Die Stätten des Pegasus. Spuren des Mythos in der Toskana

Das Blut floss in dünnen Fäden zu Boden, jeder in seinem eigenen Rhythmus, in dem Moment, als Perseus Medusas Kopf abschlug. Der Boden, der von dieser Hitze getroffen wurde, die so intensiv war, dass es schien, als würde er atmen, veränderte seine Beschaffenheit mit einer Geschwindigkeit, die nicht zu den Dingen hier unten gehört. Er saugte die Substanz auf, ließ sie durch seine eigenen Risse laufen, hielt die rote Handschrift zurück, die sich nach unten senkte, und in dem Moment, in dem diese Flüssigkeit auf die Haut der Welt traf, wurde Pegasus geboren, ein Geschöpf, das aus einer Wunde geboren wurde und von Anfang an dazu berufen war, sich aus dem Boden zu erheben.

Diese Geburt enthält bereits den Kern, der es der Figur ermöglicht, die Jahrhunderte der Vorstellungskraft zu durchqueren: ein Wesen, das aus einem Bruch hervorgeht, das dazu bestimmt ist, sich nach oben zu bewegen, ein Körper, der der Erde nur lange genug angehört, um sich von ihr zu lösen. In der griechischen Welt ist Pegasus mit der ordnenden Kraft des Kosmos und mit der Disziplin des Einfallsreichtums verbunden; er ist es, der mit seinem Huf den hippokratischen Brunnen öffnet, er ist es, der zum Begleiter der poetischen Inspiration wird, zur Brücke zwischen Materie und Vision. Es ist nicht verwunderlich, dass sich sein Bild, das später zum Symbol der Toskana wurde, in Keramiken, Reliefs und Votivbildern wiederfindet und sich im gesamten Mittelmeerraum als eine Figur verbreitet, die sowohl zum Mythos als auch zur täglichen Praxis in Werkstätten und Heiligtümern gehört.

Das Archäologische Nationalmuseum in Florenz beherbergt einige der ältesten und greifbarsten Spuren der Übertragung des Pegasus aus dem Bereich des Mythos in den Bereich des Bildes, von der Transparenz der mündlichen Erzählung in die Dichte der Materie. Hier, im Herzen einer der am stärksten geschichteten etruskisch-italienischen Sammlungen, stößt man auf eine kleine Votivbronze, die das geflügelte Pferd darstellt. Es handelt sich um eine essentielle Form, die auf wenige Zentimeter zusammengedrückt ist, wobei die Flügel knapp über die Rückenlinie gestreckt sind, der Hals nach vorne zeigt und der Körper zu einer funktionalen Kompaktheit zusammengefasst ist. Es handelt sich um einen Gegenstand, der für ein Ritual bestimmt ist. Die Bronze, die wahrscheinlich in einem Votiv- oder Bestattungskontext aufgestellt wurde, zeugt von der Aufnahme des Pegasus in die etruskische Symbolwelt als Vermittler zwischen der Welt und dem Jenseits, als Figur der Schwelle. Diese kleine Bronze, unsigniert und undatiert, ist heute in dem Raum ausgestellt, in dem auch die berühmte Chimäre von Arezzo steht. Ihre Platzierung, die nicht zufällig ist, erinnert an die antike ikonografische Verbindung zwischen den beiden Kreaturen, ein Erbe der Legende, in der Pegasus Bellerophon im Kampf gegen das Ungeheuer begleitet .

Neben diesem Werk präsentiert das Museum einen weiteren Fund von besonderem Interesse: eineOinochoe, d. h. ein etruskisch-korinthischer Weinkrug aus dem 6. Jahrhundert v. Chr., der mit schwarzen Figuren verziert ist und auf dem Pegasus in voller Fahrt erscheint. Das Tier wird in Wirklichkeit von mehreren geflügelten Pferden flankiert, und das Bild suggeriert den Moment, in dem die Kreatur aus dem enthaupteten Körper der Medusa aufsteigt, wie es in der archaischen Version des Mythos beschrieben wird. Hier wird die Form zur Sprache; der scharfe Strich der schwarzen Linie zeichnet das Profil des Tieres auf den hellen Tonhintergrund und definiert seine Mähne als grafische Sequenz, während der Flügel als vertikales Element fungiert und das Aufwärtspotenzial der Kreatur evoziert. Diese Keramik etruskischen Ursprungs, die jedoch von der korinthisch-griechischen Tradition beeinflusst ist, zeigt einen Pegasus, der in der Ikonographie bereits vollendet ist. Die Figur ist in der Tat voll erkennbar, aber immer noch mit der Sphäre des häuslichen Ritus oder des Grabopfers verbunden.

