Renata Boero (Genua, 1936) zählt zu den führenden Künstlerinnen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und ist seit den 1960er Jahren auf der internationalen Bühne aktiv. Ihre künstlerische Forschung konzentriert sich auf den schmalen Grat zwischen der schöpferischen Geste und dem natürlichen Prozess, eine tiefgreifende Untersuchung der Materie und des ihr innewohnenden Potenzials zur Veränderung im Laufe der Zeit. In ihrem Werk erforscht Boero vor allem Bildzyklen, in denen die Qualitäten von Pigmenten aus natürlichen Elementen wie Wurzeln, Kräutern und Knollen zum Vorschein kommen, die sie durch Kochen und Einweichen direkt auf der Leinwand behandelt.
Dieser Ansatz ermöglicht es ihr, Zeichen zu erzeugen, die der chromatischen Erzählung einen Rhythmus verleihen, und zwar in großformatigen Werken, die durch Farbstoffgitter gekennzeichnet sind, in denen Zeit und Erinnerung eine zentrale Rolle im kreativen Prozess spielen und die Interaktion zwischen Natur und Spiritualität leiten. Boeros Werk hat die Form einer stillen Schrift, die Materie, Zeit und Natur in ihrer tiefsten Dimension befragt. Eine Gelegenheit, in diese Bilderwelt einzutauchen, bietet die Ausstellung Renata Boero. Teleri, die vom 4. Juni bis zum 9. November 2025 in den Musei Civici di Palazzo Buonaccorsi in Macerata zu sehen ist. Die Ausstellung präsentiert monumentale Wandarbeiten, die zwischen Mitte der 1970er und Anfang der 2000er Jahre entstanden sind, Fusionen von Kunst und Natur, Pigmenten und Erinnerung, die sich in einer unverwechselbaren Sprache im Panorama der zeitgenössischen Kunst ausdrücken. Im Folgenden erfahren Sie zehn Dinge, die Sie über Renata Boero wissen sollten.
Die Forschung von Renata Boero bewegt sich eindeutig an der Grenze zwischen der künstlerischen Geste und dem natürlichen Prozess. Die Künstlerin beschränkt sich nicht darauf, die Natur abzubilden, sondern sie konzeptionell zu rekonstruieren, indem sie ihren stilistischen Ansatz auf die Interpretation der Malerei als eine Geste ausrichtet, die über die bloße Darstellung der Realität hinausgeht. Dieser Ansatz manifestiert sich in dem Bedürfnis, natürliche Prozesse im Verhältnis zum menschlichen Handeln zu erforschen und zu verstehen, was zu einer Überwindung der als bloße Reproduktion verstandenen Kunst führt. “Die Natur ist die Erlösung und die Arbeit des Künstlers ist mit einer geradezu obsessiven Spannung aufgeladen”, schrieb Vittoria Coen. “Die Kunst ist also eine Besessenheit des Tuns, die das Werk dazu bringt, die Natur zu durchdringen und so viel Energie wie möglich von ihr zu empfangen, in einer idealen Brüderlichkeit, in einem Austausch, bei dem die Heiligkeit und Spiritualität des kreativen Prozesses selbst den Willen bezeugt, den Planeten zu schützen. Die Beziehung zwischen Natur und Kultur ist bei ihr so stark, dass das Werk durch die Verwendung von natürlichen Pigmenten, Erden, Wurzeln und Zeichen, die atmen und aus der rohen Leinwand, die sie umarmt und geschützt hat, wiedergeboren werden, spontan weiterlebt und wiederbelebt wird”.
Sein Werk ist nicht das Ergebnis einer ausschließlichen Manipulation durch den Künstler, sondern vielmehr eine Zusammenarbeit, bei der die organische Materie im Laufe der Zeit autonom agieren und sich verwandeln kann. Seine Arbeit wird zu einem Mittel, um das Unsichtbare zu transkribieren, und die Stärke seiner Praxis liegt in einer säkularen Ritualität und intuitiven Wissenschaft, in der sich die Malerei als autonomer Lebensprozess manifestiert. Die rohe, mit Pigmenten getränkte Leinwand absorbiert die Farbe und erzeugt Zeichen, die der chromatischen Erzählung einen Rhythmus geben und es der Zeit und der Erinnerung ermöglichen, die Interaktion zwischen Natur und Spiritualität zu steuern.
