Die Natur hat in der Tierwelt wahre Meisterwerke geschaffen. Eines der erstaunlichsten Beispiele ist der Pfau: Es ist, als hätte sich ein Maler von wer weiß woher im Universum einen Spaß daraus gemacht, mit außerordentlicher Akribie eine unendliche Anzahl von Augen auf seinen Schwanz zu malen, nachdem er seinen Körper in ein leuchtendes Blau getaucht hatte. Wenn ein Pfau uns erfreut und privilegiert, indem er uns sein buntes Rad bewundern lässt, sind wir immer noch fasziniert, erstaunt und denken darüber nach, wie es möglich ist, dass ein solches Kunstwerk auf den Federn dieses Tieres entstehen konnte. Für ihn ist das Rad eine balzende Geste gegenüber dem weiblichen Exemplar, er zeigt sich in seiner ganzen Schönheit, um bei ihr Bewunderung zu finden: Aus diesem Grund hat er sich selbst das Etikett des eitlen Vogels angeheftet, so sehr, dass er von seiner Haltung auch den Begriff “stolzieren” in Bezug auf eine Person abgeleitet hat.
Nach der Mythologie, mit der die Alten alles zu erklären versuchten, war es kein Maler, der den Schwanz des Pfaus mit diesen Formen bemalte, sondern die Götterkönigin Juno, die Braut Jupiters, die sich ständig mit den Untreueversuchen des Gottes des römischen Pantheons herumschlug. In den Metamorphosen von Ovid wird erzählt, dass Jupiter sich in die junge Nymphe Io verliebt hatte, sich aber der Eifersucht und des Misstrauens seiner Frau Juno bewusst war. Um die wahre Identität der Nymphe zu verbergen, beschloss er daher, sie in eine weiße Färse zu verwandeln. Juno lässt sich jedoch nicht so leicht täuschen: Misstrauisch über ihr plötzliches Erscheinen und bereits ahnend, dass eine weitere Täuschung ihres Mannes dahintersteckt, bittet sie Jupiter selbst um die Färse als Geschenk. Der Götterkönig zögert zwar, wagt es aber nicht, sich seiner Frau offen zu widersetzen, und nimmt ihre Bitte an, um keinen weiteren Verdacht zu erregen. Die Göttin, die die betrügerischen Gewohnheiten ihres Mannes gut kannte, beschließt daraufhin, die Färse unter die Aufsicht des treuen Argus zu stellen, der hundert über den ganzen Kopf verteilte Augen besaß. Gerade diese Eigenschaft machte Argos in seiner Wachsamkeit fast unbesiegbar, denn selbst wenn er sich einen Moment der Ruhe gönnte, schloss er nie alle Augen, sondern nur einen Teil davon, wobei er die anderen immer weit offen ließ. Jupiter, der von dem Gedanken an die gefangene Io gequält wird und ihr die Freiheit zurückgeben möchte, überlegt, wie er den hundertäugigen Wächter täuschen kann. Er beschließt daher, sich auf den göttlichen Boten Merkur zu verlassen, der seine Intelligenz mit der Kraft der Sprache und dem Charme der Musik zu verbinden wusste. Jupiter weist ihn an, sich als einfacher Hirte zu verkleiden und sich Argos auf natürliche Weise zu nähern, indem er ein Musikinstrument, die Spritze, mit sich führt. Merkur führt den Auftrag gewissenhaft aus: Er gibt sich als einfacher Hirte aus und beginnt eine Melodie zu spielen, die Argos sofort in ihren Bann zieht, der den jungen Mann, wie geplant, einlädt, sich neben ihn zu setzen. Mit großem Geschick wechselt Merkur zwischen Musik und Erzählung: Er erzählt die Geschichte von Pan und der Nymphe Syrinx, wobei er Worte und Noten in einer so angenehmen Harmonie miteinander verwebt, dass Argos’ Wachsein immer anstrengender wird. Nach und nach beginnen sich die Augen des Wächters zu schließen, bis auch die letzten dem Schlaf erliegen. In diesem Moment nutzt Merkur die Gunst der Stunde und schlägt ihm den Kopf ab. Die junge Nymphe, die immer noch die Gestalt einer Färse hat, ist nun frei. Als Juno jedoch vom tragischen Ende ihres treuen Dieners erfährt, ist sie zutiefst betrübt und beschließt, um sein Andenken zu ehren, zumindest einen Teil seines Wesens zu bewahren. Sie sammelt nämlich alle seine Augen, ein Symbol ihrer unermüdlichen Wachsamkeit, und bringt sie auf den Schwanzfedern des Pfaus an, einem ihr heiligen Tier. Seitdem trägt der Pfau diese prächtigen Augen an seinem Schwanz, eine ewige Erinnerung an Argos’ Hingabe und Schicksal.
