佛罗伦萨国际古董双年展（Florence Biennale Internazionale dell’Antiquariato）将于2024年9月28日至10月6日向公众开放，今年已是第33届（以下是我们的预览报告），它已成为世界上最负盛名、最令人期待的古董和艺术盛会之一。博览会位于佛罗伦萨市中心的科西尼宫（Palazzo Corsini），不仅是收藏家和爱好者的聚集地，也是一个历史时代交织的非凡舞台，在过去和现在之间创造了引人入胜的对话。今年，八十家国际知名的古董画廊将展出经过精心策划的艺术品，包括绘画、雕塑和家具，所有这些艺术品都是根据其历史意义和艺术价值精选出来的。
在这种情况下，双年展上展出的作品就不仅仅是供人欣赏的物品，而是了解不同时代和文化的真正窗口。每件作品都讲述了一个故事，反映了一个时代的张力和希望，并提供了几个世纪以来艺术演变的启示。在这篇文章中，我们将详细介绍双年展的 15 件重要作品 （我们获准公布其价格），以及展台上不容错过的作品：其中一些作品很可能最终会被博物馆收藏。也正是由于这些高质量的作品，双年展才被确认为沉浸在艺术和文化中不可错过的机会。
布朗齐诺的这幅《 圣母与圣婴 》在六十多年后重返佛罗伦萨国际古董双年展： 事实上，这幅作品在1961年一经发现就首次在佛罗伦萨双年展上展出，尽管当时它 被认为是庞托尔莫的作品（甚至罗伯托-隆基也认为它是恩波利艺术家的作品，即使 在各种归属假设都指向布朗齐诺之后）。这应该是一件早期作品，可追溯到 1525-1526 年，在这一时期，布隆奇诺二十出头，与他的大师保持着密切的联系，以至于他在这一时期的作品经常被混淆为庞托尔莫的作品。具体来说，这应该是两人在佛罗伦萨圣菲利西塔卡波尼教堂装饰工作时创作的作品。这幅作品于2022年在斯特罗兹宫举办的 多纳太罗大展上展出：布隆齐诺的《圣母与圣婴 》被摆放在巴杰罗博物馆展区的最后一个展厅，因为这幅作品的构图（也可以从乌菲齐美术馆的《图画与纹样》展厅中保存的一幅图画中得知）与多纳太罗的《普格里耶圣母 》--《达德利 》非常相似。然而，正如学者加布里埃尔-法托里尼（Gabriele Fattorini）所写的那样，"与原型不同的是，虽然圣母 保留了多纳太罗的清晰轮廓，但小耶稣的身体却膨胀起来，布料也膨胀起来，让人牢记米开朗基罗的教诲"。
这幅《木星研究》是三十多年前在巴黎拍卖会上被无名氏购得的作品，现在被 许多学者认为是米开朗基罗已知最早的绘画作品。这幅画的原型是一块罗马大理石的碎片，是一个登基的朱庇特（公元 1-2 世纪）的下半身。由于这幅画具有独特的风格元素，自发现以来，学术界普遍认为作者是 15 世纪晚期佛罗伦萨吉兰达约工作室的一名年轻学徒或助手。米开朗基罗曾在这个作坊工作：在那里，他与其他才华横溢的学徒一起学习，磨练自己的技能，并开始形成自己极具辨识度的雕塑绘画风格。根据与其他早期绘画作品的比较，以及两种独特墨色的显著存在，该领域的许多知名学者，包括保罗-约安尼德斯（Paul Joannides）、蒂莫西-克利福德（Timothy Clifford）、佐尔坦-卡尔帕蒂（Zoltán Kárpáti）、迈尔斯-查普尔（Miles Chappell）和戴维-埃克瑟德扬（David Ekserdjian），都认为这幅绘画是年轻的米开朗基罗已知最早的纸上作品。这幅素描与米开朗基罗早期作品的联系最初是由 15 和 16 世纪佛罗伦萨素描专家 Miles Chappell 确定的。经过广泛研究，这幅画于 2019 年首次作为年轻的米开朗基罗的作品出版。将这幅画归于米开朗基罗是基于多种因素，主要是这幅画的主题、材料和风格都与我们所了解的米开朗基罗的早期发展相吻合。这幅画使用了两种棕色墨水：这是米开朗基罗经常使用的一种技法，但我们从未在吉兰达约自己的画作中看到过。