Renata Boero zeichnet sich durch ihre intensive Erforschung des Potenzials von Pigmenten aus, die aus natürlichen Elementen gewonnen werden. Ihre künstlerische Praxis umfasst die Verwendung von Wurzeln, Kräutern, Knollen und anderen organischen Bestandteilen, die sie durch Kochen und Einweichen direkt auf der Leinwand behandelt. Dieses Verfahren ermöglicht es der Leinwand, die Farbe zu absorbieren und Spuren zu erzeugen, die der farblichen Erzählung einen eigenen Rhythmus verleihen. Boeros Forschungen kommen in großformatigen Werken zum Ausdruck, die sich durch Farbstoffraster auszeichnen. In Werken wie Cromogramma Giallo (1970-1975) ist die horizontale Komposition in vier parallele Bänder aus unregelmäßigen Rechtecken gegliedert, deren Farben von intensivem Gelb bis zu tieferen Tönen reichen.
Auch im Chromogramm Erde (1980-1990) werden die Farbtöne wärmer und die Oberfläche erscheint durch die natürlichen Pigmente strukturierter, was eine starke Verbindung zur Materie und zum Lebenszyklus herstellt und an Oxidations- und Zersetzungsprozesse erinnert. Die Pigmente, die oft absorbiert oder transparent aufgetragen werden, lassen die Maserung der Leinwand und die Spuren der Zeit hervortreten und verdeutlichen, wie organische Materie Zeit hatte, sich zu setzen und sich zu verwandeln. Boero benutzt die Pigmente nicht nur als Ausdrucksmittel, sondern lässt sie wirken, indem er ein Gleichgewicht zwischen seiner Geste und dem Warten auf das Material herstellt, um sich zu manifestieren. Das Werk entsteht so aus der Zusammenarbeit von Materie und Zeit, wobei die Farbe nicht aufgetragen wird, sondern durch die Umwandlung natürlicher Faktoren wie Zeit, Feuchtigkeit, Wärme und Licht entsteht und zum Mitautor des Werks wird.
In den Werken von Renata Boero sind Zeit und Erinnerung nicht bloßes Beiwerk, sondern echte Protagonisten, die den kreativen Prozess und die Interaktion zwischen Natur und Spiritualität leiten. Ihre Kunst ist ein Ausdruck der Zeit, der Stille und des Ursprungs, wobei die Umwandlung der Materie im Laufe der Zeit ein wesentlicher Bestandteil ist. Die Künstlerin selbst strebt durch die Ritualität ihres Schaffens eine “Aufhebung von Zeit und Raum” an, um einen Ort zu schaffen, an dem die Objekte des Geistes und des gewöhnlichen Lebens außer Kraft gesetzt sind. Ihre Forschungen, die sich seit den 1960er Jahren entwickelten, reiften in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre und nahmen viele Aspekte der zeitgenössischen Kunst vorweg, darunter auch die Konzentration auf das Prozessdenken. In Werken wie den Chromogrammen entstehen die Arbeiten durch die unmittelbare Einwirkung der Natur auf gefaltete, mit pflanzlichen Bestandteilen behandelte Träger, bei denen die Farbe nicht aufgetragen wird, sondern das Ergebnis der durch Zeit, Feuchtigkeit, Wärme und Licht bewirkten Transformation ist, die als Co-Autoren fungieren.
Ein grundlegender Begriff in Renata Boeros Poetik ist die “Malerei, die auf die Malerei verzichtet, um ein natürliches Ereignis, eine biologische Schrift, ein lebendiges Archiv zu werden”. Diese von Giuliana Pascucci vorgeschlagene Definition unterstreicht die Entscheidung der Künstlerin, über die traditionelle Darstellung hinauszugehen und die Natur selbst als Mitschöpferin auftreten zu lassen. Dies steht im Gegensatz zur Idee einer aufgezwungenen Kunst, um eine Kunst zu begreifen, die “passiert” und spontan entsteht. Boeros Werke werden nicht als einfache Arbeiten auf Papier oder Stoff beschrieben, sondern als lebendige Prozesse, stille Aktionen, in denen Zeit, Natur und Körper zusammenwirken. Der Künstler sucht nach einer Einheit zwischen der direkten Natur und der durch die Malerei wiedergewonnenen Natur, ja er “malt die Erde mit einem Stück Erde”, wie Pascucci weiter betont. Dieser Ansatz nimmt zeitgenössische Instanzen vorweg und verwandelt das Werk in ein “sensibles Archiv, das das Gedächtnis der Welt enthält”. Seine Kunst stellt nicht nur dar, sondern schreibt das Unsichtbare um, mit einer Stärke, die in der laienhaften Ritualität und der intuitiven Wissenschaft seiner Arbeit liegt.
