In der Malerei von Alex Katz (New York, 1927), einem der führenden Vertreter des amerikanischen Neuen Realismus ,endet der Sommer nie. Es handelt sich jedoch nicht um einen Sommer, wie wir ihn in Italien verstehen: Katz’ Sommer sollte man sich eher als einen ruhigen Sommer vorstellen, weit entfernt vom Massenurlaub, als eine Welt, die aus blendendem Licht, eleganten Figuren und Stille besteht. Obwohl sein Ruhm untrennbar mit den monumentalen Porträts verbunden ist, die die Figurenmalerei im Amerika der Nachkriegszeit neu definierten, stellen seine Strände und Meereslandschaften von Maine ein ebenso grundlegendes Kapitel in seiner künstlerischen Forschung dar.
Die Geografie dieser Werke hat ihr Epizentrum in Lincolnville, Maine, wo der Künstler seit 1954 seine Sommer verbringt, einer Zeit, in der er auch begann, seine ersten “Strand”-Werke zu malen, auch wenn der Großteil seiner Produktion an Stränden in den 1990er Jahren begann. Um jedoch seine Sensibilität für die Küste zu verstehen, seine angeborene Fähigkeit, den sensorischen Reichtum von Licht, Temperatur und Wind zu erfassen, muss man bis in seine Kindheit zurückgehen. Katz wuchs in St. Albans auf, einem ruhigen Viertel in Queens, New York, nur wenige Kilometer vom Atlantischen Ozean entfernt. Man kann sich leicht vorstellen, wie sich diese Landschaft mit ihren Brackwassersümpfen, kleinen Inseln und leuchtenden Stränden dem jungen Künstler einprägte und das erklärte, was der Maler Peter Halley in einem kurzen Essay, den er 2002 für eine Ausstellung von Katz’ Werken in der Galerie von Thaddaeus Ropac schrieb, die genau seinen Stränden gewidmet war, als “venezianische Leuchtkraft” bezeichnete, eine Affinität zur Weite und zum Stil eines Veronesers. Dieses kindliche Licht ist das gleiche wie das, das man Jahrzehnte später an der Küste von Maine findet.
Für Katz ist Maine nicht nur ein Thema, sondern ein Zustand der Seele und des Blicks. Das Auge des amerikanischen Künstlers konzentriert sich gewöhnlich auf primäre Elemente: Wasser, Himmel, Horizontlinie, Vegetation und vor allem Licht: Katz’ Licht ist ein kaltes, atlantisches Licht, das nicht wärmt, sondern enthüllt, das die Formen nicht streichelt, sondern sie mit Präzision zerschneidet.
Katz, der oft mit der Pop Art in Verbindung gebracht wird, verfolgt in Wirklichkeit ein exquisites malerisches Ziel, indem er Abstraktion und Realismus der amerikanischen Nachkriegskunst in einem Stil vereint, den er selbst als “total amerikanisch” bezeichnet. Seine Figuration ist essentiell und intensiv; die Bilder sind elementar, leuchtend und direkt, ausgedrückt durch scharfe Farbflächen und eine zweidimensionale Perspektive, die, obwohl frei von sentimentalen Konnotationen, eine tiefe psychologische Resonanz vermittelt. Seine Malerei entwickelte sich zwischen den 1950er und 1960er Jahren als Reaktion sowohl auf den Abstrakten Expressionismus, dessen gestische Gewalt und Ausdruckskraft er ablehnte und im Gegenteil versuchte, so ausdrucksstark wie möglich zu sein, als auch auf die Pop Art, auf die Katz reagierte, indem er sich auf Szenen des täglichen Lebens konzentrierte, diese aber mit der Ästhetik kommerzieller Illustrationen neu interpretierte.
Der eigentliche Protagonist dieser Werke ist die Behandlung des Lichts. Katz macht es zu einer fast festen Einheit, zu einer Klinge, die alles abflacht, Zwischenschatten eliminiert und Landschaft und Figuren auf reine chromatische Silhouetten reduziert. Es ist ein Licht, das die Zeit einfriert, so dass die Badenden auf seinen Gemälden fast nie Individuen sind, die in einem Moment der Muße gefangen sind, sondern wesentliche Formen, die in eine strenge Komposition eingefügt sind. Sie interagieren nicht auf konventionelle Weise miteinander; ihre physische Nähe impliziert keine emotionale Verbindung, sondern entspricht einem Bedürfnis nach formalem Gleichgewicht. Dieses Gefühl der Distanziertheit wird durch die monumentalen Ausmaße der Leinwände noch unterstrichen. Indem er intime Szenen auf Plakatwänden abbildet, schafft Katz einen Kurzschluss in der Wahrnehmung. Die Unmittelbarkeit des Themas kollidiert mit der Monumentalität der Ausführung und zwingt den Betrachter, das Bild nicht als Fenster zur Welt, sondern als autonomes Bildobjekt zu betrachten.
Das bedeutet jedoch nicht, dass seine Strandszenen keine tiefere Untersuchung enthalten. “Man kann auch leicht feststellen, dass Katz”, schreibt Halley, “in seinen Strandbildern die massive Abwanderung der Mittelschicht an die Küsten dokumentiert hat, die seit seiner Jugend in den 1950er Jahren im Gange ist”. Und der Künstler hat ein “scharfes Auge für die Soziologie der Küsten”. Aber das ist noch nicht alles: “Irgendwie schien mir Katz selbst nie einer dieser Migranten zu sein, die ans Wasser ziehen. Seine Sensibilität für den sensorischen Reichtum der Küste - ihr Licht, ihre Temperatur und ihre Winde - ist zu groß und zeichnet ihn irgendwie als Eingeborenen dieser Umgebung aus. Katz scheint seine Strände, seine Sümpfe und das Meer dahinter im Zentrum seines Wesens zu haben”.
Viele dieser Kompositionen stammen von Fotografien des Strandes, während andere aus Studien der Figuren aus dem Leben abgeleitet sind. Und die Figuren, die diese Strände bevölkern, sind oft Mitglieder seines inneren Kreises: seine Frau und Muse Ada, sein Sohn Vincent, Freunde und andere Künstler. Doch selbst wenn er seine Liebsten porträtiert, bewahrt Katz eine unverwechselbare analytische Kühle. Sie sind stilisierte Präsenzen, und ihr Inneres bleibt unzugänglich. Sie werden Teil der Landschaft selbst, Strukturelemente der Komposition. Darin unterscheidet sich seine Malerei radikal von der psychologischen Introspektion eines Edward Hopper, mit dem er manchmal oberflächlich verglichen wurde. Während Hopper die Einsamkeit als existenziellen Zustand malte, malt Katz das Alleinsein als eine Tatsache, einen Zustand der Stille, der keiner dramatischen Interpretation bedarf.
Alex Katz’ Strände sind letztlich anspruchsvolle Übungen des Sehens. Sie stellen die Dekonstruktion eines Archetyps dar - der Tag am Strand mit allem, was dazugehört -, um ihn nach einem neuen visuellen Lexikon zu rekonstruieren. Der Künstler fordert den Betrachter nicht auf, die Wärme der Sonne oder das Rauschen der Wellen zu spüren, sondern zu beobachten, wie das Licht eine Kante definiert, wie eine Farbe der anderen gegenübergestellt wird, wie eine Komposition von Figuren einen visuellen Rhythmus erzeugen kann. Es ist eine Welt der makellosen Oberflächen, die ihre eigene, wunderbare Zweidimensionalität feiern. Ein immerwährender, bewegungsloser Sommer, für immer fixiert im kristallinen, unerbittlichen Licht der Malerei.
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