Vom 20. September 2025 bis zum 11. Januar 2026 wird in den Sälen des Palazzo Reale in Mailand die Ausstellung Leonora Carrington zu sehen sein, eine Retrospektive (die erste in Italien) mit über 60 Werken, die das Leben und die Karriere der britischen Surrealistin Leonora Carrington (Clayton Green, 1917 - Mexiko-Stadt, 2011) rekonstruiert. Mexiko-Stadt, 2011), einer Künstlerin, die ausgehend von ihrer Heimat Lancashire mit ihren keltischen Wurzeln in Florenz, Paris, Südfrankreich, Spanien und New York und schließlich in Mexiko lebte, wo sie sich dauerhaft niederließ und seit langem als eine der wichtigsten Künstlerinnen neben Frida Kahlo und Remedios Varo gefeiert wird. Die Ausstellung wird von der Stadt Mailand-Cultura gefördert, von Palazzo Reale, MondoMostre, Civita Mostre e Musei und Electa produziert und dank der Gruppo Unipol, Hauptpartner, und Pirola Pennuto Zei & Associati, Premiumpartner, realisiert.
Die Initiative ist Teil des Programms derKulturolympiade Mailand Cortina 2026 und soll einen Einblick in das künstlerische Schaffen und die intellektuelle Identität von Leonora Carrington geben, und zwar anhand eines gegliederten Parcours aus Gemälden, Zeichnungen, Fotografien und Archivmaterial, der den gesamten Bogen ihres kreativen Lebens von ihren Ursprüngen in Europa bis zu ihren Wurzeln in Mexiko, ihrer zweiten Heimat, spannt und versucht, ihr den ihr zustehenden Platz in der Geschichte der modernen und zeitgenössischen Kunst zurückzugeben. Das von Tere Arcq und Carlos Martín kuratierte Projekt steht in Kontinuität mit der Leonor Fini gewidmeten Retrospektive(hier unsere Rezension), die, ebenfalls unter der Leitung der beiden Wissenschaftler, im Palazzo Reale in Mailand stattfindet und im Juli nach fast sechsmonatiger Ausstellungsdauer geschlossen wird. Fini und Carrington: beides Frauen, die, wenn auch auf unterschiedliche Weise, mit der surrealistischen Bewegung verbunden sind, Revolutionärinnen und Nonkonformistinnen.
Die Ausstellung versammelt einen Kern von Werken aus bedeutenden internationalen Institutionen und Privatsammlungen, die von der globalen Resonanz der Figur Leonora Carrington zeugen. Zu den renommierten Leihgebern gehören das Dallas Museum of Art, das Art Institute of Chicago und das Goddards Charles B. Center in den Vereinigten Staaten, die Banco Nacional de México, FAMM (Femmes Artistes du Musée de Mougins) in Frankreich, die Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea - GNAM in Rom, Frahm & Frahm sowie zahlreiche Privatsammler aus aller Welt, die das Ausstellungsprojekt großzügig unterstützt haben. Nach Mailand wird die Leonora Carrington-Ausstellung in Paris im Musée du Luxembourg zu sehen sein.
Leonora Carrington war eine Malerin, Bildhauerin, Schriftstellerin, Dramatikerin und Pionierin des feministischen und ökologischen Denkens. In ihrem Werk vermischen sich Traum und Wirklichkeit, Magie und Politik, Mythos und Psychologie und formen eine komplexe und vielschichtige Welt, die sich jeder Kategorisierung entzieht. Das Ausstellungsprojekt zielt darauf ab, den Facettenreichtum von Carrington in der ersten monografischen Ausstellung in Italien wiederzugeben: transnationale und extraterritoriale Künstlerin, Mutter, Exilantin, radikale Intellektuelle und unermüdliche Erforscherin des Bewusstseins. Ihre Forschungen finden Widerhall in zeitgenössischen Themen und haben ein außergewöhnliches posthumes Echo gefunden, insbesondere nach ihrer Teilnahme an der Biennale von Venedig 2022, die eine ihrer Kurzgeschichten als Titel und Motto nahm: Die Milch der Träume. Die Ausstellung will diesen Weg der Bestätigung und Anerkennung fortsetzen und Leonora Carrington als eine der einflussreichsten und revolutionärsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts würdigen, die in der Lage ist, mit neuen Generationen in Dialog zu treten und tiefgreifende Überlegungen zur Rolle von Kunst und Wissen anzuregen.