Das Werk von Renata Boero ist von einer zutiefst umweltpolitischen Bedeutung aufgeladen und erhebt sich selbst zu einer poetischen Erklärung und gleichzeitig zu einer politischen Geste. Ihre Kunst hinterfragt die Gegenwart und schlägt alternative Visionen vor, wobei sie Politik als alles versteht, was das zivile Zusammenleben betrifft. Boero bewertet die Beziehung des Menschen zur natürlichen Welt neu, die oft durch einen technologischen Fortschritt missbraucht und mit Füßen getreten wird, der seine eigenen Nebenwirkungen auf die Umwelt vernachlässigt. Er schlägt ein Modell der Schöpfung vor, das das Ökosystem nicht erstickt, sondern aufwertet, indem es die ihm innewohnende generative Kraft anerkennt. Dies ist besonders in einer Zeit der Klimakrise und der Hyperproduktivität des Bildes von Bedeutung, in der seine Werke wie Chromogramme und Cò-nio-graphies als frühreife ökologische Akte gelesen werden. Sie sind stille Texte gegen Geschwindigkeit und Künstlichkeit und bieten Formen des sensiblen Widerstands. Seine Arbeiten laden dazu ein, den Blick zu verlangsamen, den Oberflächen zu lauschen und sich von der Vibration der physischen Substanz berühren zu lassen, um darin eine Form von nonverbaler Poesie zu erkennen. Diese Perspektive ist verbunden mit der Idee einer unspektakulären Heilung, einer Schrift der Zeit, die betont, dass jede Verwandlung eine Beziehung ist, ein Akt des Zuhörens und der Langsamkeit. Die Heiligkeit und Spiritualität seines kreativen Prozesses zeugen von einem klaren Wunsch, den Planeten zu schützen.
Die künstlerische Sensibilität von Renata Boero entzieht sich starren Klassifizierungen. Sie entwickelt sich parallel zu den verschiedenen künstlerischen Strömungen ihrer Zeit, ohne sich jedoch vollständig in diese einzufügen. Obwohl sie sich in einem kulturellen Kontext bewegte, der von tiefgreifenden Veränderungen und Experimenten geprägt war, entschied sich die Künstlerin bewusst dafür, sich nicht an kodifizierte Bewegungen zu halten, sondern verfolgte eine autonome Forschung, die sich an universellen Themen wie Zeit, Natur und Transformation orientierte. Es lässt sich eine Verwandtschaft mit dem Werk von Marcel Duchamp erkennen, insbesondere mit der Erfindung des Konzepts des Ready Made. Während Duchamp jedoch gewöhnliche Objekte rekontextualisierte, wendet sich Boero der natürlichen Welt zu, um sie zum Akteur des kreativen Prozesses zu machen und den Fokus vom unbelebten Objekt auf den organischen Prozess zu verlagern. Dies unterscheidet ihn auch von der Arte Povera, die sich mit der Urmaterie und der minimalen Geste beschäftigte; Boero bewegt sich auf einem autonomen Weg und führt wesentliche Elemente wie die Zeitlupe, die Sedimentation und die Stille ein. Sein Werk war aktiv und eingebunden in die Wege der Kunst und der revolutionären und radikalen Bewegungen der 1970er Jahre, einer fruchtbaren Zeit politischer und kultureller Instanzen. Seine Forschungen sind seit über fünfzig Jahren konsequent und radikal geblieben, fernab von Lärm und Moden, treu einer Vision, in der sich Kunst und Natur in Stille, Materie und Zeit begegnen.
Laut Vittoria Coen geht die Kunst von Renata Boero über den rein ästhetischen Ausdruck hinaus und bildet eine Brücke zu einer spirituellen Welt. Sie stellt eine Kraft, eine Energie, eine totale poetische Erklärung und ein ständiges Werden dar, das den Ort umarmt und seine Verwandlungen bestimmt. Boeros künstlerische Geste konstruiert ein wahres Vokabular zeitloser Emotionen, das ein “animistisches Glaubensbekenntnis am Anfang der Welt” ausdrückt, schreibt Coen.
Diese spirituelle Dimension manifestiert sich in der Dichte der Farbe und dem Transport des Bildträgers selbst, der rohen Leinwand, die ein Eigenleben führt und es dem Gemälde ermöglicht, ohne Vermittlung mit dem Ganzen in Kontakt zu kommen. Die Heiligkeit und Spiritualität von Boeros kreativem Prozess zeugen von seinem tiefen Wunsch, den Planeten zu schützen.