Das Gemälde Juno und Argos von Peter Paul Rubens aus der Zeit um 1610, das im Wallraf-Richartz-Museum in Köln aufbewahrt wird, stellt die mythologische Episode feierlich dar. Die Figur der Juno ist hier sofort erkennbar, majestätisch, in ein rotes Kleid gehüllt, mit einem goldbestickten Mantel, der ihre Identität als Königin der Götter unterstreicht, was durch die kostbare Krone, die ihr Haupt umgibt, noch betont wird. In ihren Händen hält sie die Augen des Argos, die bereit sind, auf die Federn des Pfauenschwanzes aufgetragen zu werden, der zwischen ihr und einem blonden Mädchen in einem blauen Gewand zu sehen ist, das ihr bei diesem heiklen Vorgang hilft, wahrscheinlich Iris. Der Kopf von Argo ruht auf dem Gewand der letzteren, während der Körper des Wächters leblos auf dem Boden im Vordergrund liegt. Hinter dem goldenen Mantel der Juno steht ein weiteres Mädchen mit einem zarten und feinen Gesicht, das die Szene beobachtet.
Drei verspielte Putten beleben die Szene, indem sie mit den Federn der Pfauen spielen (zusätzlich zu der in der Mitte der Szene, deren Schwanz geschlossen ist, weil sie noch mit den Augen von Argos, einem anderen Pfau, geschmückt werden muss, der sich bereits im Kreis dreht) und so jene barocke Vitalität einführen, die die Dramatik des Mythos abschwächt. In der für Rubens typischen Komposition wechseln sich Feierlichkeit und Sinnlichkeit ab: die vollen, dynamischen Körper (die Dynamik, die der leblose Körper des Argos ausstrahlt, ist außergewöhnlich), die üppige, von Rot-, Gold- und Blautönen dominierte Farbpalette, der Kontrast zwischen der dekorativen Anmut der Pfauen und der Dramatik des leblosen Körpers des hundertäugigen Wächters. Die Geste der Juno ist feierlich und zärtlich zugleich, während um sie herum die barocke Pracht explodiert: die spielenden Putten, das sich entfaltende Pfauenrad, der von einem Regenbogen erleuchtete Himmel, der die Szene mit einer Aura des Wunders und der Transzendenz versiegelt, als Hinweis auf die Anwesenheit von Iris. Der Tod von Argo erscheint hier nicht als tragisches Ereignis, sondern als eine Metamorphose: ein Akt, der dazu bestimmt ist, das Leben zu überdauern.
Mit erzählerischer und visueller Kraft verwebt Rubens Sinnlichkeit, Farbreichtum und dramatische Intensität in einem einzigen Bild und verwandelt den Mythos in ein barockes Spektakel.
“Die Vorherrschaft von Gelb, Rot und Blau in Rubens’ Werken dieser Periode wird weithin auf das Interesse des Künstlers an der Farbtheorie zurückgeführt, insbesondere an der von Aristoteles und D’Aguilon”, schreibt Marcia Pointon in ihrem Essay Colour and Tactility: Lithic Influences during Rubens’ Period in Italy. “Das in diesem Gemälde vorherrschende Goldgelb spiegelt jedoch auch die dominierenden Gelbtöne des Gewandes des Heiligen Gregor im Vallicella-Altar und der Marmorverkleidung der Cesi-Kapelle wider, während das kunstvolle Motiv des königlichen Umhangs der Juno und der Pfauenschwänze an die kostbaren Edelsteine in der Kapelle des Heiligen Philipp Neri erinnert. Tatsächlich ist der Akt des Einsetzens der Augen in die Pfauenschwänze der eines Handwerkers, der die Augen in die von Ovid beschriebene ”gemmis stellantibus“ verwandelt, während die in diesem Gemälde festgestellte ”wahrnehmende Mischung“ der Farben an die für Marmor so charakteristische Farbmischung erinnert. Die Farbe der Augen wird durch die Iris bestimmt, die nach der Regenbogengöttin Juno benannt ist, die ihr zur Seite steht”.