在贝尔尼尼之前，艺术界从未有过如此暴力和尖锐的作品，这四个镀金青铜头像一直被认为是巴洛克过度表现的典范。它们的制作年代在 1650 年至 1655 年之间，由同一个模型铸造而成，属于怪诞派，完全被理解为装饰。这些雕像精美奢华，每个雕像的颈部都有一个不规则的孔，用来放置当时流行的羽毛，最初是作为吉安-洛伦佐-贝尔尼尼的私人马车的侧面元素制作的。贝尔尼尼本人在一个不详的时间将它们从马车上取下，纳入他的个人收藏，并将它们放置在他位于梅尔塞德大街宫殿的贵族公寓大厅中，正如第一份清单所记录的那样。这四件镀金青铜器是一个非常私人的 “玩笑”，其最终的确切含义并不容易解读。它们可能只是他多年来改变永恒之城面貌的异想天开天才的炫耀，也可能只是符合边饰的传统，即颠倒世界中畸形、可怕或怪异的边饰人物，它们对世俗存在的严肃性进行了揶揄但具有装饰性的评论。无论如何，它们在雕塑家的战车上都具有同样的讽刺功能，是对严肃的日常生活的讽刺，或者是对那些敢于抬头看雕塑家战车的路人的绝望、嘲弄的呐喊。
这幅作品是贾科莫-塞鲁蒂 Padernello 系列作品中唯一仍在市场上流通的作品。帕德奈罗周期（故名思义，但实际上可能并不是一个连贯的周期）是艺术史学家朱塞佩-德-洛古（Giuseppe De Logu）于 1931 年在帕德奈罗城堡（故名思义）发现的一组作品：这套作品由 13 幅画作组成（但至少还应该加上另外三幅做工相同的画作），由 18 世纪最伟大的艺术家之一贾科莫-切鲁蒂（Giacomo Ceruti）创作，题材取自当时的大众生活。在这些作品中，这位艺术家达到了其艺术生涯的巅峰之一，并创作了一系列画作，带领观众穿越 18 世纪布雷西亚的贫民窟。马蒂奥-萨拉蒙展示的这幅画描绘的是两个搬运工，即两个来自工人阶级的男孩，他们的工作是用大柳条筐搬运货物（通常是食品），在必要的时候，正如在 BIAF 展出的画布上所看到的那样，他们也用于休闲时刻：在这幅画中，两个男孩正在玩牌。遗憾的是，这幅作品没有被借给2023 年在布雷西亚举办的 Ceruti 大展，但它是萨尔瓦多伯爵在帕德尔内罗城堡保存的十三幅作品中的一部分。通过历史事件，我们可以追溯到 1772 年，当时这些画作是阿伏伽德罗收藏的一部分：这幅画作也是如此，公众最后一次看到它是在 1953 年，当时是在米兰王宫举办的展览上（《伦巴第的现实画家》）。
贝尔纳多-贝洛托在 1742 年访问古罗马之后，于 17 世纪 40 年代早期创作了这幅典型的古罗马最著名的纪念碑之一。与该艺术家的许多早期作品一样，这幅画以前也被错误地归功于他的导师和叔叔卡纳莱托。多亏安娜-博泽娜-科瓦契克和查尔斯-贝丁顿的研究，这幅作品后来被正确地归功于贝洛托。这幅作品被认为是贝洛托最早的杰作之一，展现了他崭露头角的独特艺术个性，表明了他与叔叔之间艺术交流的性质，并体现了他早熟的天赋和非凡的创作质量。这幅画之所以较早归属于卡纳莱托，一个重要原因是它与卡纳莱托的一幅素描（伦敦大英博物馆）有许多相似之处，后者也是从西方视角描绘斗兽场的。虽然贝洛托沿用了卡纳莱托的构图和总体视角，但两幅画之间也存在明显差异，例如斗兽场两侧的一排建筑以及大部分植被和人物。此外，贝洛托还将视角拉得更宽，包括右侧的君士坦丁拱门和远处的山丘，使地平线更具氛围。通过这些变化，贝洛托创作出了一幅比他叔叔的作品更加震撼和强烈的构图。据说贝洛托是在 1742 年春天前往罗马的，当时他刚于前一年 11 月 5 日与伊丽莎白-皮佐诺（Elisabetta Pizzorno）结婚不久。据记载，他于 1742 年 7 月 25 日返回威尼斯。这幅画的创作时间应该晚于他的罗马之行，科瓦奇克认为贝洛托的创作时间应该在他从罗马返回威尼斯后不久，即 1743-442 年左右。
