Das Diözesanmuseum von Brescia bietet eine symbolische Reflexion über den Dialog zwischen der großen Malerei der Renaissance und der Textilkunst. Dies geschieht mit “Adoremus”, einem der am meisten erwarteten Termine im Ausstellungskalender des Museums, das für seine fünfte Ausgabe vom 3. Dezember 2025 bis zum 8. März 2026 zum ersten Mal ein Meisterwerk von Bernardino di Betto, bekannt als Pinturicchio, nach Brescia bringt: Die Madonna des Friedens (um 1490). Sie ist eines der repräsentativsten Werke des Malers und verkörpert schon im Titel den Geist des Adoremus, der eine Botschaft der Erinnerung und der Hoffnung im Gegensatz zu einer von Krisen und Verwirrung geprägten Gegenwart vermitteln will.
Die Ausstellung, die sich über vier Räume erstreckt und als synästhetischer Weg konzipiert ist, der das Sehen und die taktile Erfahrung miteinander verbindet, findet ihren Höhepunkt in der Malerei des umbrischen Meisters. Dank der Zusammenarbeit mit der Fondazione Arte della Seta Lisio in Florenz werden neben dem Gemälde das Seidenmuster des Gewandes, das das Kind auf dem Gemälde umhüllt, und etwa zwanzig Stoffproben aus Seide, Samt, Damast und Brokat ausgestellt, die von den dargestellten Personen getragen wurden.
Das zwischen 1488 und 1489 datierte Werk, das aus dem MARec, dem Museum für wiedergefundene Kunst der Erzdiözese Camerino und San Severino Marche, stammt, zeigt die leuchtende Anmut und Ausgeglichenheit, die für die umbrische Renaissance typisch sind. Die Szene ist komplex, reich an Präsenzen, die sie von den üblichen Madonnen mit Kind unterscheiden. Die sitzende, kaum gedrehte Jungfrau mit leicht geneigtem Kopf trägt ein prächtiges Gewand mit feiner Goldstickerei und eine mehrfarbige Schärpe aus Seidenbrokat, die am Ende mit einer Eichel verziert ist. Das Kind, das auf dem Schoß seiner Mutter auf einem mit Damast bespannten Kissen sitzt, blickt beim Segnen nach unten und hält eine Kristallkugel in der Hand. Dahinter schließen zwei Engel den Zwischenraum und lenken den Blick auf die Landschaft im Hintergrund: eine teilweise bergige Landschaft, die von der aufgehenden Sonne erhellt wird, mit einer befestigten Stadt an einem Hang.
Der Auftraggeber, Libero Bartelli, ein reicher und einflussreicher Kanoniker, der das Werk zwischen 1488 und 1489 seiner Heimatstadt stiftete, erscheint ebenfalls in der Szene. Der Prälat ist im Profil im Vordergrund rechts dargestellt und zeigt eine lässige und selbstbewusste Haltung mit offenem Blick und gewölbter Augenbraue. Die physiognomischen Merkmale, wie die aquiline Nase, die gespannten Lippen, die hochgezogenen Wangen und die geschwollenen Adern an Hals und Stirn, verraten das Geschick des Malers, die menschliche Finesse der Person einzufangen.
Pinturicchios Ausbildung als Miniaturist zeigt sich in der Wahl der leuchtenden, künstlichen Farben, die von pflanzlichen Grüntönen über Cerulean bis hin zu großzügig verwendetem Gold reichen. Seine Leidenschaft für die Goldschmiedekunst zeigt sich auch in der gravierten Platte auf dem Gewand des Kindes, wo eine geflügelte Meerjungfrau-Sphinx erscheint, ein Element, das den märchenhaften und fast magischen Charakter des Ganzen unterstreicht.
Anlässlich der Ausstellung hat die historische Schneiderei der Fondazione Lisio Arte della Seta originalgetreue Reproduktionen der Stoffe (Seide, Stickereien, kostbare Stoffe) angefertigt, die von den Figuren des Gemäldes getragen werden. In der Sprache von Pinturicchio wird die Kleidung zum theologischen Vehikel: Materialien und Ornamente werden zur visuellen Doktrin. Die Vielfalt der dargestellten Artefakte stellt die materielle Welt der Renaissance und die symbolische Bedeutung der Kleidung als Zeichen des Göttlichen wieder her.
Gottvater trägt altmodische Kleidung, ein Symbol der Ewigkeit: Der grüne Wollmantel (Pallium oder Himation), der mit Inkarnadin gefüttert und mit goldenen Motiven verziert ist, erinnert an neues Leben, Freude und himmlisches Königtum; die blaue Tunika steht für Transzendenz. Die Jungfrau hingegen trägt eine Tunika aus rotem Wollstoff und das traditionelle Maphorion aus demselben Material; die Bluse und der weiße, sehr dünne Leinenschleier verweisen auf Reinheit und Demut, während das Seidenfutter des Mantels das göttliche Licht beschwört. Der im perugiesischen Stil verzierte Gürtel spielt auf die jungfräuliche Geburt an.
Die Engel tragen bestickte Seidenstoffe mit Palmettenmotiven und pseudokufischen Inschriften, die Elemente der religiösen Ikonografie und der liturgischen Gewänder miteinander verbinden. Der Stifter, Liberato Bartelli, trägt über einer dunklen Jacke und einem weißen Hemd ein rotes Wolltuch: ein Kleidungsstück, das durch die Sonnengesetze vorgeschrieben ist und Rang, Frömmigkeit und kirchliche Identität ausdrückt.
Das Kind ist in ein weißes, goldbesticktes Seidentuch und ein blaues Seidenpallium gehüllt: Seide und Gold, Symbole der Reinheit und Herrlichkeit, betonen seine doppelte menschliche und göttliche Natur. Das Ensemble erinnert ausdrücklich an die byzantinische Tradition, was im Pallium, einem Mantel, der an die spirituelle Wiedergeburt und die Loslösung von den irdischen Gütern erinnert, und im Blau, der Farbe der Transzendenz und des göttlichen Lichts, die mit den Ikonen des Christus Pantokrator assoziiert wird, deutlich wird. Das weiße Dalmatikum unter dem Pallium steht für Reinheit, Freude, Auferstehung und kaiserliche Würde. Die Palmettenstickerei erinnert an kaiserliche Zeremonialmotive; Perlen und kostbare Applikationen verweisen auf den Reichtum des Himmelsreichs. Auf den Schultern befinden sich gestickte Kugeln mit saphirbesetzten Broschen, die an Christus Sapientia erinnern.
Besonders bemerkenswert ist die Stickerei am Halsausschnitt: eine geflügelte, nixenartige Figur, die Trauben in Form von Weinranken hält, die den Abstieg Christi in die Hölle und den Sieg über den Tod symbolisieren, wobei Christus am Karsamstag verklärt aus dem “Meer” auftaucht.
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| Die Friedensmadonna von Pinturicchio und die Textilkunst im Dialog im Diözesanmuseum Brescia |
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