关于乔治-德拉图尔的展览在开幕之前就已经是一场盛会了。自 9 月中旬起在巴黎雅克马尔-安德烈博物馆举办的展览（乔治-德拉图尔。Entre ombre et lumière）是提前几个月就宣布的，并附带了所有与活动相关的典型修辞手法：独特的场合、自 1997 年（即自上一次关于这位洛林艺术家的法国展览举办之日）以来从未发生过的特殊性、减少且极少展出的作品等等。盖尔-费根鲍姆（Gail Feigenbaum）和皮埃尔-居里（Pierre Curie）策划的展览无疑是一个契机：今天，我们所知道的乔治-德拉图尔的作品不超过 40 件，而在雅克马尔-安德烈博物馆，大多数评论家认为其中 20 件是他的亲笔作品，但如果再加上一些可疑的作品、一些人认为是亲笔而许多人不认为是亲笔的作品、在大师明显监督下完成的作坊作品等，作品数量就会增加到近 30 件。不管是谁，只要对乔治-德拉图尔的背光作品，对那些照亮骷髅、圣徒、抹大拉和吹着火苗的孩子的微弱火焰充满热情，就不要再耽搁了，赶紧踏上巴黎之旅吧，因为有机会同时欣赏到这位洛林艺术家的众多作品，是可以考虑前往参观的为数不多的理由之一。雅克马尔-安德烈的网站本身也是这么说的，网站提供了三个可靠的理由来说服用户参观展览：独一无二的事件“，坚称近三十年来法国从未出现过如此多的拉图尔作品复制品，”三十多幅杰作汇聚一堂“（事实证明并非如此，拉图尔作品的复制品在法国并不多见）。事实证明并非如此，除非重新考虑 ”杰作 “一词的含义），以及 ”发现大时代最神秘的画家之一 "的可能性。
就展览本身而言，除了将简要提及的几处新颖之处外，它在没有任何资本和不可或缺的变化的情况下，以微小的方式沿袭了 2020 年由弗朗西斯卡-卡佩莱蒂（Francesca Cappelletti）和托马斯-萨拉蒙（Thomas Salamon）（费根鲍姆当时是科学委员会的成员）策划、在王宫（Palazzo Reale）举办的展览的布局。当然：在米兰，公众可以欣赏到 14 件无疑出自杰奎玛-安德烈之手的作品，其中包括一些在巴黎找不到的作品（《Rissa dei musi mendicanti》是拉图尔美术馆中最引人注目的作品之一）。拉图尔画册中最引人注目的作品之一《Rissa dei musimendicanti 》或《吹 第戎蜡烛的年轻人 》），但也有一些作品在巴黎找不到，例如两个版本的《圣杰罗姆》、南希的《自净的女人 》、柏林的《吃豌豆的人 》或克利夫兰艺术博物馆的《圣彼得的忏悔 》。此外，雅克马尔-安德烈美术馆的设备并没有唤起人们对米兰展览的记忆，相反，在进入临时展览厅后看到的第一面墙上安装的年表板上，将 1997-1998 年定为 “拉图姆的最后一次大型回顾展”。拉杜尔的最后一次大型回顾展在巴黎大皇宫举办“，却没有提及 23 年后在帕拉佐-里亚莱宫举办的展览，而这次展览标志着对该艺术家的研究，尤其是对其与意大利关系的研究又向前迈进了一步。还有人说，今天的公众普遍对主要艺术家的作品只占全部展出材料一小部分的展览感到不满，因为在这种情况下，人们往往会觉得展览的内容被稀释了，掺了水的泔水淹没了人们花钱购买门票的作品。然而，如果人们愿意相信，一个展览的优点也不仅仅在于它能容纳多少教科书上的作品。尤其是当一个展览宣称其目的是将艺术家的 ”生平和作品“”置于欧洲卡拉瓦乔主义的更广阔的背景下 “时，我们就更应该相信背景仍然具有一定的相关性。在欧洲卡拉瓦格主义的大背景下，特别是在法国、洛林和荷兰卡拉瓦格主义者的影响下”，那么我们就不能不同意这样一个展览的弱点，与米兰的展览相比，它的缺陷恰恰在于它试图重建那些因为策展人在展厅中收集到的资料太少，无法进行完整的梳理。例如，缺少对乔治-德拉图尔与荷兰和佛兰德斯画家（格利特-凡-洪托尔斯特、保卢斯-波尔、亚当-德-科斯特）之间关系的深入研究，而这些画家通常与乔治-德拉图尔关系密切，对于了解卡拉瓦乔在北欧地区的传播和影响不可或缺。从乌克兰利沃夫国家美术馆借来的拉图尔的代表作之一《酬金 》与雅克-勒克莱尔（Jacques Le Clerc）的《音乐会 》（他曾在意大利生活，1622 年返回法国）之间的比较中可以得出一些建议。然而，拉图尔是如何接触到卡拉瓦乔的艺术以及他的中间人是谁，这些问题依然存在。