Die vorgeschlagene Ausstellung soll ihre kaleidoskopische Welt und ihre dichte intellektuelle Persönlichkeit auch einem neuen Publikum zugänglich machen, und zwar durch eine breite Auswahl von Werken und Dokumenten, die ihr vielfältiges und heterogenes Schaffen zeigen.
In der Ausstellung werden mehrere Themen angesprochen. An erster Stelle steht die tiefe Verbundenheit mit Italien, die eine entscheidende Etappe in Carringtons Ausbildung darstellte; insbesondere im Florenz der frühen 1930er Jahre festigte sie ihren Entschluss, sich der Kunst zu widmen, und nahm wesentliche bildnerische Einflüsse auf, die immer in ihrer Vorstellung bleiben werden, wie die der Maler des 14. und 15.
Die Ausstellung behandelt Themen, die vom weiblichen Körper bis zur menschlichen Psyche, von der Folklore bis zu den Strukturen der Macht reichen, und offenbart eine persönliche und universelle Vision, die von der Gegenwart aus gelesen wird, eine Fähigkeit der Künstlerin, Themen zu antizipieren, die heute im Mittelpunkt der kulturellen Debatte stehen. Ihre phantastischen Kreaturen, alchemistischen Symbole und mythologischen Figuren werden zu Werkzeugen für die Erforschung des menschlichen Daseins und eröffnen neue Möglichkeiten der Interpretation der Gegenwart.
Leonora Carrington war auch eine Frau, kosmopolitisch, staatenlos, eine Überlebende von Krieg und psychiatrischer Internierung. Sie überlebte Geisteskrankheit und Exil. Die ersten Jahre ihres Lebens waren von Flucht geprägt: Nachdem es ihr gelungen war, trotz des Widerstands ihres Vaters in Italien zu studieren, kam sie in Kontakt mit den Surrealisten und floh mit ihnen vor der erdrückenden Kontrolle der Vaterfigur und der Gewalt des Krieges und Europas. Er suchte Zuflucht in Mexiko, wo er seine Identität und seine Kunst wieder aufbaute. Kurz vor ihrem Aufenthalt in Mexiko war sie in eine psychiatrische Klinik in Santander, im frühfranquistischen Spanien, eingewiesen worden, wo sie unter unmenschlichen Bedingungen traumatisiert wurde - eine Erfahrung, die sie in ihrem außergewöhnlichen Buch Down Below schildert. Sein Werk und sein Leben spiegeln eine tiefe Widerstandsfähigkeit und Wandlungsfähigkeit wider: Angesichts des Traumas war er in der Lage, den Schmerz in Kreativität und Anprangerung umzuwandeln.
Wichtig sind auch die ThemenÖkologie und Feminismus. Leonora Carrington war eine Pionierin des Ökofeminismus, die den Schutz der Natur und die Rechte der Frauen in ihr Werk einfliessen liess. Ihre Kunst und ihr Denken betonen die Verbindung zwischen Frauen und Umwelt, prangern die räuberische Haltung des Mannes an und fördern die weibliche Autonomie und den Respekt vor dem Leben in all seinen Formen durch sehr persönliche Fruchtbarkeitsmetaphern. Darüber hinaus hat sie sich stets für einen “Feminismus des Gewissens” eingesetzt, der alle Geschlechter einbezieht und eine harmonische, von den Prinzipien der Alchemie inspirierte Vision der Welt entwirft.
Leonora Carringtons märchenhafteVorstellungskraft entfaltet sich auch in ihren Geschichten als ein grenzenloses Territorium, in dem sich das Fantastische und Traumhafte mit Elementen der Fabel und des Märchens vermischt. Ihre Geschichten sind bevölkert von sprechenden Tieren, unerwarteten Metamorphosen und Szenarien, in denen das Absurde scheinbar mit dem Alltäglichen koexistiert, wie in der Welt des von ihr bewunderten Lewis Carroll. Carrington nutzt die intuitive Logik von Kindergeschichten, um Universen zu schaffen, in denen Verwandlung und Freiheit möglich sind und die Normen der Realität und der traditionellen Moral in Frage stellen. Ihre Geschichten und Gemälde zeigen hybride Kreaturen, Mädchen, die sich mit Hyänen unterhalten, Bäume, die Jungen jagen, und Königinnen, die in Ziegenmilch baden. Die Autorin verwandelt Märchen in Räume der Rebellion und Kritik, in denen sich Humor, Horror und Magie mischen, um Geschlechterrollen und soziale Hierarchien zu unterlaufen. So ist Carringtons Fantasie nicht nur eine Flucht, sondern ein Akt der Schöpfung und der Widerstandsfähigkeit.