Wenn der Pegasus in die visuelle Vorstellungswelt der Toskana zurückkehrt, dann in einer Form, dieder Humanismus ohne Zögern anerkannte. Die Renaissance, die im Mythos eine Grammatik des Denkens erkennt, vertraut Figuren wie dieser die Fähigkeit an, den Adel des Intellekts und die Spannung, die ihn von der Verwirrung zur Klarheit führt, darzustellen. Die Medaille, die Benvenuto Cellini um 1537 für Pietro Bembo anfertigte, ist eine der frühesten und gelungensten modernen Übersetzungen dieses Textes. Auf der Rückseite berührt das Pferd mit einem Huf den Felsen, aus dem Hippokrene, die Quelle der poetischen Inspiration auf dem Berg Helikon, entspringt. Das Bild ist in einem winzigen, gemessenen Relief konzentriert und ersetzt jede Betonung durch geometrische Strenge. Es gibt keine erzählende Szene, keine Anspielung auf die Grausamkeit des ursprünglichen Mythos: Es bleibt nur die Geste, fein eingraviert mit der Präzision, die den Symbolen gebührt.

Von diesem Modell geht eine visuelle Genealogie aus, die drei Jahrhunderte später in dem monumentalen Werk von Aristodemo Costoli wieder auftaucht. Sein Pegasus, der heute im Herzen der Boboli-Gärten steht, wurde nicht als ein Werk geschaffen, das dazu bestimmt war, den Mythos im engeren Sinne zu feiern, sondern als eine kultivierte und öffentliche Übung der plastischen Übersetzung eines Symbols, das, wie wir soeben gesehen haben, in der für Pietro Bembo geprägten und Benvenuto Cellini zugeschriebenen Medaille ein hohes Maß gefunden hatte. Diese kleine, mit Strenge gemeißelte Fläche konzentriert auf wenigen Millimetern das gesamte allegorische Potenzial der Kreatur.

Costoli betrachtet diese Form mit einer Aufmerksamkeit, die niemals ein wörtliches Zitat ist, sondern eine kontinuierliche bildhauerische Überlegung. Der Anlass, der zu seinem Pegasus führte, geht auf das Jahr 1827 zurück, als der Künstler, der noch Schüler der Accademia war, den Auftrag erhielt, ein neues geflügeltes Pferd für den Parco delle Cascine zu modellieren, das ein inzwischen verfallenes Terrakotta-Modell ersetzen sollte. Die Zeit der Ausführung (fast fünfundzwanzig Jahre) entsprach nicht nur den technischen und formalen Schwierigkeiten des Werks, sondern auch einer Veränderung des Status des Bildes selbst: von einem Element der Stadtmöblierung zu einer Figur, die ein monumentales Gewicht und eine viel umfassendere repräsentative Funktion übernehmen konnte. Als die Skulptur 1851 endlich fertiggestellt war, erwies sich der ursprünglich vorgesehene Standort als unzureichend, und der Vorschlag, sie in den Prato della Meridiana in Boboli zu verlegen, der 1854 angenommen wurde, wurde zur Voraussetzung für eine neue Zentralität des Werks im Gartenraum.

Die bildhauerische Ausführung spiegelt dieses Bewusstsein wider. Der weiße Marmor, der mit einer Sachkenntnis bearbeitet wurde, die auf alle ornamentalen Zugeständnisse verzichtet, ist nach einem strengen Schema angeordnet, bei dem jedes Detail einer inneren Logik der Spannung und des Maßes entspricht. Die Flügel, ohne betonte Amplitude gespreizt, beschreiben ein fast architektonisches Gleichgewicht; der Hals, nach vorne gestreckt, drückt die Orientierung aus; die Hinterbeine, in einer schrägen Position versammelt, konzentrieren in der Geste die Kraft einer bevorstehenden Loslösung, die niemals inszeniert werden wird. Das Pferd ist ganz in seiner Kraft, in dem Bewusstsein, dass die Energie des Aufstiegs in seiner Vorbereitung bekräftigt wird. Der eigens für den Prato della Meridiana entworfene Sockel begleitet die Figur nicht, sondern nimmt ihre latente Vertikalität auf und unterstützt den visuellen Druck eines Körpers, der zwar fest auf dem Boden steht, dem Auge aber eine aufsteigende Flugbahn aufzwingt.