这幅画是马西莫-普利尼和弗朗切斯科-加塔最近送给吉多-雷尼的，他们两人都是独立得出这一结论的。这幅画描绘了 14 个丘比特在山间树林中嬉戏的场景，其中有些丘比特嬉戏的方式非常粗糙，这一点很容易观察到。这位来自博洛尼亚的艺术家以一种清晰明快的风格描绘了这一场景，仿佛它是一组相互独立的插曲，几乎预示了下个世纪的阿卡迪亚绘画。这幅画最初被认为是弗朗切斯科-阿尔巴尼（Francesco Albani）画派的作品，后来由于某些元素（植物的细节、冷色调、色调和构图的平衡、琉璃光）似乎是圭多-雷尼（Guido Reni）作品的典型特征，这幅画被认为是圭多-雷尼（Guido Reni）的作品。1644 年，奥多尔多-法尔内塞（Odoardo Farnese）在其收藏清单中提到 “一幅带有大型镀金画框的帆布画，内绘丘比特之国，出自圭多-雷尼之手，画中还附有一位女士的肖像”。事实上，这幅带丘比特的画是用来隐藏奥多尔多-法尔内塞密室中的一幅女士肖像的。
在静物画领域，费德-加里齐亚（Fede Galizia）在引导米兰地区所有艺术家的创作方向方面发挥了根本性的作用：1602 年，他很早就创作了他的第一幅静物画，在这幅画中，他确定了其整个创作的特征：和谐对称的构图、非常仔细的渲染（几乎像微型画师一样）花卉和水果的不同表面以及冷峻的光线在平面上严格地跳动。艺术家经常提出非常相似的构图，但每次都有所变化，这幅画也是如此；一个穿孔的陶瓷水果碗装满了水果，梨子在平面上排列各异，是三幅构图的主角。吉奥瓦尼-阿戈斯蒂（Giovanni Agosti）和雅各布-斯托帕（Jacopo Stoppa）在特伦托 “费德-加利齐亚展 ”的展览目录中重构了这三幅画的关键事件。应该记得，毛罗-纳塔莱（Mauro Natale）和亚历山德罗-莫兰多蒂（Alessandro Morandotti）是第一位将这幅画发表在专门介绍意大利静物的大型 Electa 画册中的学者，他们还指出了西尔瓦诺-洛迪（Silvano Lodi）的《桃子、茉莉花、水晶杯和苹果》静物中可能存在的垂饰，但他们将其归功于潘菲洛-努洛洛（PanfiloNuollo）。然而，他们根据与萨沃伊的查尔斯-埃马纽埃尔一世收藏的一幅画作的鉴定，将这幅画作归于潘菲洛-努沃隆，证明了伦巴第静物画流派的两位倡导者之间在模型和理念上的共通性。随后几年出现的相同构图的其他版本导致这一假设被放弃，第二幅画也被认为出自费德-加利齐亚之手。费德静物画的年代问题仍然非常棘手，这也是由于画家在不同的构图中重复使用相同的模块。关于这张卡的主题画作，毛罗-纳塔莱（Mauro Natale）和亚历山德罗-莫兰多蒂（Alessandro Morandotti）提出的年代大约是 1610 年，弗拉维奥-卡罗利（Flavio Caroli）虽然没有公开表达假设，但在他的目录中将这幅画列为最后几幅作品之一，贾科莫-贝拉（Giacomo Berra）最后在两个专门为阿辛博尔多举办的展览的目录中倾向于世纪之交左右的年代。
