Fausto Pirandello, der Maler von Dramen, der Figuration und Abstraktion herausforderte: Wie die Ausstellung aussieht

Sizilien, entferntes Mutterland, aber unauslöschliche Matrix vieler Gemälde. Und Rom, die Stadt der Geburt und der Wahl, ein wichtiger Treffpunkt für die Kunst und das Familienleben. Aber auch Startrampe für den internationalen Horizont, Paris und Amerika, vor und nach dem Zweiten Weltkrieg. Fausto Pirandello zwischen zwei Welten, der Welt seiner Herkunft und der Welt des Erwachsenwerdens, geschützt vor der drohenden Gestalt seines Vaters Luigi, des großen Dramatikers. Die Ausstellung, die die verschlungenen Wurzeln der Existenz des Sohnes von Pirandello erforscht, die mit denen einer Kunst verwoben sind, die der Maler selbst jedoch als autonom und frei von der literarischen Sphäre definierte, ist dabei, Rom zu verlassen: Sie wurde im Dezember in der Accademia di San Luca eröffnet, wo sie bis Samstag, den 28. Februar zu sehen sein wird. Und vom 20. März bis zum 2. Juni wird sie in der Villa Aurea zu sehen sein, dem gemütlichen Ausstellungsraum im großen archäologischen Park von Agrigent, der Stadt seines Vaters und seiner Mutter.

Fabio Benzi und Flavia Matitti, die zu den führenden Experten für diesen Protagonisten der römischen Schule der 1930er und 1940er Jahre gehören, wurden gebeten, die unverzichtbare zweistufige anthologische Ausstellung zu kuratieren, die die Stiftung und den nach Fausto Pirandello benannten Verein sowie das seinem Vater gewidmete Institut für Pirandello-Studien zusammenführt. Aber er war auch ein aktiver, aber oft einsamer und vergessener Akteur der italienischen Nachkriegsszene, der zwischen den gegensätzlichen Fraktionen der Figuration und der Abstraktion zerrieben wurde, die Pirandello, “ein Maler der Dramen”, wie Corrado Alvaro 1938 treffend definierte, zu ignorieren pflegte. Er distanzierte sich von ihnen und suchte stattdessen eine mühsame, aber erfolgreiche Synthese zwischen den beiden damals dominierenden Sprachen.

Gerade die Produktion der letzten dreißig Jahre der Tätigkeit des 1899 in Rom geborenen und 1975 im Alter von 76 Jahren verstorbenen Malers ist das qualifizierende und neue Element der Ausstellung Fausto Pirandello, la magia del quotidiano. In der Tat ist die Produktion nach der Befreiung die Pirandello-Phase, die von der Kritik zu oft unverdientermaßen “kalt”, “wenn nicht sogar mit Feindseligkeit betrachtet wird, fast so, als wäre sie ein unwesentlicher Anhang”, wie Matitti in seinem Text im Katalog (Edition Accademia nazionale di San Luca, 191 Seiten) treffend bemerkt. Und ein zentrales Werk in diesem Sinne ist der Nudo di donna (1965-1966), den der Künstler der Malerzunft von San Luca schenkte, in die er 1947 aufgenommen worden war und die ihn nun beherbergt, um ein halbes Jahrhundert nach seinem Tod an ihn zu erinnern.

Die archaische, unausgereifte Schönheit dieser gemalten weiblichen Figur ist die minimal veränderte Replik eines Gemäldes aus dem Jahr 1953, mit dem Pirandello inmitten des Triumphs der Pop Art in den 1960er Jahren den Marzotto-Preis gewonnen hatte, zwei Jahre nachdem er auch auf der Quadriennale nazionale in Rom das höchste Podium erreicht hatte (was von einem damaligen Erfolg zeugt, der von der jüngeren Geschichtsschreibung ignoriert wurde, die sich ganz auf das in den 1980er Jahren wiederentdeckte Gemälde des Ventennio konzentrierte). Dieser Nudo muliebre, den der Maler mal als “eines kleinen Mädchens” und mal als “eines kleinen Mädchens” bezeichnet, bietet dem Blick des Betrachters den skulpturalen Körper und das kindliche Geschlecht. Und in den erhobenen Armen, fast wie ein Zeichen der Hingabe, wie in den Händen, die auf dem Rand ruhen, spürt man die “Ahnenerinnerung an die Atlanter”, wie Matitti weiter betont, “die auf ihren Schultern das Gewicht des Türsturzes des dem Zeus Olympius geweihten Tempels in Agrigento trugen”. Der Urmythos der sizilianischen Mutter also, der dennoch durch den Filter einer modernen und materiellen Malerei läuft, die aus einer vollmundigen und dichten Paste besteht, aus Farben, die dennoch transparent sind und aus scharfen Kontrasten: “Die Schwarz- und Rottöne sind heftig, und die Plastizität ergibt sich spontan aus expressiven Akzenten und nicht aus konventionellem Hell-Dunkel”, bemerkte Lionello Venturi, Pirandellos Mentor der ersten Stunde, als er in Commentari über den Nudo von 1953 schrieb und feststellte, dass dieses Werk “einen neuen Figurenzyklus eingeleitet” habe.