In dem zurückhaltenden und polierten Körper dieser Kreatur, die so geformt wurde, dass sie der Zeit und ihren Veränderungen widersteht, kann man die Voraussetzungen für die lange ikonografische Aneignung erkennen, die dazu führen sollte, dass Pegasus zunächst zum Symbol des toskanischen Komitees für die nationale Befreiung während des Widerstands und dann 1970 zum Emblem der Region Toskana wurde. Doch bereits in dieser Version aus dem späten 19. Jahrhundert hat das geflügelte Pferd eine Funktion übernommen, die über die mythologische Erzählung hinausgeht und Teil einer Denkkultur ist, die vor allem die Beherrschung der Formen fordert.

Lange bevor die Monumentalität des 19. Jahrhunderts Pegasus mit der Aufgabe betraute, über offene Räume zu herrschen, hatte das geflügelte Wesen bereits Eingang in die reservierteren und selektiveren Kreise der Medici-Kultur gefunden und verkörperte eine andere Vorstellung von Erhabenheit: gesammelt und reflektierend. Unter den im Tesoro dei Granduchi (dem ehemaligen Museo degli Argenti) aufbewahrten Objekten befindet sich eine in Bergkristall gravierte und in Gold gefasste Kamee, auf der Pegasus zusammen mit Bellerophon erscheint. Das Werk, das auf den Übergang vom 16. zum 17. Jahrhundert datiert werden kann und wahrscheinlich aus einer italienischen Werkstatt stammt, war Teil der Sammlung von Halbedelsteinen, die die Medici zum Höhepunkt ihrer symbolischen Diplomatie erhoben hatten.

Das eingravierte Bild, das nur wenige Zentimeter Fläche einnimmt, konzentriert den Mythos in der stillen Geste eines erstarrten Aufstiegs. Bellerophon reitet nicht mit Schwung, sondern fügt sich in die Gestalt des Pferdes ein, in einer Art behüteter Verschmelzung, in der sich beide als aufwärts gerichtet, aber ohne Schwung erweisen. Die feinen und regelmäßigen Schnitzereien haften mit einer Präzision am Kristall, die das Erzählerische in Präsenz umsetzt. Dieser Pegasus, der sich in einer Handfläche befindet und für das Vergnügen einiger weniger bestimmt ist, befindet sich auf einer anderen Ebene als Costolis große Skulptur: Während letztere den Mythos in den öffentlichen Raum projiziert, destilliert die Kamee ihn in eine Kabinettform, die eher zum Sammeln und Betrachten, zur Erinnerung als zur öffentlichen Wirkung bestimmt ist.

Im 20. und 21. Jahrhundert taucht Pegasus in der toskanischen Landschaft immer wieder als vielschichtiges Identitätszeichen auf, das nach neuen Grammatiken dekliniert wird, wo industrielles Material den Marmor ersetzt und künstliches Licht die Aura des Mythos. Die geflügelte Kreatur, die bereits im symbolischen Gewebe der Region verankert ist, wird für neue formale Übersetzungen verfügbar, die der Hand von Künstlern anvertraut werden, die ihr evokatives Potenzial erkennen und sie entsprechend den Dringlichkeiten der Gegenwart umgestalten.

1983 schuf Enzo Pazzagli, ein toskanischer Bildhauer, der auf die Spannung zwischen formaler Synthese und ökologischer Monumentalität achtet, einen Rampant Pegasus aus bronziertem Stahl, der für den Garten vor dem Sitz der Region Toskana in der Via di Novoli in Florenz bestimmt war. Das Werk, das etwa zwei Meter hoch ist, drängt sich als wachsame Präsenz am Eingang des Sitzes auf. Die Figur, die aus einem Metall geschmiedet ist, das das Licht mit kontrollierter Opazität zurückhält, verkörpert den Sprung in einen industriellen Schlüssel, der jeder emphatischen Mythographie fremd ist. 2015 griff Pazzagli selbst mit einer Restaurierung ein, bei der er farbige Plexiglaseinsätze in die Flügel einfügte und das Bild mit einer Geste aktualisierte, die das Gleichgewicht des Werks nicht veränderte, sondern seine urbane Lesbarkeit verstärkte. Das Ergebnis ist ein Pegasus, der sich nicht hinter der Rhetorik der Vergangenheit versteckt, sondern sich in die visuelle Funktionalität der öffentlichen Architektur einfügt und sich sofort als Symbol der Region und gleichzeitig als plastischer Organismus, der Licht absorbiert und umverteilt, zu erkennen gibt.

