Carlo Carrà: Leben und Werk des Futuristen und metaphysischen Malers

Carlo Carrà (Quargnento, 1881 - Mailand, 1966) ist eine der Persönlichkeiten, an denen sich die italienische Kunst des frühen 20. Jahrhunderts am besten ablesen lässt. Der Maler war zunächst dem Futurismus und dann der Metaphysik zugeneigt, ohne sich jemals endgültig auf eine der Bewegungen festzulegen. Ebenso grundlegend für die Entwicklung seiner künstlerischen Sprache waren seine Studien toskanischer Meister wie Giotto und Paolo Uccello. Noch in jungen Jahren zog er nach Mailand, wo er Museen besuchen und seine künstlerischen Kenntnisse erweitern konnte. Wichtig waren auch seine zahlreichen Reisen nach Paris, der damaligen Kunstmetropole, wo er Beziehungen zu den Kubisten und dem Pariser Intellektuellenmilieu knüpfen konnte. Carrà war nicht nur Maler, sondern auch ein militanter Kritiker und arbeitete an verschiedenen Zeitschriften mit, darunter Lacerba, L’Ambrosiano und Valori Plastici.

Von 1939 bis 1951 war Carrà auch Professor an der Akademie der Schönen Künste in Brera. Einzigartig war seine Fähigkeit, die Hauptmotive und -themen der Bewegungen, an denen er teilnahm, zu interpretieren und zusammenzufassen: Als er sich dem Futurismus anschloss, gelang es Carrà, ein formales Gleichgewicht zwischen plastischen und dynamischen Motiven zu finden, die er oft zu kubistischen Nuancen degradierte. Auch seine Herangehensweise an die Metaphysik war sehr originell und verlieh den Gemälden dieser Periode eine leichte Bewegung und einen Hauch von Originalität, die ihn von den rätselhaften Werken von Giorgio De Chirico oder den meditativen und stillen Gemälden von Giorgio Morandi abheben ließen. Carrà zeigt sofort ein gewisses Gespür für die avantgardistischsten und modernsten künstlerischen Forschungen des frühen 20. Jahrhunderts, ohne dabei auf einen persönlichen und originellen künstlerischen Ausdruck zu verzichten.

Carlo Carrà im Jahr 1920

Das Leben von Carlo Carrà

Carlo Carrà wird am 11. Februar 1881 in Quargnento, in der Provinz Alessandria, geboren. Als fünfter Sohn des Handwerkers Giuseppe Pittolo und seiner Frau Giuseppina verbringt Carrà seine Kindheit in einer eher bescheidenen, dörflichen Umgebung. Als Kind wurde er von einer Krankheit heimgesucht, die ihn zwang, etwa einen Monat lang das Bett zu hüten. Um sich zu beschäftigen, begann er zu zeichnen und entdeckte seine Leidenschaft für die Kunst. Im Jahr 1895 zog der piemontesische Maler nach Mailand, um als Palastdekorateur zu arbeiten, aber in dieser Zeit führte er ein eher unbequemes und karges Leben. Die Stadt bot Carrà die Möglichkeit, die Museen zu besuchen und sein Auge zu erfreuen, indem er die Sonntage in der Pinacoteca di Brera und der Galleria d’arte Moderna im Castello Sforzesco verbrachte. Im Jahr 1889 reist er zum ersten Mal nach Paris, wo er Delacroix, Gericault und die Impressionisten sieht. Im Jahr 1909 wurde er Schüler des Malers Cesare Tallone an der Akademie von Brera, wo er eine figurative Erfahrung des divisionistischen Typs entwickeln konnte und wo er sich mit einer Reihe von Künstlern anfreundete, darunter dem FuturistenUmberto Boccioni. Im Jahr 1910 trifft er Marinetti, mit dem er, Boccioni und Russolo ein Manifest zur Erneuerung der italienischen Kunstsprache verfassen. Auch Giacomo Balla und Gino Severini schlossen sich der neuen Bewegung an und gründeten eine der wichtigsten Avantgarden, die den Verlauf der Kunstgeschichte prägten: den Futurismus. 1911 kehrte Carrà zum zweiten Mal nach Paris zurück, wo er seine ersten Kontakte mit dem Kubismus knüpfte, die sich bei seiner dritten Reise nach Paris 1912 anlässlich der Futuristen-Ausstellung in der Galerie Bernheim Jeune intensivierten.