Das ist Pirandellos Nachkriegspalette, die aus Spachtelstrichen wie Mosaiksteinchen aus Glaspaste besteht, aber auf einem postkubistischen Grundriss und nach der Logik der umgekehrten Ebene der Cézanne’schen Erinnerung. Bereits in den 1940er Jahren hatte der Künstler auf einer Zigarettenschachtel, die er auf den Fotos in seinem Atelier immer zwischen den Fingern hielt, notiert: "Das erste Merkmal meiner Malerei ist die Klarheit, das zweite die Synthese der Formen, das dritte die Kraft der Farbe". Dies sind die Zutaten, die wir imSelbstporträt von 1948 finden - wo Gelb, Orange und elektrisches Blau das erstarrte Gesicht mit einem Ausdruck schmerzhafter, verzerrter Konzentration umrahmen -, aber vor allem in den drei Gemälden desselben Themas, den Badenden, die die Abfolge der Räume der Ausstellung im Erdgeschoss des Palazzo Carpegna abschließen, bevor man die Treppe hinaufsteigt, um den kleinen Raum mit den Zeichnungen seiner frühen Jahre und den Pastellen seiner Reife zu erreichen (die grafische Abteilung fehlt jedoch in Agrigento).

Fabio Benzi erklärt in seinem Katalogtext ausführlich die Gründe und den Sinn der Wahl des Künstlers, sich auf die Aktfiguren am Strand zu konzentrieren, bis hin zu dem Punkt, dass er sie fast zum wiederkehrenden Thema seines Bildrepertoires macht. Es ist, als hätte Pirandello eine persönliche Erfahrung am Meer, vielleicht während seiner häufigen sommerlichen Rückkehr nach Sizilien, als Sinnbild und Spiegel einer erlittenen, universellen, existenziellen Bedingung gewählt. Der sengenden Sonne und der erstickenden Hitze, die die erdigen Farben der kubistischen Matrix der 1920er Jahre entzündeten, stellte Pirandello ab 1937 wiederholt seine Badenden aus. "Im Moment des Todes seines Vaters im Dezember 1936 (und zeitgleich mit der Serie der Badenden)“, schreibt Benzi, ”radikalisierte er zunehmend den Sinn für eine raue und nackte Realität und reduzierte gleichzeitig die expliziteren magischen und surrealen Charaktere, die ihn bis dahin fasziniert hatten, bis zu ihrem Verschwinden".

Hier also der monumentale (150 x 225 cm) und theatralische Sturm von 1938, der auf der Quadriennale des folgenden Jahres ausgestellt wurde und sich heute in einer römischen Privatsammlung befindet, mit den vom ungestümen Wind umgeworfenen Figuren, die sich entkleidet haben und sich im Gewühl vor der stiefmütterlichen Natur drängen. All dies in einem ausgeprägten Realismus, der jedoch tonalistischer, intimer und tragischer ist als der von Renato Guttusos populärer Fuga dall’Etna von 1939. Für Pirandello bedeutet es auch eine Abkehr von der surrealen Atmosphäre seiner eigenen Composizione von 1928 (Mailand, Privatsammlung) - mit zwei geschwollenen und grotesken Badenden, die sich nackt vor einem von einem Leuchtturm und dechirischem Spielzeug beherrschten Hafen ausziehen (der pictor optimus wird ein wichtiger Bezugspunkt für Pirandellos Werk bleiben). Das Bild des Optimus wird ein wichtiger Bezugspunkt für Pirandellos Werk bleiben) - oder aus dem symbolischen und esoterischen Gewebe des berühmten Gemäldes Frauen mit Salamander, das sich im Besitz der Erben des Künstlers befindet und zwischen 1928 und 1930, den Jahren seines Aufenthalts in Paris, entstanden ist.

In jungen Jahren ein wenig begeisterter Schüler des sizilianischen Bildhauers Ettore Ximenes, zu dem ihn sein Vater nach Abschluss seiner klassischen Studien am Tasso-Lyzeum in Rom geschickt hatte, dann ab 1919 ein Anhänger des an den Tiber verpflanzten deutschen Malers und Graveurs Sigmund Lipinsky, der ihn in die mitteleuropäische Sezession einführte Fausto Pirandello war in der französischen Hauptstadt gelandet, um seinen Eltern seine Verbindung mit dem Modell Pompilia D’Aprile und die Geburt des ersten gemeinsamen Sohnes, Pierluigi, zu verheimlichen. Die Lüge sollte eine Liebe verbergen, die der Vater angesichts der bescheidenen Herkunft des Mädchens, das (am 8. März 1930) Frau Pirandello werden sollte, nicht akzeptiert hätte, aber auch der Familie ermöglichen, weiterhin eine Beihilfe zu erhalten, um Faustos transalpine Studien zu finanzieren, was die gewinnbringende Kenntnis und unmittelbare Aufarbeitung des Kubismus, des Surrealismus und der Kunst der École de Paris bedeutete.