据说，展览分为八个章节，这与在王宫举办的展览的细分并无太大区别，后者与雅克马尔-安德烈的展览一样，是按主题划分的：这也许是举办乔治-德拉图尔展览的唯一可能方式，因为人们对这位艺术家的传记了解不多，而他的作品虽然数量很少，但涉及的主题却足够多，因此有理由按主题组织展览。这样做的缺点是，最终展出的作品并无太大区别：展览的第一部分 "La part sereine des ténèbres“介绍了他的艺术氛围，之后是 ”最后的绘画“、”阿尔比的使徒“、”作为’内心之光’的微弱烛光“、”寂静的夜晚“，最后是 ”我的作品"。在这里，策展人汇集了一组画作，除了《沙漠中的施洗者圣约翰》 （在米兰与艾琳策划的《圣塞巴斯蒂安》一起作为展览的闭幕作品）之外，这些画作在王宫都没有展出过。然而，由艾琳策划的《圣-塞巴斯蒂安》在米兰作为亲笔签名展出，但仍有可能是摹本（在画册中，尽管弗朗西斯卡-卡佩莱蒂对这一疑问未置可否，但她认为这幅画的质量“在目录中，弗朗西斯卡-卡佩莱蒂认为这幅画的质量 ”会让人推测这是路易十三欣赏的版本“，也就是原作），雅克马尔-安德烈博物馆的展览打破了这一犹豫，决定将奥尔良美术馆的这幅画简化为 ”后"（d’ aprés），无论如何，这幅画已经是洛林画展目录中最受争议的作品之一了。
我们可以从最后一个展厅开始列举此次展览的新作，首先是《拿着火盆的女孩》 （Fillette au brasero），整整五年前，即 2020 年 12 月 10 日，这幅画由伦巴茨在科隆拍 卖，成交价为 434 万欧元（含佣金），创下了艺术家的拍卖纪录。这幅画之前并不为人所知，因为它也曾在 1997 年的大皇宫展览中展出过，但现在能与另一幅真伪存疑的作品《吹烟斗的男孩》（收藏于科隆雅克琳博物馆）一同展出，也是一种不错的可能。在雅克马尔-安德烈（Jacquemart-André）博物馆，《吹烟斗的男孩》被作为原作展出）的真实性受到质疑，这重新引发了关于这两幅画是否可能是同一件作品的争论。不过，展览的高潮出现在前一个展厅，即倒数第二个 展厅，国家美术馆的《忏悔的抹大拉 》（这幅画在米兰则是展览的开幕作品：主题的划分显然让人们有可能在最后发现开头的东西）和路易-芬森（Louis Finson）以卡拉瓦乔原作为蓝本的《抹大拉 》并置在一起。策展人的想法是，首先通过对比来突出拉杜尔和卡拉瓦乔之间的差异：因此，一方面是洛林艺术家笔下的抹大拉 的亲密、回忆和沉思态度，另一方面是伦巴第人笔下的狂喜、恍惚和放弃，这些特征显然也出现在芬森的摹本中（展出的是拉图和卡拉瓦乔的原作）。欣赏的是来自马赛美术馆的作品，它被认为是最古老、最忠实于原作的作品之一，是在卡拉瓦乔去世后不久创作的）。在雅克马尔-安德烈的展览中，乔治-德-拉图尔的知性主义得到了有效的体现，他不断提及表面之外的其他事物，表面上只是描述，但实际上却非常模糊，甚至连主题的识别都难以捉摸：在《抹大拉》中，宗教主题几乎与某些亵渎性开场的可能性相混淆（在骷髅头和蜡烛前沉思的女人很容易成为忧郁的化身），同样的道理也适用于博物馆的《霓虹灯 》。雷恩美术馆的《霓虹灯》也是同样的道理，该作品旁边展出的是一个没有特殊含义的家庭场景，也可以被理解为圣母子与圣安妮。
然而，展览中最有趣的新奇之处在于参观中途遇到的圣格雷戈里 ，在这个房间里，《阿尔比周期》中的使徒们聚集在一起。这组画作可能是乔治-德拉图按照西班牙使徒形象的传统，将他们围绕在基督形象周围而创作的，这种装饰性的综合体在埃尔-格列柯的 作品中有着最重要的先例。一个在大教堂，一个在埃尔-格列柯博物馆），还有一些是局部的或肢解的。最近，艺术史学家尼古拉斯-米洛瓦诺维奇（Nicolas Milovanovic）在里斯本国家古代艺术博物馆的藏品中发现了这幅《圣格雷戈里 》，并将其与拉图尔画册中的使徒并列（在同一面墙上的直接对比是与弗吉尼亚州诺福克克莱斯勒博物馆的圣托马斯 画像直接对比），这主要是由于画中人物的正面、金字塔形的半身像、沉思的神态以及某些细节（例如明显的皱纹或衣袖的褶皱）。然而，在修复之后，作者身份出现了疑问：米洛瓦诺维奇本人起初几乎肯定乔治-德拉图尔的作者身份，但后来却采取了更加谨慎的态度，因为他认为，由于画作过于干燥，笔触不够自由流畅，色彩不够鲜艳，这幅作品在技术上与已知的德拉图尔的作品并不十分相似。出于这些原因，主办方倾向于避免采取反对或赞成的立场：在展览中，公众会发现该作品以 “乔治-德拉图尔还是临摹自？”的标题展示，并配有一个问号，仿佛要由参观者来对这个问题发表意见。