Während seiner dritten Reise nach Paris im Jahr 1912 traf Carrà viele berühmte Künstler und Intellektuelle wie Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Medardo Rosso und den Dichter Guillaume Apollinaire. Zwischen 1912 und 1914 verfasste er Texte und Zeichnungen für die neue Zeitschrift Lacerba, die von den Schriftstellern Giovanni Papini und Ardengo Soffici herausgegeben wurde. In Paris knüpft und vertieft er die Beziehungen zu den französischen Kubisten, mit denen er 1914 einen längeren Aufenthalt verbringt, und wahrscheinlich reift in dieser Zeit die Krise des Futurismus heran. Seine ersten “metaphysischen” Gemälde stammen aus dem Jahr 1914. Der Krieg zog auch Carrà mit sich, der zu den Waffen gerufen wurde , aber die Kriegserfahrung war nur von kurzer Dauer, da er aufgrund seines schlechten Gesundheitszustands in das Militärkrankenhaus von Ferrara eingeliefert wurde. In dieser tragischen Situation lernte er die Künstler Giorgio De Chirico, Filippo De Pisis und Alberto Savinio kennen.

Bis 1919 widmete er sich eifrig der Kunst, zeichnete und malte und setzte seine Studien über die toskanischen Meister des 15. 1919 kehrte er nach Mailand zurück, wo er Ines Minoja kennenlernte und heiratete. Nach der Heirat folgte eine Zeit der inneren Krise und der großen Meditation: Der Maler malte wenig, zeichnete aber viel und schuf eine Reihe von Blättern, die von den Kritikern als die “puristische Phase” bezeichnet wurden. In dieser Zeit ist seine künstlerische Sprache sparsamer und essenzieller und nimmt bestimmte Elemente vorweg, die seine neue künstlerische Sprache ab etwa 1921 kennzeichnen. Die neue Poetik des Malers spiegelt sich auch in den Schriften wider, die in der von Mario Broglio geleiteten Zeitschrift “Valori Plastici” veröffentlicht werden, für die Carrà einer der eifrigsten Mitarbeiter ist. In den frühen 1920er Jahren hatte Carrà neue Kontakte mit der Meereslandschaft, die ihn zu neuen Gemälden und Zeichnungen anregten. Ab 1926 verbringt Carrà seine Sommer in Forte dei Marmi, und in der Versilia, die bereits von dem Dichter Gabriele d’Annunzio geliebt wurde, findet der Maler Landschaften, die sich für die Erprobung seiner neuen, geordneteren und objektiveren Kunstsprache eignen. Der Künstler stützt sich auf eine ausgewogene Aufteilung der Flächen und Räume, um ein Gleichgewicht zwischen dem konkreten Element und der Verklärung zu erreichen. Neben seiner Malerei setzt Carrà seinen “Kampf” für die moderne Kunst mit Schriften zur Kritik und ästhetischen Lehre fort, insbesondere in der Zeitschrift “L’Ambrosiano”, für die er von 1922 bis 1938 als Kunstkritiker tätig ist. Im Sommer 1965, dem letzten, den er in Forte dei Marmi verbrachte, fertigte er zahlreiche Zeichnungen an, in denen er einige Motive, die ihm besonders am Herzen lagen, zum Teil Jahre später wieder aufgriff. Nach einer Krankheit stirbt Carlo Carrà am 13. April 1966 in Mailand.

Carlo Carrà, Austritt aus dem Theater (1909; Öl auf Leinwand, 69 x 91 cm; London, Estorick Collection of Modern Italian Art)

Carlo Carrà, Piazza del Duomo in Mailand (1909; Öl auf Leinwand, 45 x 60 cm; Mailand, Privatsammlung)

Carlo Carrà, Das Begräbnis des Anarchisten Galli (1911; Öl auf Leinwand, 198,7 x 259,1 cm; New York, Museum of Modern Art)

Carlo Carrà, Die Mailänder Galerie (1912; Öl auf Leinwand, 91 x 51,5 cm; Mailand, Sammlung Mattioli)

Carlo Carrà, Frau auf dem Balkon (1912; Öl auf Leinwand; Mailand, Sammlung Jucker)