Vergessene Mythen und wiedergewonnenes Wissen stehen im Mittelpunkt ihrer Kunst. Esoterische Strömungen im Laufe der Geschichte, in Vergessenheit geratene Mythologien und die Wahrsagekünste sind Themen, die Carrington interessieren, weil sie als alternativer Zugang zum Unbewussten und zu den Rätseln des Menschen und der Natur gelten. Gemeinsam mit dem spanischen Maler Remedios Varo und der ungarischen Fotografin Kati Horna taucht sie in Mexiko in die Welt der Magie ein, die von allen dreien als Mittel zur Wiedererlangung “verbotener” weiblicher Kräfte verstanden wird. Bücher über Magie, Alchemie, Astrologie und Tarotkarten nehmen in seiner Bibliothek einen privilegierten Platz ein und liefern ihm Ikonografien, die er in seinem Werk immer wieder verwendet, um diesen Wissensformen den Platz zurückzugeben, der ihnen im Laufe der Geschichte geraubt wurde.
Schließlich wird sich die Ausstellung mit drei Themen befassen, die für Leonora Carringtons Kunst charakteristisch sind und die ihrerseits miteinander verbunden sind: Matriarchat, Kochen undAlchemie. Carrington untersuchte das Konzept des Matriarchats ausgehend von einem häuslichen Raum (der Küche) und einem der verbotenen Kenntnisse der Vergangenheit (Alchemie) als räumliche, kreative und symbolische Achsen. In ihren Arbeiten wird die Küche in einen Raum weiblicher Macht und Rituale verwandelt, in dem die Zubereitung von Speisen zu einem magischen und alchemistischen Akt wird. Für Carrington ist die Küche eine Werkstatt und ein Altar, in dem Frauen, zentrale und matriarchalische Figuren, transformative Prozesse vollziehen, indem sie Zutaten und überliefertes Wissen mischen und dabei in einem geschützten Raum Vertraulichkeiten austauschen. In ihren Kochbüchern und Gemälden verschmelzen Kochen und Mystik, wobei sie die Bedeutung von Kreativität, Spiritualität und weiblicher Autonomie in der häuslichen und künstlerischen Sphäre hervorhebt.
Die Ausstellung ist in fünf Abschnitte unterteilt, die teils chronologisch, teils thematisch gegliedert sind und jeweils einem entscheidenden Moment in Leonora Carringtons künstlerischem und existenziellem Leben gewidmet sind.
Die erste Abteilung trägt den Titel Leonora’s Grand Tour und beginnt mit ihrer Ausbildung und der Grand Tour, die sie von England nach Frankreich, in die Schweiz und nach Italien führte, ein Moment, der in der Serie Sisters of the Moon (1932-1933), die im Alter von 15 bis 16 Jahren entstand, zum Ausdruck kommt. Diese umfangreiche Serie zeigt imaginäre Frauen, die mächtig und mit rätselhaftem Wissen ausgestattet sind und eine Art alternative Kosmogonie schaffen, in der das Weibliche und imaginäre Kreaturen oder phantastische Bestien neben den Menschen existieren. In diesen Werken aus seiner frühesten Jugend lässt sich bereits erahnen, was seine tiefsten Interessen im Leben sein würden: Schwesternschaft, die affabulierende Phantasie, die literarische Komponente, die Erfindung von Mythologien und einige esoterische Aspekte wie die Astrologie. Der zweite Abschnitt ist La Mariée du vent: Surrealismus, von Saint-Martin d’Ardèche bis New York. Der Titel dieses Abschnitts bezieht sich auf den Spitznamen, den sie von ihrem Weggefährten in den Jahren ihrer Verbindung mit dem Surrealismus, Max Ernst, erhalten hat, der sie in einem Prolog zu einer von Carringtons Kurzgeschichten “die Braut des Windes” nannte. Im Surrealismus begann Carrington als Schriftstellerin und Malerin, eine persönliche Welt zu gestalten und ihre eigene Stimme zu finden. In diesem Abschnitt werden die Kreationen für das Gesamtkunstwerk, das das gemeinsame Haus mit Ernst in Saint-Martin d’Ardèche in Südfrankreich war, hervorgehoben. Leonora Carrington litt damals, wie die meisten Europäer, unter der Erfahrung des Krieges. Darüber hinaus litt sie aber auch unter Geisteskrankheit und Gefangenschaft (während ihrer spanischen Zeit in einem Sanatorium in Santander) sowie unter dem Trauma des Exils, als sie zusammen mit anderen Surrealisten die Wärme auf der anderen Seite des Atlantiks, weit weg von der Welt im Krieg, in New York suchte. Die Ausstellung umfasst Schlüsselwerke aus dieser Zeit des Exils, in der es für sie kein Zurück mehr gab und in der sich bereits eine reife Sprache herausbildete: Garden Bedroom (1941), Caballos (1941) oder La joie de patinage (1941), im Dialog mit Ernsts Meisterwerk The Spanish Physician (1940), einer großen Metapher für die Erfahrung der Malerin, mit einer fliehenden Carrington als Protagonistin.