Renata Boeros Beziehung zur Natur ist tief und umfassend, eine echte Energie, die sowohl in philosophischer als auch in ästhetischer Hinsicht von den Wurzeln ausgeht. Diese Beziehung manifestiert sich als eine ursprüngliche Dimension, eine physische Durchdringung zwischen dem Menschen und dem Universum, zwischen dem Menschen und dem Gesamtsystem der Lebewesen, das sich kontinuierlich entwickelt und regeneriert, vom Schlaf bis zum Erwachen, in einem unaufhörlichen Werden. Sein Werk erinnert an organische und natürliche Prozesse und verbindet Kunst, Körper und Zeit in einem alchemistischen Prozess.
Exemplarisch in diesem Sinne ist Fioritura 1 (1990-2000), das auf Zyklizität, Wachstum und Transformation anspielt. Diese Komposition hat die Form eines organischen Mosaiks, das aus Kacheln besteht, die an natürliche Elemente wie Rinden, Blumen und Erde erinnern, mit lebhaften und intensiven Farben. Die Komposition scheint sich entlang einer zentralen Achse auszudehnen, was den Eindruck erweckt, dass die Leinwand selbst die Natur in sich aufgenommen hat, und die wellenförmige Oberfläche, die direkt auf dem Boden liegt, verstärkt das Gefühl des direkten Kontakts mit dem Raum und dem Betrachter. Boeros Satz “Die natürlichen Elemente kamen zu mir” fasst diese viszerale Verbindung zusammen und bestätigt eine Beziehung, in der der Künstler auf die Natur als Verbündeten vertraut und eine vollständige und konsequente Immersion erfährt. Sein Werk ist von einer positiven Spannung geprägt, bei der die Beziehung zwischen Natur und Kultur so stark ist, dass das Werk selbst weiterlebt und durch die Verwendung von natürlichen Pigmenten, Erden und Wurzeln, die atmen und aus der rohen Leinwand wiedergeboren werden, spontan wieder auflebt.
Renata Boeros künstlerische Praxis ist von einer tiefgreifenden Ritualität der Geste durchdrungen, die nicht nur eine technische Komponente, sondern ein strukturelles und poetisches Element ihrer Arbeit ist. Durch diese Rituale will die Künstlerin eine “Aussetzung von Zeit und Raum” schaffen, einen Ort, an dem die Objekte des Geistes und des alltäglichen Lebens in einem Zustand der Suspension sind. Diese “stille Schrift” befragt die Materie, die Zeit und die Natur in ihrer tiefsten Dimension. Die Stille selbst spricht in seiner Kunst und inspiriert diejenigen, die es verstehen, nach innen zu hören. Seine Kunst drängt sich nicht auf, sondern “passiert” und entsteht spontan, oft in einem Kontext von Einsamkeit und Meditation.
Die Hintergründe und Faltungen seiner Leinwände, der gesamte Prozess, sprechen von einem umhüllenden Atem und der Suche nach der Ganzheit. Es ist ein Zustand, in dem die Unerbittlichkeit der natürlichen Materie, sobald alle sprachlichen Vermittlungen aufgegeben wurden, das Leben direkt begleitet. Seine Kunst definiert sich als Ausdruck der Stille und des Ursprungs, der sich in der Geste und Verwandlung der Materie selbst manifestiert.
Renata Boeros Werk, das seit den 1960er Jahren entwickelt wurde, nimmt viele Aspekte der zeitgenössischen Kunst vorweg, wie z. B. die ökologische Aufmerksamkeit, das Prozessdenken, die Wiederentdeckung der weiblichen Geste und das Hören auf das Lebendige.
Heute, inmitten der Klimakrise und der Hyperproduktivität des Bildes, und in einem zeitgenössischen Panorama, das den Posthuman entdeckt, erscheint seine Kunst sehr relevant. Seine Chromogramme und Ctò-nio-Grafien sind nicht nur Kunstwerke, sondern werden als frühe ökologische Akte gelesen, laut Pascucci “stille Texte gegen Geschwindigkeit und Künstlichkeit”, die Formen des sensiblen Widerstands vorschlagen. Seine Forschung bietet wertvolle Werkzeuge, um unsere Beziehung zur Welt, zum Körper und zur Erde zu überdenken. Mit seinem Werk erinnert uns Boero an die Macht des Verborgenen, die Poesie des Prozesses und die “Politik des Wartens”. Seine Kunst bildet die Welt nicht ab, sondern transkribiert sie in einer “Schrift der Zeit”, die uns daran erinnert, dass jede Transformation ihrem Wesen nach eine Beziehung ist, ein Akt des Zuhörens und der Langsamkeit.
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