Das Werk und der Stil von Carlo Carrà

Carlo Carrà durchlief wie nur wenige andere alle neuralgischen Punkte der italienischen Kunstkultur, vom Futurismus bis zur Metaphysik, ohne jedoch jemals wirklich in einer dieser Bewegungen verwurzelt zu sein. Der Künstler repräsentiert und interpretiert meisterhaft den kulturellen Geist des frühen 20. Jahrhunderts. Die ersten Werke, die von Carràs divisionistischem Stil zeugen, sind Exit from the Theatre und Piazza del Duomo in Mailand, beide aus dem Jahr 1909. In diesen beiden Gemälden vermischen sich die dargestellten Elemente, und obwohl die Komposition und die Figuren noch klar erkennbar sind, gibt es Elemente, die eine andere Vision des Raums als die traditionelle, d. h. eine dynamischere, nahelegen. In Piazza del Duomo (1909) stellt Carrà den von Menschen bevölkerten Platz der Stadt dar. Interessant ist jedoch, dass er nicht so sehr auf die Darstellung menschlicher Komponenten im “akademischen” Sinne abzielte, sondern vielmehr die Seele der Stadt wiedergeben wollte : die Geräusche, das von den Menschen verursachte Chaos und ganz allgemein die städtische Atmosphäre. 1910 lernt Carrà den Dichter und Maler Filippo Tommaso Marinetti kennen, den Begründer der futuristischen Bewegung. Marinettis offener Charakter und seine Intoleranz gegenüber jeglichem Akademismus verführten Carràs rebellische und traditionsfeindliche Seele sofort, und er schloss sich der Bewegung mit Begeisterung an. So beginnt er eine intensive künstlerische Tätigkeit an der Seite der futuristischen Maler, die um 1915 schnell zu Ende geht.

Während der futuristischen Phase verzichtet Carrà auf jegliche Bildsymbolik divisionistischer Art und zieht stattdessen die dynamische Gleichzeitigkeit menschlicher Gemütszustände vor: Der Künstler will die Emotionen, das Gefühl des Menschen in seiner kontinuierlichen Entwicklung darstellen. I Funerali dell’anarchico Galli (Das Begräbnis des Anarchisten Galli ) (1911) ist eines der ersten Werke, die von der Zugehörigkeit des Malers zum Futurismus zeugen. Das Gemälde bezieht sich auf eine Episode, die sich 1904 ereignete, als der Anarchist Angelo Galli während eines Generalstreiks in Mailand getötet wurde. In dem Werk kann man die Figuren der rennenden Demonstranten und der berittenen Wachen erkennen, aber das Interessante ist, dass Carrà die Linien so angeordnet hat, dass der Betrachter den Eindruck von Chaos und Tumult bekommt. Die Farben greifen ein, um dieses dramatische Geschehen noch zu unterstreichen: Das Rot betont die Aggressivität und die Verwirrung der Szene, während das Gelb im Hintergrund das Bild aufheizt. Das Werk Die Galerie in Mailand von 1912 ist eines der emblematischsten Werke dieser Phase. Die Leinwand wurde durch kräftige Linien und die für den futuristischen Stil typische Durchdringung von Hintergrund und Figuren moduliert. Das Werk stellt die Galleria Vittorio Emanuele II in Mailand dar, das kommerzielle Zentrum der Stadt mit Bars, Geschäften und Cafés. Im oberen Teil umgibt eine komplexe Architektur die berühmte Kuppel der Galerie, während der untere Teil von der Menschenmenge dominiert wird, die sich in einer kurvenreichen und chaotischen Bewegung bewegt, die den Durchgang der Figuren anzeigt. Das Werk spielt ein wenig auf die traditionellen Altarbilder an, nicht nur in seinem langgestreckten Verlauf, sondern auch in der Beziehung zwischen der Ordnung im oberen Teil und der Unordnung im unteren Teil. Für Carrà traten die Architektur, die Stadt und die Moderne an die Stelle der Heiligen und Madonnen, die einst in den Gemälden der Renaissance erschienen.

Ein weiteres grundlegendes und ebenso symbolträchtiges Werk ist die Frau auf dem Balkon (1912), in dem ein vager kubistischer Anklang zu erkennen ist, insbesondere durch den Kontrast zwischen dem nahen Motiv und dem Raum dahinter, aber auch durch die Wahl der Farben. Im Gegensatz zum Kubismus vermittelt Carrà ein Gefühl der Bewegung, das in den Stillleben von Braque und Picasso nicht vorhanden ist, was auf den ausgeprägten Sinn des piemontesischen Malers für Originalität und Autonomie hinweist. Der futuristische Stil ohne figurative Elemente taucht in dem Werk auf, aber der Körper der Frau ruft dennoch eine gewisse Sinnlichkeit hervor. Carrà gelingt es, die vage Empfindung der Nacktheit der Frau zu vermitteln, indem er das verschleierte Bild einer aufreizenden Frau auf einem Balkon schafft.