Romigioli Antichità 展出的这块板面来自巴黎的 Moratilla 收藏馆，但其早期历史不详。除了圣母的脸部和颈部有几处擦伤外，其保存状况良好：这幅壁板由洛伦佐-迪-比奇 (Lorenzo di Bicci) 制作，采用了精致的 “sgraffito ”工艺，圣母坐在宝座上，宝座两侧由两个天使支撑，上面的帷幔装饰就是用这种工艺完成的。圣母的长袍上装饰着重复多次的皇冠图案，而斗篷上则有葡萄状装饰。据参与这幅画创作的学者安杰洛-塔图费里（Angelo Tartuferi）说，“这幅画的尺寸、丰富的内容、每一个细节的精心制作以及内在的高品质，都证明了我们所面对的是洛伦佐-迪-比奇传世作品中最重要、最有声望的委托之一”。最初，这幅画可能是一幅大型多联画的一部分，可能与现在恩波利学院博物馆中的这幅画类似，属于同一风格时期。根据 Tartuferi 的说法，可能还有另一个同样的组合元素幸存下来，那就是一块描绘托伦蒂诺的圣尼古拉的 楔形壁板，该壁板在 20 世纪 60 年代末被米兰的马特奥蒂收藏。
由 Fondoantico 在博洛尼亚国际艺术博览会上展出的《荣耀中的圣母与小天使》是表现圣母向圣威廉显圣的宏伟祭坛画的最大片段，这幅画是玛丽亚-阿戈斯蒂娜-托马塞利院长委托弗朗切斯科-阿尔巴尼在 1646 年为博洛尼亚加利亚门的耶稣和玛丽教堂创作的。这幅画在被遗忘了两个多世纪后再次出现在 2024 年的博洛尼亚国际艺术博览会上，因为拿破仑时期的掠夺也影响到了博洛尼亚的建筑，建筑随后被毁，整个装饰装置也因此在 19 世纪支离破碎。在拿破仑对耶稣和玛丽教堂的镇压之后，这幅画的收藏历史非常复杂，无法完全解释为什么在装饰教堂的三幅画中，只有这幅画的命运如此不幸。事实上，这幅画最初被转移到现在已被关闭的圣维塔莱修道院的储藏室，1799 年的一份清单中对其进行了描述。后来，这幅画被送到当时的博洛尼亚美术学院皇家画廊，并出现在 1801 年和 1820 年的目录中。1821 年，它被卖给了 Cesare Bianchetti 伯爵，他是当年博洛尼亚贵族中最具代表性的人物之一，曾担任过博洛尼亚美术学院副院长的要职。1821 年，这位贵族决定让修复师安东尼奥-马加扎里（Antonio Magazzari）将这幅画切割成四个部分，将最重要的四个组分开：因此，上半部分被分成《荣耀中的圣母与小天使》的两个部分，而下半部分则决定将《圣威廉》从《抹大拉》中分离出来，现在只剩下带头骨的部分。这些分散的碎片有着不同的历史。埃里克-范-沙克（Eric Van Schaack）在博洛尼亚的一个私人收藏中发现了 带小天使的《荣耀中的圣母》，费利斯-克罗齐（Felice Croci）在上世纪初拍摄的一张照片记录了这张照片，后来这张照片被找到，凯瑟琳-普格利西（Catherine Puglisi）也在其 1999 年的专著中复制了这张照片。2023 年，这幅祭坛画在布雷斯奇亚市场上出人意料地被蒂齐阿纳-萨索利的 Fondantico 购买，并委托佛罗伦萨的安德烈亚-西普里亚尼进行清洗。这幅祭坛画是弗朗切斯科-阿尔巴尼成熟阶段的一个令人信服的范例，其独特的特征在 Fondantico 的大型片段中得到了最好的体现。
