Vom 13. Dezember 2025 bis zum 15. März 2026 findet in der Galleria d’Arte Contemporanea Osvaldo Licini in Ascoli Piceno die Einzelausstellung L’anno del Serpente (Das Jahr der Schlange) von Paola Angelini statt, der Gewinnerin der fünften Ausgabe des Premio Osvaldo Licini von Fainplast. Das Ausstellungsprojekt wird von der Associazione Arte Contemporanea Picena, Fainplast und der Stadtverwaltung von Ascoli Piceno präsentiert und von Alessandro Zechini kuratiert. Die Eröffnung findet am 13. Dezember 2025 um 18 Uhr statt. Der Premio Osvaldo Licini von Fainplast ist ein Preis, der der zeitgenössischen italienischen Malerei gewidmet ist und mit dem Ziel ins Leben gerufen wurde, die aktuellste Forschung zu identifizieren und zu unterstützen und Praktiken zu belohnen, die die Sprache der Malerei erneuern. Das Werk von Paola Angelini fügt sich in diesen Kontext ein: Sie wurde für ihre Forschungen ausgewählt, die sich mit dem Medium der Malerei als Raum der Transformation und der existenziellen Überprüfung befassen.
Die Ausstellung geht von einem zentralen biografischen Ereignis im Werdegang der Künstlerin aus: dem Verlust ihres Vaters, einer Bezugsfigur in ihrem Privatleben und in ihrer ständigen Auseinandersetzung mit der Malerei. Die Ausstellung ist ganz ihm gewidmet und entwickelt sich als Überschreitung eines Bruchs, verstanden als Durchgangspunkt zwischen einem Vorher und einem Nachher. Die Zeitspanne, die evoziert wird, ist die eines von tiefgreifenden Veränderungen geprägten Jahres, in dem die Malerei zum Instrument wird, um die Abwesenheit zu messen und die eigene Orientierung neu zu definieren. Der Titel The Year of the Snake erinnert an Year of the Snake, einen vom chinesischen Kalender inspirierten Song von Arcade Fire, den der Künstler im Atelier als eine Art tägliches Ritual hört. Die musikalische Referenz begleitet die Idee der Schwelle und des Wandels, eines Moments, in dem das Neue die Grenzen der Existenz neu zieht und die Malerei ihre Richtung ändert, was eine Reflexion darüber eröffnet, wie man innerhalb des Mangels neu geboren werden kann.
Angelini begreift die Ausstellung als einen geschichteten Bildkörper, der eher einer Abfolge von Rettungsbooten als einer endgültigen Landung gleicht. Die Praxis besteht in der Akkumulation von Zeichen, Elementen und Bildern, die auf rekursive Weise wiederkehren: Köpfe, Engel, Monde, Figuren und Landschaften bilden ein persönliches Lexikon, in dem Traum, Erinnerung und Gegenwart nebeneinander bestehen. Die Ausstellung ist in drei Schichten unterteilt, vergleichbar mit den Bauphasen eines Gemäldes: Grundierung, Skizze und Fertigstellung. In der ersten Schicht entstehen emotionale und künstlerische Verbindungen, in denen sich das Porträt und das Symbol überschneiden. Werke wie What is Orange? Why, an Orange, just an Orange! fungieren als zeitliche Vorrichtungen, die auf ein vertrautes Archiv zurückgreifen, indem sie zwei dem Betrachter zugewandte Figuren zeigen, die zwischen einem intensiven orangefarbenen Licht und einer gleichmäßigen Beleuchtung schweben, die als außerhalb der Szene wahrgenommen wird. In der gleichen Sektion stellen einige Porträts des Künstlers einen Dialog mit zwei historischen Porträts von Nanny her, einer zentralen Figur in Osvaldo Licinis Vorstellung, und konstruieren so ein Netz von Querverweisen, in dem die Unterscheidung zwischen dem Betrachter und dem Betrachteten instabil erscheint.
Die zweite Ebene, die als Skizze bezeichnet wird, ist der experimentellste Teil des Projekts. In diesem Stadium akzeptiert Angelini nur eine teilweise Kontrolle über das Ergebnis der Bilder und erlaubt dem Gemälde, sich in den physischen Raum auszudehnen. Das Werk Dove andiamo? (Wohin gehen wir?), das sich über eine ganze Wand erstreckt, macht die Frage nach dem einzuschlagenden Weg deutlich. Abstraktion und Figuration wechseln sich ab und tauschen ihre Rollen, so dass das Gefühl einer offenen Suche entsteht, ohne dass es einen endgültigen Weg gibt. An der hinteren Wand vereinen Zeichnungen, die vor Ort angefertigt wurden, die Geste mit der Idee der Erhebung: die Kohlezeichnung, zerbrechlich und direkt, macht ihren Weg sichtbar, als ob die Bewegung des Körpers noch präsent wäre. Im selben Raum ist ein kleines Werk von Giovanna Garzoni, einer Miniaturistin aus Ascoli im 17. Jahrhundert, ausgestellt: ein Totenkopf, der als Memento mori mit Dove andiamo? dialogisiert und eine Reflexion über das Ende in einen Prozess der Transformation einfügt.
