Die Stiftung Sandra und Giancarlo Bonollo für zeitgenössische Kunst in Thiene in der Provinz Vicenza präsentiert zwei neue Ausstellungsprojekte, die das Engagement der Einrichtung für die Förderung internationaler Talente und den Aufbau eines kulturellen Bezugspunkts mit globaler Reichweite bestätigen. Vom 22. November 2025 bis zum 31. Januar 2026 können die Besucher die persönliche Ausstellung der amerikanischen Malerin Anna Glantz mit dem Titel Tutto si si fa più grigio, più dorato e freddo / Es wird immer grauer, goldener und kälter, kuratiert von Elisa Carollo, und die des südafrikanischen Fotografen Pieter Hugo, Affinità / Affinities, kuratiert von Federica Angelucci, besuchen. Beide Ausstellungen finden in den Räumen derehemaligen Chiesa delle Dimesse in der Via dell’Eva 1 in Thiene statt.
Die Werke von Anna Glantz, die speziell für die Räume der Stiftung geschaffen wurden, bieten einen umfassenden Überblick über ihre jüngsten Forschungen. Die Künstlerin konzentriert sich auf die Genese der Form, d.h. auf die Elemente, die der eigentlichen Darstellung vorausgehen. Glantz’ malerische Praxis entwickelt sich rund um Materie, Farbe und Form, mit dem Ziel, die Spannung zwischen Innen- und Außenwelt, zwischen Figuration und Abstraktion herauszukristallisieren. Seine Malerei distanziert sich von den Modellen der traditionellen Figuration, um eine alternative Bildlogik zu konstruieren, in der Formen eher durch chromatische Vibrationen und Tonmodulationen als durch konventionelle Linien oder Geometrien entstehen. Auf den Leinwänden des Künstlers nehmen Raum und Zeit durch Material und Farbe eine sensible und wahrnehmbare Qualität an. Jedes Werk wird zu einem langsamen und nachdenklichen Prozess, in dem es darum geht, sich mit dem Wesen der Dinge und ihrem ursprünglichen Bild wieder zu verbinden. Die Werke in ihrer Gesamtheit heben eine Dialektik zwischen den Bildelementen hervor: Pinselstriche, Farbtöne und wiederkehrende Motive verbinden sich zu Bedeutungen, die sich bei isolierter Betrachtung nicht ergeben würden. Die Erfahrung der Ausstellung bietet eine Art Offenbarung: Für Glantz ist die Malerei nicht mehr nur ein Mittel zur bloßen Darstellung, sondern ein Werkzeug, mit dem er die Art und Weise hinterfragt, wie wir die Welt mit unseren Sinnen und unserem Geist wahrnehmen und bewohnen. Seine Leinwände rematerialisieren Wahrnehmungen, Erinnerungen und Empfindungen, indem sie intime und subjektive Erfahrungen in sichtbare Formen übersetzen.
“Das Gemälde auf dem Altar”, erklärt Elisa Carollo, die Kuratorin der Ausstellung, "erinnert zwar formal an heilige Ikonen, muss aber nicht mehr die Gottheit abbilden: Die Malerei selbst wird zu einem Vehikel der Manifestation, das durch die Materie und den Schöpfungsprozess, den es verkörpert, das tiefste Geheimnis der Schöpfung offenbart, die Genese aller Dinge, die aus dem Chaos und der Leere hervorgehen, um Form zu werden.
Parallel dazu zeigt die Stiftung die Einzelausstellung Affinity von Pieter Hugo, einem südafrikanischen Fotografen. Die Ausstellung versammelt Porträts von Menschen, die der Künstler im Laufe der Jahre getroffen hat und die aus unterschiedlichen geografischen und sozialen Verhältnissen stammen. Hugos Schwerpunkt liegt auf der Intimität der Porträtierten und der visuellen Verbindung mit dem Betrachter. Die Porträts in ganzer oder halber Länge zeigen oft nackte Personen, die den Betrachter direkt ansehen, wodurch eine schwebende Szene entsteht, die vom Vorher und Nachher losgelöst ist. Die fotografierten Gesichter und Körper werden jenseits von Stereotypen und Kategorisierungen präsentiert und skizzieren eine komplexe und nicht vereinfachte Landkarte der heutigen Menschheit, in der jedes Individuum seine eigene, nicht reduzierbare Einzigartigkeit behält.
“Ein Großteil meiner Arbeit steht in der postdokumentarischen Tradition und zielt darauf ab, die Wahrhaftigkeit und die Möglichkeiten des fotografischen Mediums zu untersuchen”, erklärt der Künstler. “Ich kehre jedoch zyklisch zu dem zurück, was mich schon immer an der Fotografie gereizt hat: Neugierde, Präsenz in der Welt, Vergänglichkeit, die klare Verbindung der Fotografie zum Tod. Ich erforsche, wie ein Bild ’genug’ sein kann, ohne mehr sein zu müssen als ein Zeugnis der Zeit, der Tatsache, dass jemand beobachtet hat, einen Standpunkt eingenommen oder einen Impuls verspürt hat, der stark genug war, um ein Bild zu machen. ”Wenn die Normalität symmetrisch ist, zieht mich das Asymmetrische an. Die Starrheit eines normalen Ganges muss erdrückend sein. Die Gesellschaft will Kontrolle ausüben, durch einen binären Zustand, in dem alles Gleichgewicht und Auflösung ist".