最后，值得一提的是最后一件重要的新作品，一件于 2023 年 6 月上市的《圣雅各福 群会》（St. James the Greater ），这件作品在巴黎塔扬拍卖行进行拍卖（成交价为 51.1 万欧元，起拍价为 10 万至 15 万欧元），被认为是一件工作室作品，是对一件原本不为人知的原作的临摹，由于作品 的氛围、光线处理方式以及内容的精神内涵，可以与国家美术馆的《忏悔的抹大拉 》相 比拟。如前所述，我们并不了解这位大师的作品：然而，仅凭这幅复制品的重要尺寸（一米乘近一米五）及其质量，就足以证明现已失传的《圣雅各布马约尔 》在拉杜尔的创作中的重要性。这幅画被陈列在圣人专栏中，用来说明拉杜尔是如何探索 “夜间的可能性 ”并展示他对人造光的兴趣的：这里有两个版本的《圣彼得的忏悔》，原作收藏在克利夫兰艺术博物馆，圣彼得被画在福音故事中的公鸡旁边，带着被悔恨蹂躏的人的痛苦表情，而工作室的版本则更亲切，收藏在塞勒河畔维克的乔治-德-拉图尔博物馆。亚当-德-科斯特（Adam de Coster）的《圣彼得的否定》（Negation of St. Peter ）作为试金石，引出了旧巴黎市场上作品流通的主题，这些作品可能在某种程度上为拉图尔提供了灵感，还有巴贝里尼宫中著名的《圣杰罗姆》（St. Jerome ），现在已被确定为法国人特罗菲米-比戈特（Trophime Bigot）的作品。当时的北欧艺术家们是如何将这些烛光夜景转化为 “为精神服务的发光象征科学 ”的。
此外，亚当-德-科斯特的画作和《圣杰罗姆 》都参加过罗马宫的展览，不同的是，在米兰，比较的范围扩大到了保卢斯-波尔、格利特-凡-洪托尔斯特、扬-利文斯、弗兰斯-哈尔斯、扬-凡-比勒特和其他几位艺术家，他们提供了比公众在雅克马尔-安德烈博物馆欣赏到的更广泛、更精确、更奇特的背景。此外，策展人几乎是强行将展览搬进了临时展览室，而这些展览室完全不适合举办大型展览，因为它们太狭窄了，也因为展览室的空间太小了。这些展厅完全不适合举办大型展览，因为它们太狭窄了，而且为了这次展览，这些展厅几乎被挤到了物理极限，其设计方案往往令人怀疑（画作几乎都贴在了门上，各种杂乱无章的摆放，以及令人恐怖的这里还有一幅被认为是拉图尔所作的《圣彼得的忏悔 》，这幅画可能是一个重要的里程碑，因为目前还没有他的确切画作。拉杜尔的画作，这可能是一个重要的里程碑，因为迄今为止还没有关于他的确切画作），而且乔治-德-拉杜尔显然是一位深受法国人喜爱的艺术家，他们大举涌入雅克马尔-安德烈的展览，导致展厅经常拥挤不堪，很难集中精力参观展览。可怜的乔治-德拉图尔不应该被淹没在这样一个令人窒息的、灾难性的环境中。
那些曾在巴贝里尼宫举办的卡拉瓦乔画展中体验过拥挤的人，如果想重新找到类似的感觉，可以通过分隔永久收藏品展厅和临时展厅的转门进入展厅。另一方面，那些认为展览需要空间的人则认为，展览空间不应迫使参观者每次移动观看另一幅画作时都要用胳膊肘顶着邻居，或避免走过峡谷带来的不便，或不允许他们观看另一幅画作。the inconvenience of having to run gymkhana between rooms in order to avoid the photographic sets of other visitors who improvise selfies, self-shots, company shots and solo shots, then they will have to wait for the day when they realise that a small space should correspond to a small exhibition, or they will have to resign themselves to struggling in the chaos.
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