Carràs vielschichtiger Charakter zeigt sich auch in Manifestazione interventista (1914), das er gegen Ende seiner futuristischen Periode schuf. Es handelt sich um eine Collage (eine Technik zur Schaffung von Werken aus Papier, Zeitungsblättern, Zeitschriften usw.), in der der Künstler das Wirbeln von Flugblättern darstellt, die aus einem Flugzeug auf der Pizza del Duomo in Mailand in die Luft geworfen werden. Der interessanteste Aspekt des Werks war, dass Carrà keine menschlichen Figuren oder Landschaftselemente darstellte, sondern durch die Ausschnitte der Flugblätter, die zitierten Phrasen und die fächerartige Bewegung die Verwirrung und das Chaos einer politischen Demonstration evozierte. Formal präsentiert sich das Werk dem Betrachter als zentrifugaler Wirbel von Zeichen, und die Farben tragen zu diesem Gefühl der Expansion bei. Die Oberfläche wurde mit der Praxis der Collage geschaffen, bei der Carrà Zeitungsausschnitte verwendete, und einige Phrasen oder Wörter sind erkennbar: aus dem Zentrum “Armee”, “Hurra”, “unten”, aber es gibt auch Wörter wie “zang tumb tumb”, die Marinetti in einem Gedicht von 1914 verwendete. Dies sind alles Begriffe, die auf die Parolen der Demonstrationen auf den italienischen Plätzen nach der Bombardierung von Sarajewo, dem Auslöser des Ersten Weltkriegs, zurückgehen. Nach seiner kurzen, aber intensiven futuristischen Karriere erlebte Carlo Carrà zwischen 1916 und 1917 eine zweite Offenbarung", nämlich die metaphysische Kunst. Sein wichtigster Bezugspunkt ist Henry Rousseau, aber er beschäftigt sich auch mit der traditionellen italienischen Kunst, insbesondere mit Giotto, Paolo Uccello und Piero della Francesca. Im Jahr 1916 malte er Die Antigraziöse, ein Werk mit einem eher archaischen und grotesken Charakter. Das Werk zeigt in der Mitte ein kleines Mädchen, flankiert von einer Trompete und einem kleinen Haus, und alles scheint frei in der Luft zu schweben. Das Gemälde besteht aus wenigen, bewusst vereinfachten und voneinander losgelösten Komponenten, wobei der karierte Boden das einzige wirkliche Element zu sein scheint. In diesem Gemälde lehnt der Maler die Dimensionen von Raum und Zeit ab, um eine primitivere und archaischere Sprache anzunehmen, die sich auch in der Wahl der Farben widerspiegelt.

Im Jahr 1917 trifft er in Ferrara Giorgio De Chirico, mit dem er kurzzeitig zusammenarbeitet, und malt im selben Jahr Der hermaphroditische Gott, in dem er das von De Chirico so geliebte Thema der Schaufensterpuppe und des zeitlosen Menschen aufgreift. Im Mittelpunkt des Bildes steht eine bewusst unproportionierte Schaufensterpuppe, die sich in einer zu kleinen und daher erdrückenden Umgebung befindet. Das Fehlen der Geschlechtsorgane und der segnende Gruß erinnern an die Figur eines Engels. Zwei weitere Werke, die das Verständnis von Carràs metaphysischer Phase erleichtern, sind Il cavaliere dello spirito occidentale (1917), in dem die Schaufensterpuppe auf dem laufenden Pferd dynamischer wird und in gewisser Weise das futuristische Thema der Bewegung aufgreift, und La musa metafisica (1917), ein Werk aus der Sammlung Mattioli. Auf der Leinwand wurde die Schaufensterpuppe mit Hell-Dunkel modelliert, wobei Carrà in gewisser Weise die Technik der Renaissance aufgreift. Die vorherrschende Farbpalette ist grau und wird durch die leuchtenden Farben des Prismas und der Plastik kontrastiert. Der Liebhaber des Ingenieurs (1921) ist eines der berühmtesten Werke von Carràs metaphysischer Periode. In der Mitte des Gemäldes liegt ein plastisches Gesicht regungslos und rätselhaft. Dem Gesicht gegenüber befindet sich eine Tafel mit einem Quadrat und einem Zirkel, die die Rolle des Ingenieurs symbolisieren soll, aber auch die neue künstlerische Suche des Malers, die auf Ordnung und Ruhe beruht. Der dunkle Hintergrund unterstreicht die Abwesenheit von Zeit und Raum und evoziert fast eine traumhafte Dimension.