Weiter geht es mit dem dritten Abschnitt, Spesamento: Bilokation und märchenhafte Imagination. In Leonoras Kindheit und während ihres gesamten Lebens haben Märchen und das Genre der Fantasie und des Abenteuers ihre Fantasie beflügelt. In Crookhey Hall, ihrem Elternhaus, erzählten ihre Mutter Maureen Moorhead und ihr Kindermädchen Mary Kavanaugh, die beide irischer Abstammung waren, keltische Mythen und Geschichten von einigen ihrer Lieblingsautoren: Lewis Carroll, Hans Christian Andersen, die Brüder Grimm, James Stephens und Jonathan Swift. Als Leonora Carrington sich in der zweiten Hälfte der 1940er Jahre in Mexiko niederließ und eine Familie gründete, kehrten die traumhaften und gespenstischen Erinnerungen an ihr Aufwachsen in diesem Herrenhaus in Lancashire zurück. In ihrem Werk machte sie die Erfahrung, sich an zwei Orten gleichzeitig zu befinden: in ihrer Heimat in der neuen Welt und in ihren Kindheitserinnerungen an ein fernes Europa, die in ihrem Unterbewusstsein lebendig blieben; sie war Mutter und sie war wieder ein hilfloses Kind. All dies findet seinen Niederschlag in einer Reihe von Werken, in denen sie ihre endgültige, reife Stimme findet, angefangen mit dem Meisterwerk Las tentaciones de san Antonio (1945), in dem sie sich mit der italienischen und flämischen Renaissancemalerei auseinandersetzt, aber auch in anderen Werken, in denen das Format der Predella, die Verwendung von Tempera oder die Atmosphäre des sakralen Gesprächs sie an ihre florentinische Ausbildung erinnern, wie Die Elemente (1946) oder Night Nursery Everything (1947). Dieser Blick zurück, mit einer ruhigeren Ästhetik und einer unbestreitbaren technischen Beherrschung, markiert auch einen wichtigen Meilenstein in ihrer Karriere, da ihre erste Einzelausstellung 1948 in der Pierre Matisse Gallery in New York stattfand.