Sehr theatralisch ist ein anderes Werk zum gleichen Thema, das Orazio Riminaldi einige Jahre später, um 1617, schuf und das sich heute in der Galerie Doria Pamphilj in Rom befindet. In einer eindrucksvollen Komposition, die auf Helldunkel beruht, steht die Göttin Juno im Zentrum, in einer dynamischen und zugleich kraftvollen Pose, die darauf ausgerichtet ist, die Augen von Argos auf den Schwanz des Pfaus zu richten, neben dem sie im Halbdunkel steht. Auf ihrer schneeweißen Haut und den üppigen Faltenwürfen ihres leuchtend roten Gewandes liegt ein dramatisches Licht, das auch auf den nackten Oberkörper des am Boden liegenden Argos fällt. Junos linkes Bein tritt aus ihrem Gewand hervor: Der Körper der Göttin ist in einer Drehung; mit der linken Hand umklammert sie den Schwanz des ihr geweihten Tieres, während sie mit der rechten ihren Blick vom Kopf ihres treuen Beschützers löst. Merkur ist im Flug durch die Wolken und fliegt davon, nachdem er Jupiters Willen gehorcht hat. Es handelt sich um eine “Leinwand, die über die unzweifelhaften Manfredi-Elemente hinaus”, wie Pierluigi Carofano in seinem Essay Orazio Riminaldi, un artista pisano tra caravaggismo e classicismo schreibt, "das Studium von Francesco Mochis Heiliger Martha in der Barberini-Kapelle in Sant’Andrea della Valle für die schreitende Haltung der Protagonistin von statuarischer Eleganz verrät. Aber die schwer fassbaren Profile, die länglichen, großen Augen, die einhüllenden, von breiten, stereometrisch im Raum angeordneten Falten geprägten Tücher sprechen für die Aufmerksamkeit auf das Gemälde des französischen Malers Régnier. Sicherlich kann Riminaldi seine idealistisch-toskanische Prägung, die sich in dem unnatürlichen Flattern hinter Junos Schultern manifestiert, nicht ganz aufgeben; aber die realistische Anordnung des roten Tuchs gehört zum Schönsten, was die nachkaravaggeske Malerei zu bieten hat, ebenso wie das langsame Drehen des weißen Hemds am Arm der Protagonistin. Aus diesen Gründen ist es angemessen, Juno als eines von Riminaldis ersten Werken in Rom zu betrachten, das dicht an nachdenklichen Verweisen auf die aktuelle Malerei ist, vermischt mit Vermächtnissen des späten 16. Jahrhunderts, insbesondere in der stark gezeichneten Anatomie der Argo".
Gregorio De Ferrari, einer der bedeutendsten Vertreter des Genueser Barocks, stellte zwischen 1685 und 1695 in einem Gemälde, das sich heute im Pariser Louvre befindet, ebenfalls eine Episode aus Ovids Metamorphosen dar. Das Werk steht ganz im Zeichen des Genueser Barocks der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, und beim Betrachten fällt sofort die kontinuierliche Bewegung auf, die die Figuren durchzieht: Die Körper sind nicht starr, sondern scheinen sich zu wiegen, zu beugen und in einem Tanz gewundener Linien zu verflechten. Diese fließende Bewegung ist ein typisches Merkmal von De Ferrari, einem Künstler, der elegante Posen bevorzugt und in der Lage ist, selbst einer Szene, die von ihrem Thema her tragisch ist, Anmut zu verleihen. Wie in der Ikonographie üblich, wendet Juno die Augen von Argos auf die Federn des Pfaus an. Neben ihr erscheinen zwei Putten: die eine hält einen Pfau in den Händen, die andere den Kopf des Wächters, und beide richten ihren Blick auf die Göttin. Im Vordergrund liegt der leblose Körper von Argos auf dem Boden. Das Licht spielt eine Schlüsselrolle: Es ist nicht gleichmäßig gestreut, sondern konzentriert sich auf die Gesichter und Körper und lässt sie aus einem dunkleren, stimmungsvolleren Hintergrund hervortreten. Das Ergebnis ist ein theatralischer Effekt, der an ein Bühnenbild erinnert, mit starken Kontrasten zwischen warmem Licht und Schatten. Auch die Farben tragen zu diesem Eindruck bei, mit weichen, leuchtenden Tönen, die sich von den dunkleren Tönen der Landschaft abheben. Die beiden Bäume mit verdrehten Stämmen, die im Hintergrund erscheinen, erinnern an Giovanni Benedetto Castiglione. Der flatternde Faltenwurf des Kleides der Juno wird hingegen mit dem eines Engels in De Ferraris Piscina Probatica in Verbindung gebracht, während die Anwesenheit des Pfaus an das Gewölbe des Palazzo Durazzo-Brignole in Genua erinnert.
Die Mythologie hat manchmal die außergewöhnliche Fähigkeit, uns die Welt mit anderen Augen sehen zu lassen. So sehen wir vor einem Pfau, der sein Rad ausbreitet, nicht nur außerordentlich geschmückte Federn, sondern auch die wachsamen Augen von Argos, der durch Junos göttliche Geste unsterblich geworden ist.
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