlungen, und auch heute noch werden viele in italienischen Galerien zum Verkauf angeboten und versteigert. Einige Werke des Künstlers werden jedoch in wichtigen italienischen und internationalen Museen aufbewahrt. In Norditalien kann man Chias Werke im Castello di Rivoli bewundern, wo die Gemälde Bruti protagonisti della fantasia erotica di una scimmia (1979-80), Sinfonia incompiuta (1980), Figure con bandiera e flauto (1983), Uomo in rosa (2001) und die Skulptur Senza titolo (1984) zu sehen sind.

Eine weitere bedeutende Gruppe von Werken befindet sich im Besitz der Galleria Mazzoli in Modena, hauptsächlich Gemälde, die in jüngster Zeit entstanden sind, wie Diskussion über Kunst und Malerei (1998-2000), Melancholie des Malers (1999-2000), Gino unsterblich (2000), Porträt Enzo (2001), Ohne Titel 2 (2003), Ohne Titel 1 (2003), Warten (2013-14), Posieren (2013-14). Ebenfalls in der Emilia Romagna, in der Collezione Maramotti in Reggio Emilia, befindet sich La cucina di Dionisio (1980). In Rom befinden sich Werke von Chia in der Sammlung Giorgio Franchetti, darunter Brücke der Frösche ohne Brücke (1979) und Die Lüge (1979-80), sowie in der Sammlung D’Ercole, in der die Werke Aufgeregter Hirtenjunge (1980) und Lass den Künstler in Ruhe (1985) aufbewahrt werden.

In Europa sind die Werke Chias in mehreren Ländern zu finden. In der Schweiz befindet sich La mercante di scacchiere (1976) in der Sammlung Gunti Brands, während sich in Berlin Zattera temeraria (1982) in der Sammlung Marx und Rabbit for dinner (1982) im Stedelijk Museum in Amsterdam befinden. In Großbritannien befinden sich zwei Werke von 1981, Courageous Boys at Work in der Scottish National Gallery of Modern Art in Edinburgh und Water Bearer London in der Tate Gallery in London. The Idleness of Sisyphus (1981) schließlich kann im MoMA - Museum of Modern Art in New York bewundert werden.

Sandro Chia, Leben, Stil und Werke des Vertreters der Transavanguardia

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