Einige Jahre später hat derselbe Künstler diese Vision in eine permanente Installation in dem nach ihm benannten Kunstpark in Rovezzano am Arno umgesetzt. Hier, auf einer Fläche von vierundzwanzigtausend Quadratmetern, inmitten von mehr als zweihundert Skulpturen, kehrt Pegaso mit einer noch erklärteren Präsenz zurück: ein geflügeltes Pferd aus polychromem Stahl, das nicht nur eine Hommage an sein Herkunftsland ist, sondern auch ein Versuch, den Mythos in eine zeitgenössische visuelle Grammatik einzuschreiben, befreit von jeglicher Nostalgie und eingebettet in die Dimension des Parks als ziviler, partizipatorischer, alltäglicher Raum. In diesem Kontext verliert der Pegasus von Pazzagli die Feierlichkeit des Denkmals und nimmt die Züge einer vertrauten Präsenz an, die durch den Blick derjenigen, die die Landschaft durchqueren, ständig neu verhandelt wird.

Einen anderen formalen Ansatz wählte Giampiero Poggiali Berlinghieri für den 1999 in Sesto Fiorentino geschaffenen Pegaso, der in einem Kreisverkehr an der Via di Quinto im Viertel Piazza 30 Novembre installiert wurde. Das Werk aus polychromem Edelstahl streckt sich mit straffen Linien und scharfen Winkeln im Raum aus, ein Zeichen, das die Stilisierung der Volumetrie vorzieht und den Mythos durch den Filter der urbanen Grafik liest. In diesem Fall entspringt Pegasus nicht aus der Erde, sondern aus dem Asphalt, nicht aus einer Wunde, sondern aus einer Kreuzung. Die Platzierung, die bewusst ohne szenografische Rhetorik auskommt, verleiht der Figur eine Signalfunktion, die aber deshalb nicht schwach ist: Das geflügelte Pferd wird zum Dreh- und Angelpunkt eines sich ausdehnenden Territoriums, zum Symbol nicht so sehr einer abstrakten Freiheit als vielmehr einer Spannung in Richtung Zukunft, die in die Gestaltung der Stadtentwicklung und der Identität einer Gemeinschaft integriert ist.

Die jüngste und erklärtermaßen poppige Deklination des Mythos kommt schließlich aus Siena, wo Marco Lodola der Stadt eine drei Meter hohe Leuchtskulptur geschenkt hat, die seit 2025 im Kreisverkehr zwischen der Via Bianchi Bandinelli und der Via Lombardi im Viertel Due Ponti steht. Das Werk, das als temporäre Installation für die Ausstellung Dame, cavalieri e nobili destrieri (Damen, Ritter und edle Rösser ) 2023 geschaffen wurde, ist zu einem festen Bestandteil des Stadtbildes geworden und dank der Hintergrundbeleuchtung auch nachts sichtbar. Lodola, ein Künstler, der sich schon immer für die kollektive Vorstellungskraft und die visuelle Kultur der Gegenwart interessiert hat, konstruiert seinen Pegasus aus farbigen Plexiglasplatten, die der Silhouette eines tänzelnden Pferdes nachempfunden sind, das mehr durch das Licht als durch das Material definiert wird. Hier wird der Mythos nicht beschworen, sondern durchquert und als Ikone wiedergegeben. Es handelt sich um ein unmittelbares Bild, das für den schnellen Durchgang bestimmt ist, aber in der Lage ist, die Geste des Aufstiegs und die utopische Berufung einer regionalen Identität, die in den Himmel projiziert wird, in einer wesentlichen Struktur zu verdichten.

Der Autor dieses Artikels: Francesca Anita Gigli

Francesca Anita Gigli, nata nel 1995, è giornalista e content creator. Collabora con Finestre sull’Arte dal 2022, realizzando articoli per l’edizione online e cartacea. È autrice e voce di Oltre la tela, podcast realizzato con Cubo Unipol, e di Intelligenza Reale, prodotto da Gli Ascoltabili. Dal 2021 porta avanti Likeitalians, progetto attraverso cui racconta l’arte sui social, collaborando con istituzioni e realtà culturali come Palazzo Martinengo, Silvana Editoriale e Ares Torino. Oltre all’attività online, organizza eventi culturali e laboratori didattici nelle scuole. Ha partecipato come speaker a talk divulgativi per enti pubblici, tra cui il Fermento Festival di Urgnano e più volte all’Università di Foggia. È docente di Social Media Marketing e linguaggi dell’arte contemporanea per la grafica.

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