Fausto hatte Pompilia in Anticoli Corrado kennengelernt, einem kleinen Dorf in der Provinz Rom, das für sein gutes Klima und seine Mädchen bekannt war, die bereit waren, für Maler aus Rom zu posieren. Pirandello war nach Sommerkursen dorthin gekommen, zusammen mit anderen Protagonisten der zukünftigen römischen Schule wie seinen Freunden Emanuele Cavalli und Giuseppe Capograssi, die von einem anderen wichtigen Meister, dem piemontesischen Maler Felice Carena, geleitet wurden. Die Gemälde, die jetzt den ersten, mächtigen Saal der Ausstellung im Palazzo Carpegna in Rom bilden, gehören zu seiner frühen Phase - obwohl sie vor der ersten Ausstellung des Künstlers im Jahr 1925 entstanden, als er mit einem Gemälde unbekannten Orts, aber bezeichnenderweise mit dem Titel Badende, an der dritten römischen Biennale teilnahm . Dazu gehören die großen Akte von 1923 in den beiden Gemälden, die von Mart in Rovereto ausgeliehen wurden (aber in Agrigent nicht vorhanden sind), die unbekleideten Körper der Siesta rustica von 1924 (Mailand, Sammlung Giuseppe Iannaccone, Leihgeber auch des schönen Stilllebens La lettera von 1929) oder die anderen Akte der zusammengesetzten Scena campestre von 1926, die von einem römischen Sammler ausgeliehen wurden: Mit diesen Gemälden stellte der junge und gut vorbereitete Stadtkünstler die ländliche, bukolische und pastorale Realität ohne idyllische oder akademische Selbstgefälligkeit dar und verlieh ihr “eine realistische und ’unangenehme’ Fleischlichkeit, intellektuell und expressiv verformt und erlitten”, wie Fabio Benzi schreibt, der die Verbindung zwischen diesen Gemälden und den späteren Gemälden von Lucien Freud, dem Enkel des Vaters der Psychoanalyse, hervorhebt.

Von seinem Vater Luigi malte Fausto 1936 das eindrucksvolle Porträt, das sich heute in der Nationalgalerie für moderne Kunst in Rom befindet, die das Ölgemälde auf einer Tafel als Leihgabe an den Archäologischen Park von Agrigent übergab. Zu diesem Zeitpunkt war die Beziehung zwischen dem Autor von Fu Mattia Pascal und seinem drittgeborenen Sohn bereits so eng geworden, dass der Literaturnobelpreisträger in jenem Sommer bei seinem Sohn und seiner Schwiegertochter in Anticoli Corrado wohnte. Am 10. Dezember desselben Jahres 1936 verstarb Pirandello in Rom und zerbrach damit die Kette, die den großen Schriftsteller, der jedoch ein Hobbykünstler mit verzögertem Geschmack war, mit seinem brillanten, unabhängigen Malersohn verband. Der Essay von Claudio Strinati im Katalog mit dem Titel Luigi e Fausto ist ihrer schwierigen Beziehung gewidmet.

Der Autor dieses Artikels: Carlo Alberto Bucci

Nato a Roma nel 1962, Carlo Alberto Bucci si è laureato nel 1989 alla Sapienza con Augusto Gentili. Dalla tesi, dedicata all’opera di “Bartolomeo Montagna per la chiesa di San Bartolomeo a Vicenza”, sono stati estratti i saggi sulla “Pala Porto” e sulla “Presentazione al Tempio”, pubblicati da “Venezia ‘500”, rispettivamente, nel 1991 e nel 1993. È stato redattore a contratto del Dizionario biografico degli italiani dell’Istituto dell’Enciclopedia italiana, per il quale ha redatto alcune voci occupandosi dell’assegnazione e della revisione di quelle degli artisti. Ha lavorato alla schedatura dell’opera di Francesco Di Cocco con Enrico Crispolti, accanto al quale ha lavorato, tra l’altro, alla grande antologica romana del 1992 su Enrico Prampolini. Nel 2000 è stato assunto come redattore del sito Kataweb Arte, diretto da Paolo Vagheggi, quindi nel 2002 è passato al quotidiano La Repubblica dove è rimasto fino al 2024 lavorando per l’Ufficio centrale, per la Cronaca di Roma e per quella nazionale con la qualifica di capo servizio. Ha scritto numerosi articoli e recensioni per gli inserti “Robinson” e “il Venerdì” del quotidiano fondato da Eugenio Scalfari. Si occupa di critica e di divulgazione dell’arte, in particolare moderna e contemporanea (nella foto del 2024 di Dino Ignani è stato ritratto davanti a un dipinto di Giuseppe Modica).

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