Die letzte Schicht, der Abschluss, beherbergt fünf große freistehende Gemälde, die sich durch eine starke Vertikalität auszeichnen. Es handelt sich um Bildkörper, die Schichten von Erinnerung und Veränderung wiedergeben. Jedes Werk stellt eine autonome Konstruktion dar, mit unterschiedlichen Atmosphären und Zeichendichten. Die unregelmäßigen Oberflächen, die von chromatischen Überlagerungen und Graphismen durchzogen sind, wechseln sich mit leuchtenden Flächen und Mondpräsenzen in einem ständigen Dialog zwischen Themen und Landschaften ab. Der Mond kehrt zusammen mit Engeln und Brüchen in der Bildmaterie als leitendes Element zurück und erinnert an eine ständige Spannung zwischen dem Streben nach Höhe und der Schwere der Materie, die in Licinis Lektion mitschwingt. In einem der Gemälde, das von tiefen Grüntönen und leuchtenden Rosatönen geprägt ist, taucht ein wachsamer Blick zwischen Gesichtern mit geschlossenen Augen auf, während ein Engel im Flug versucht, einen Kopf zurückzuhalten, dem das Grün der Natur wie eine Spur folgt; auf dem Boden nimmt eine Art Floß das Gesicht von Leopardi auf, einem Dichter, der sowohl Licini als auch Angelini am Herzen lag. Insgesamt bestimmt die Überlagerung von Zeichen und Formen die konzeptionelle Architektur der Ausstellung. Von der Imprimatur der Figuren, die den Betrachter befragen, über die Skizze als Raum der Forschung und des Fluchtversuchs bis hin zum Abschluss, der den fünf selbsttragenden Gemälden anvertraut wird, führt der Weg über eine Kreuzung von Abwesenheit und Erinnerung. Das Gemälde wird so zum Ort eines nicht-linearen Spaziergangs, bei dem sich der Blick zwischen Fragmenten einer unterbrochenen Zukunft bewegt und dabei Verlust und Ungewissheit in Kauf nimmt. In diesem Raum unterstreicht das Mondlicht das Zusammentreffen von Zerbrechlichkeit und Stärke als strukturelles Merkmal von Paola Angelinis Erfahrung und Malpraxis.
Paola Angelini, 1983 in San Benedetto del Tronto geboren, wurde an der Akademie der Schönen Künste in Florenz ausgebildet, wo sie 2010 ihr Diplom in Malerei erhielt. 2011 nahm sie am Workshop in Visual Arts an der IUAV in Venedig unter der Leitung von Bjarne Melgaard teil und stellte im selben Jahr im norwegischen Pavillon auf der 54. Biennale von Venedig in der Ausstellung Baton Sinister aus. Im Jahr 2017 schloss er sein Studium mit einem Master of Fine Arts am KASK Conservatorium in Gent, Belgien, ab.
Parallel zu ihrer Ausbildung entwickelt Angelini ihre Forschung durch Residenzprogramme weiter: 2014 und 2016 war sie Artist-in-Residence am Nordic Artists’ Centre Dale in Norwegen und 2016 nahm sie am Bevilacqua La Masa Programm in Venedig teil. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Italien und im Ausland präsentiert, darunterForme del tempo im Museum Palazzo Pretorio in Prato und La conquista dello spazio im Spazio K der Galleria Nazionale delle Marche in Urbino (2017), Iconoclash im Museo di Castelvecchio in Verona (2017),Rethinking Media in der Brandstrup Galleri in Oslo (2018), Babel of Bric à Brac in der BGE Gallery, Stavanger (2019), SplendorSolisal Museo Ca’ Pesaro, Venedig (2021), Black Morning in der Lyles & King Gallery, New York (2022), The Diver in der Fondazione Coppola in Vicenza (2023), Became a sun on the left side of the moon in der BGE Contemporary Art Projects in Stavanger (2024) und Image outside of time in der Kwai Fung Hin Art Gallery in Hongkong.
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| Paola Angelini in Ascoli Piceno: "Das Jahr der Schlange" in der Galerie Licini |
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