Hugo bedient sich verschiedener Bildsprachen, von der forensischen dermatologischen Fotografie bis hin zur Kunstgeschichte, und lässt diese Referenzen in seine Aufnahmen einfließen. Die Serie There’s a Place in Hell for Me and My Friends, zu der auch ein Selbstporträt gehört, ist von der medizinischen Fotografie inspiriert: Hautmale und Pigmentierungen werden zu informativen Elementen. Die digital manipulierten und auf Schwarz-Weiß reduzierten Bilder zeigen Unvollkommenheiten und Widersprüche im Zusammenhang mit der ästhetischen Wahrnehmung und den von der Populärkultur auferlegten Schönheitskanons. Unter den ausgestellten Werken versammelt die Serie Solus Vol. I Porträts, die durch Street-Casting entstanden sind. Die Modelle werden aufgefordert, sich ohne Filter vor einem neutralen Hintergrund zu präsentieren, und bieten eine Analyse der ästhetischen Werte, die die zeitgenössische Modeindustrie kennzeichnen. Einige Porträts beziehen sich eindeutig auf die Kunstgeschichte: Gabrielle and One of Her Sisters minimiert die umgebenden Details, damit zwei nackte Körper den gesamten Bildraum einnehmen und eine Atmosphäre zwischen Erotik und Zärtlichkeit erzeugen. Last Days of Breastfeeding hingegen zeigt eine Mutter mit ihrem Baby, das einzige Beispiel in der Ausstellung für ein häusliches Interieur, das Erinnerungen an Madonnen der Renaissance wachruft, ohne deren ikonografische Form zu übernehmen, aber deren Qualität der Intimität beibehält.
Hugo beschäftigt sich auch mit Themen wie Alter und Geschlecht: Drei Farbporträts betonen Jugend und Männlichkeit. In Truck Driver beschreiben Überschwang und ein offener Blick eine direkte Beziehung zur Welt; in Shaun Oliver wird das mittlere Alter mit Ironie und einer trotzigen Haltung dargestellt; Jakob, der jugendliche Sohn des Künstlers, zeigt dem Publikum physische und psychische Verletzlichkeit und verwandelt Zerbrechlichkeit in Ausdrucksstärke. Die Ausstellung schließt mit Crow’s Feet, Cape Town (2018), einem Detail des Auges aus der Serie What the Light Falls On, die in den letzten 23 Jahren entstanden ist und in der die Beziehung zwischen Fotograf und Subjekt, Beobachter und Beobachtetem die Essenz von Affinity verkörpert.
Mit diesen beiden Ausstellungen festigt die Fondazione Sandra e Giancarlo Bonollo ihre Position als Referenzzentrum für internationale zeitgenössische Kunst und bekräftigt ihre Berufung, als kultureller Knotenpunkt zu fungieren und die Verbreitung von Werken und Künstlern aus den unterschiedlichsten internationalen Kontexten zu fördern.
Anna Glantz (Concord, 1989) lebt und arbeitet in Los Angeles. Ihre Malerei bewegt sich zwischen Figuration und Abstraktion und erforscht die Psychologie des Bildes, die Wahrnehmung und das Verhältnis zwischen Vision, Zeit und Bedeutungsproduktion. Sie hat einen BA in Kunst und Linguistik von der UCLA und einen MFA in Visual Arts von der Columbia University im Jahr 2014. Sie hat in Galerien wie The Approach (London), Chris Sharp Gallery (Los Angeles), Foxy Production und PAGE (New York) ausgestellt und an internationalen Ausstellungen wie Independent New York teilgenommen. Er hat an Gruppenausstellungen in der Marian Goodman Gallery (Los Angeles), Tanya Leighton (Berlin), Zabludowicz Collection (London), Standard (Oslo), Petzel Gallery und James Cohan Gallery (New York) teilgenommen. Zu den Auszeichnungen gehören das Rema Hort Mann Emerging Artist Grant (2016), das Andrew Fisher Fellowship (2013), das Dong Kingman Fellowship (2012) und das UCLA Regents Scholarship (2007). Ihre Werke befinden sich in privaten und institutionellen Sammlungen, darunter die Sandra und Giancarlo Bonollo Foundation for Contemporary Art, die Erling Kagge Collection und das Museum Voorlinden. Im Jahr 2025 widmete ihr die Bonollo-Stiftung ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Italien.
Pieter Hugo (Johannesburg, 1976) lebt und arbeitet in der Nähe von Kapstadt. Er arbeitet zwischen Studioporträts, Dokumentarfotografie und inszenierten Kompositionen und untersucht, wie sich Geschichte, Kontext und Zeit auf Menschen, Orte und visuelle Kulturen auswirken. In seinen Porträts erforscht er Subkulturen, marginale Identitäten, Konflikte, Selbstdarstellung und Familiendynamik und schafft einen Raum zwischen Erscheinung und geteilter Menschlichkeit, zwischen Ästhetik und Verantwortung des Blicks. Zu seinen bekanntesten Serien gehören Kin (Südafrika), The Hyena Men (Nigeria), Nollywood (nigerianische Filmindustrie) und La Cucaracha (Mexiko). Hugos Werke befinden sich in Sammlungen wie dem Museum of Modern Art und dem Metropolitan Museum of Art (New York), der National Gallery of Victoria (Melbourne), dem Rijksmuseum (Amsterdam), dem Victoria & Albert Museum (London) und dem Centre Pompidou (Paris). Er erhielt den ersten Preis beim PDN Photo Annual Award (2015), den Discovery Award beim Festival Rencontres d’Arles (2008), den KLM Paul Huf Award (2008) und den ersten Preis in der Sektion Portraits der World Press Photo (2016). Zu den jüngsten Einzelausstellungen gehören Foam (Amsterdam), Museum für Kunst und Kulturgeschichte (Dortmund) und MAXXI (Rom).
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| Zeitgenössische Kunst in Thiene: Anna Glantz und Pieter Hugo in zwei Einzelausstellungen |
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