Ein weiterer Wendepunkt in der künstlerischen Sprache Carràs trat in den 1920er Jahren ein, als er Mitglied der Zeitschrift Valori Plastici von Mario Broglio wurde, an der der Künstler lange Zeit mitarbeitete. Von diesem Zeitpunkt an neigte der Maler immer mehr zur Rückbesinnung auf Klassizismus und Tradition. Die Forschung wird strenger und rationaler, wie es sich bereits in dem Werk L’amante dell’ingegnere mit den beiden Elementen Zirkel und Quadrat andeutet. Das repräsentativste Werk dieser Periode der “Rückkehr zur Ordnung” ist Das rote Haus (1926), in dem die dargestellten Elemente in erster Linie als Volumen dargestellt sind. Das Gemälde wird von einem großen roten Haus in der Mitte dominiert, von dem das Werk seinen Titel hat, ohne Details, aber mächtig in seiner Struktur; links geht ein anderes Gebäude in graugrünen Tönen dem zentralen Haus voraus. Im Vordergrund stehen eine Vase, ein Blatt und ein kleiner Würfel, die auf einer Fensterbank eines Hauses ruhen. Am Horizont lässt sich die Vegetation einer Landschaft erahnen, die jedoch sofort von den beiden großen Würfeln, die die Leinwand dominieren, verdeckt wird. Carrà entwickelt die Form in Anlehnung an die objektiven Gegebenheiten, bringt aber gleichzeitig eine archaisierende Sprache hervor. Während eines Sommeraufenthalts in Forte dei Marmi, wo er Landschaften betrachten und seine künstlerische Forschung betreiben konnte, entdeckte er auch das Wunder der Natur wieder. Carràs künstlerische Laufbahn umspannt fast alle Ereignisse der italienischen Kunst des frühen 20. Jahrhunderts, und obwohl er nicht der Anführer einer Bewegung war, war seine künstlerische und darstellerische Kraft außergewöhnlich.

Carlo Carrà, Interventionistische Demonstration (1914; Tempera, Feder, Glimmerstaub und Papier auf Karton, 38,5 x 30 cm; Sammlung Mattioli, Depot in Venedig, Sammlung Peggy Guggenheim)

Carlo Carrà, Die Antigraziösen (1916; Öl auf Leinwand, 67 x 52 cm; Privatsammlung)

Carlo Carrà, Der Ritter des westlichen Geistes (1917; Öl auf Leinwand, 52 x 67 cm; Privatsammlung)

Carlo Carrà, Die metaphysische Muse (1917; Öl auf Leinwand, 90 x 62 cm; Mailand, Sammlung Mattioli, Leihgabe des Museo Poldi Pezzoli)

Carlo Carrà, Der Liebhaber des Ingenieurs (1921; Öl auf Leinwand; Mailand, Privatsammlung)

Wo sind die Werke von Carlo Carrà zu sehen?

Die Werke von Carlo Carrà sind im Allgemeinen in Museen zu finden, die Kunst des 20. Jahrhunderts. Insbesondere das Mart in Rovereto (Museum für moderne und zeitgenössische Kunst), das Museo del Novecento in Mailand und die Galleria Nazionale d’arte Moderna e Contemporanea in Rom beherbergen die meisten seiner repräsentativen Werke aus der Zeit des Futurismus und der Metaphysik. Weitere bedeutende Werke sind Teil der Sammlung Mattioli, einer sehr wichtigen Sammlung italienischer Kunst, insbesondere des Futurismus und der Metaphysik. Sechsundzwanzig Meisterwerke der Sammlung sind nach der Notifizierung durch den italienischen Staat heute unteilbar. Die Sammlung wurde bis 2015 an die Peggy Guggenheim Collection in Venedig ausgeliehen, und nun wurde die zweite Sammlung der Pinacoteca di Brera überlassen, wo man einige der wichtigsten Werke von Carràs künstlerischer Laufbahn bewundern kann, darunter Manifesto Interventista (1914), La Galleria di Milano (1912) und L ’amante dell’ingegnere (1921).

Weitere Museen, in denen die Werke des Malers zu sehen sind, sind das MoMa in New York, wo eine Reihe von Zeichnungen und Das Begräbnis des Anarchisten Galli (1911) aufbewahrt werden, das Centre George Pompidou in Paris, die Pinacoteca Vaticana in Vatikanstadt, in der die dritte Version der Töchter von Loth (1940) aufbewahrt wird, und schließlich die Fondazione Roberto Longhi in Florenz, die eine große Anzahl von Gemälden von Carlo Carrà beherbergt.

Carlo Carrà: Leben und Werk des Futuristen und metaphysischen Malers