古斯塔夫-菲耶斯塔德被称为 “雪景大师”，他毕生致力于捕捉家乡瑞典的雪景之美。他最大的成功是在国际上取得的，尤其是在德国和意大利，那里的评论家和收藏家都非常欣赏他细腻的冬季描绘。Fjæstad 作品的优势在于他能够通过冰雪景观传达一种神秘感和情感力量，唤起一种独特的理念，让人想起爱斯基摩人用来描述冰的许多词语。艺术家在户外作画，寻找特殊的光线，捕捉未受破坏的自然之美。他的创作受到了追求普遍启蒙的神学运动的影响，他的作品反映了对与自然和谐相处的强烈追求。雪》这幅画就是这种创作方法的代表作，它让观者进入冥想状态，营造出童话般的氛围。画布上的雪花最初只是一种装饰性的游戏，其优美的曲线让人想起新艺术派，但它隐藏着更深的含义，是对内心平静的渴望，是对与自然环境和谐相处的生活的呼唤。Fjæstad 的技法尤为创新：他使用感光化学物质和点彩浮雕技术，创造出非凡的光学效果，使白色变得明亮而充满活力。他能够叠加厚厚的色层，因此能够出色地控制光线的变化，唤起丰富的红色、蓝色和灰色调，这显然是受到Georges Seurat 等点彩画家的影响。此外，雪的柔美、装饰性的形状突出了新艺术的印记，标志着从 19 世纪风格向更现代、更创新的艺术语言的过渡。古斯塔夫-菲耶斯塔德（Gustaf Fjæstad）能够将自己对雪景的热情转化为一种能够唤起深刻而普遍情感的艺术，使自己成为当时艺术界的领军人物，并预见了当代的表现形式。
David Vinckboons 是所谓黄金时代初期的荷兰画家，他在这幅画中描绘的场景生动地唤起了人们对节日农家宴会的回忆，这是一个集体欢乐的时刻，与老布鲁盖尔（Bruegel the Elder）的阴郁和批判性视角形成鲜明对比。在这里，我们发现自己沉浸在宽容和讽刺的氛围中，农民们沉浸在狂欢和娱乐中。餐桌上摆放着各种鲜美的菜肴，从蘸着浓郁酱汁的羊排到贻贝（一种典型的佛兰德菜肴），贻贝的壳被不经意地扔在地上，营造出一种丰盛和无忧无虑的感觉。明亮的色彩和人物表情的细腻刻画，使这幅画传达出一种生机勃勃和过剩的感觉。农民们的表情悲喜交加，诉说着欢乐和淳朴的生活，使画面气氛近乎漫画化，但又引人入胜。场景的节奏以手臂举向天空作为节庆放弃的标志，几乎让人联想到反映农民生活的欢乐与辛劳的讽刺漫画。在这一场景中，怪诞的元素跃然纸上，但并没有掩盖整体的愉悦感。这是一曲生命的颂歌，是社区的欢庆时刻，每个人物都有自己的特点，为创造一幅生动活泼、引人入胜的画面做出了贡献：在这幅 “Grande Bouffe ”画中，欢快的气氛压倒了所有其他情绪，但艺术家的立场并没有缺席。
这幅尼科洛-坎尼奇的杰作历史悠久：1887 年在威尼斯国家艺术展上展出，1888 年在博洛尼亚国家艺术展上再次展出，同年在佛罗伦萨促进会展览上再次展出，并被收录在多份出版物中。坎尼奇还凭借该作品在 1888 年佛罗伦萨促进会上获奖。这幅画在创作之初就备受赞誉，是艺术家职业生涯中的亮点之一：它描绘了托斯卡纳乡村朴素生活的一个瞬间，在一个庄严肃穆、近乎斯巴达式的宗教仪式上，农民耕作的田地得到了祝福。当时的一本杂志称，在这幅画中，坎尼奇 “以一种’显而易见、人人都能体会到的感情’，描绘了他笔下最美丽的农妇形象，并使其充满了乡村的优雅和细腻”。尼科洛-坎尼奇属于第二代马奇奥利画家，这幅由锡拉库扎的加加洛伯爵夫人收藏的画作是他绘画中最出色的作品之一：这幅画取材于生活，充满感情，色彩明快而丰富，在风格上采用了某些预示着分部主义的方法（例如，坎尼奇在这幅画中用小块色彩点缀营造出日落时分天空的感觉），整个后马奇奥利运动都将对其进行广泛研究。