Der vierte Abschnitt trägt den Titel The Heroine’s Journey (Die Reise der Heldin). Carringtons Forschung zielt auf die dunklen Orte des Wissens, in denen Licht und Schatten koexistieren, Räume, die von den verschiedenen Alter Egos der Künstlerin, den weiblichen “Heldinnen”, untersucht werden. Joseph Campbell, Autor der berühmten Studie über die Erzählstruktur mit dem Titel The Hero’s Journey (Die Heldenreise), war der Ansicht, dass das Individuum bei einer Auflösung der sozialen Struktur des Unbewussten etwas Neues finden muss, und dass der einzig mögliche Weg darin besteht, sich auf eine Heldenreise zu begeben, eine neue Suche, die von der kanonischen religiösen Tradition abweicht. In diesem Abschnitt werden das Werk und die Biografie von Carrington als weibliche Umsetzung dieser “Heldenreise” untersucht. Leonora Carrington verbrachte ihr Leben, wie sich ihr Sohn Gabriel erinnert, “immer auf der Suche nach inneren Landkarten, die ihr helfen sollten, sich in ihrem visionären Leben und ihren inneren Dämonen zurechtzufinden”, und ihre Landkarte war eine reichhaltige und komplexe Kartografie mystischer und spiritueller Traditionen, die aus alten und zeitgenössischen Lehren stammten. Ein herausragendes Beispiel ist The Magus Zoroaster Meeting his Own Image in the Garden (1960), in dem Carrington auf geschickte und einzigartige synkretistische Weise das doppelte Bild des Propheten, auch bekannt als Zarathustra und Begründer der altpersischen Religion des Zoroastrismus, mit Versen aus Percy Shelleys Stück Prometheus Unbound darstellt. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde Mexiko von konkurrierenden esoterischen Praktiken wie dem Spiritualismus, der Freimaurerei, dem Gnostizismus und der Theosophie von Madame Blavatsky belebt, doch besonders anziehend für Carrington waren die Ideen des russisch-armenischen Mystikers George I. Gurdjieff über die Evolution des Bewusstseins, die in Werken wie Under the Compass Rose (1955) zum Ausdruck kommen.
Den Abschluss bildet der Abschnitt Die alchemistische Küche: Inspiriert von einem von Susan Aberth geprägten Begriff untersucht dieser Abschnitt, wie Carrington magische Traditionen in sein Werk einfließen ließ, indem er nicht nur eine geheimnisvolle Symbolik verwendete, sondern auch komplexe Vorstellungen von den zeitlichen und räumlichen Veränderungen darstellte, die in der Umgebung dieser “alchemistischen Küche” stattfinden. Die Küche wurde zu einer Metapher für hermetische Operationen, ein Ort, der traditionell mit weiblicher Schufterei und Zwängen assoziiert wurde, wurde zum Schauplatz, an dem Frauen ihre Kräfte durch Alchemie, Magie und Zauberei zurückgewinnen konnten. In Mexiko wurde Carringtons Interesse an der Küche, das während ihrer idyllischen Zeit in Saint-Martin-d’Ardeche begonnen hatte, durch die Entdeckung faszinierender neuer Zutaten für die Zubereitung von Speisen sowie durch die Vielfalt an Kräutern und Pflanzen bereichert, die auf dem Hexenmarkt von Sonora für Zaubersprüche und Tränke verwendet werden.
Ein roter Innenraum mit einem für die Region Puebla typischen Herd wird zum Schauplatz des Gemäldes Grandmother Moorhead’s Aromatic Kitchen (1974), in dem eine Gruppe mysteriöser Gestalten, darunter Tiere und Menschen, im Rahmen eines magischen Zauberkreises unter den Augen einer riesigen Gans und einer Hexe um einen Tisch herum Tortillas kochen und Mais mahlen. Bezeichnenderweise verwies er auf den Ort, an dem der Maulwurf, einer der berühmtesten gastronomischen Schätze des Landes, von bescheidenen Nonnen in einem Kloster kreiert wurde, die die wenigen Zutaten, die sie hatten, vermischten, um einen Erzbischof, der zu Besuch war, zufrieden zu stellen. Wie in vielen ihrer Werke wird dieser Ort zu einem Ort der weiblichen Wiederbelebung, an dem ihr Interesse an Esoterik, Transformation und Fantasie mit der Symbolik des Essens verschmilzt und eine Vision entsteht, in der der Akt des Kochens zu einer magischen, rituellen und zutiefst kreativen Praxis wird.
Der Ausstellungskatalog wird von Electa herausgegeben und enthält Texte von Gabriel Weisz Carrington, Professor für Vergleichende Literaturwissenschaft an der UNAM, Mexiko; Karla Segura Pantoja, Professorin an der Université de Lyon, Frankreich; Susan Aberth, Edith C. Blum Chair. Blum-Lehrstuhl für Kunstgeschichte und visuelle Kultur und Koordinatorin des Theologieprogramms am Bard College; Kristoffer Noheden, Schriftsteller und Forscher am Fachbereich Medienwissenschaften der Universität Stockholm; und Carlos Martín und Tere Arcq, Ko-Kuratoren der Ausstellung.
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| Mailand zeigt Italiens erste Ausstellung über Leonora Carrington, 60 Werke im Palazzo Reale |
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