这幅被费迪南多-阿里西引述为亲笔签名的画作是另一个版本，完全出自大师之手，尺寸几乎相似（98 x 134.5 厘米），署名和日期为 1751 年，如今与《使徒布道》挂件一起保存在奥地利罗劳城堡哈拉赫伯爵的收藏中。现藏于罗劳城堡的这两幅画是奥地利伯爵恩斯特-圭多-冯-哈拉赫在意大利旅行期间，通过修道院院长克里韦利的斡旋，直接从帕尼尼的工作室购买的。弗朗切斯科-莱昂内（Francesco Leone）写道：“在渲染建筑时，这幅画以轻蔑的笔法表现出非凡的品质，反之，场景中的众多人物则非常精致，与帕尼尼 17 世纪 50 年代的最佳作品如出一辙。在整幅保存完好的画布上，我们可以看到与阴影相对应的棕色调，这是因为帕尼尼以大师的精湛技艺，用娴熟的技巧精确地使用了画布印迹的棕色来调节画中的所有阴影”。在这些通过保留画布上的准备工作而获得的阴影区域上，原本要涂上一层薄薄的深色面纱，以使作品更加完整。因此，从技术角度来看，这幅画是这位来自皮亚琴察的伟大绘画大师创作方式的极为有趣的见证，他是当时罗马国际艺术大都会最著名的画家之一。按照帕尼尼最典型的诗学，这幅巨画将建筑奇思妙想的体裁--按照喜欢以想象的方式汇集古罗马遗迹的如诗如画的诗学--与一系列人物结合在一起，这些人物因其数量、质量、纪念性和状态而引人注目尽管《茜比勒》的主题是对古典世界的借鉴，但作品却具有 18 世纪中叶罗马阿卡迪亚文化的典型轶事特征。这幅画是在哈拉赫收藏的画布之后创作的。
Giorgio Baratti Antiquario 在 BIAF 上展示了两幅非常罕见的镜画，以一对的形式出售（下图中的一幅是《戴安娜与仙女和阿克泰翁》），保存状况良好。主题是古典的：在第一幅中，赫拉克勒斯和翁法勒的形象非常突出，在第二幅中，如前所述，戴安娜与阿克泰恩和一位仙女。根据桑德罗-贝莱西（Sandro Bellesi）的说法，这些作品可追溯到 17 世纪 80 年代，因为它们所表现出的风格和类型特征与卢卡-焦尔达诺在佛罗伦萨逗留期间创作的各种作品密切相关，而佛罗伦萨正是他的黄金时代：这些特征证明了他在画布和壁画上创作的各种安全作品的参考价值。特别是与美第奇-里卡尔迪宫画廊中的某些人物以及为佛罗伦萨重要收藏家创作的各种油画中的人物进行比较，显得尤为重要，如皮蒂宫收藏的《戴安娜拉的强奸 》、布雷斯特美术馆收藏的《历史写在 今天的时间上 》以及诺福克 克莱斯勒博物馆收藏的《巴克斯和阿里阿德涅》 。卢卡-乔尔达诺（Luca Giordano）在两面镜子上用柔和而密集的笔触描绘的人物形象展现了一种折衷主义文化，主要借鉴了皮埃特罗-达-科尔托纳（Pietro da Cortona）及其最亲密追随者的晚期课程，以及对来自卡拉奇（Carracci）和多梅尼奇诺（Domenichino）学派的博洛尼亚古典主义文化的反思。
卡利斯托在 BIAF 展出的这幅肖像画之前被确认为歌剧演员 Giuditta Pasta 的肖像画，并由 Sergio Rebora 在 2000 年米兰举办的Giuseppe Molteni e il ritratto nella Milano romantica 展览的目录中发表。朱塞佩-莫尔特尼的职业生涯始于绘画修复，曾为卢浮宫、大英博物馆和重要收藏家工作。他在米兰的工作室成为收藏家和经销商的聚会场所，莫尔特尼也致力于艺术品交易。在这方面，他与伦敦国家美术馆馆长查尔斯-伊斯特莱克（Charles Eastlake）的友谊非常重要。与此同时，莫尔特尼作为历史场景画家，特别是肖像画家的活动也开始起步。在这一画种中，他与哈耶兹一起成为米兰最时髦的艺术家。
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