Der europäische Besucher des Metropolitan Museum of Art in New York, der den unbekannten und verführerischen Raum des amerikanischen Flügels mit seinen Glasfenstern betritt, die die ausgestellten Werke wie in einem Kristalltempel zu verschließen scheinen, kann nicht umhin, in den John Singer Sargent gewidmeten Räumen zu verweilen, deren Höhepunkt das Porträt der Madame X ist, das vielleicht berühmteste der Hunderte von Porträts, die der amerikanische Maler schuf. Die Leinwand markiert den Höhepunkt von Sargents Pariser Erfahrung und ist gleichzeitig die Ankündigung eines Abschieds. Der Skandal, den seine Ausstellung auf dem Salon von 1884 auslöste, war einer der Gründe, die den Künstler dazu brachten, die Stadt, die seinen Erfolg begründete, zwei Jahre später zu verlassen und nach London zu ziehen.
Im Gegensatz zu den meisten Porträts Sargents entstand dieses nicht durch einen Auftrag, sondern durch eine Einladung des Malers, der die 25-jährige Virginie Amélie Avegno, die in New Orleans in eine Familie französischer Emigranten hineingeboren wurde und dann mit dem Geschäftsmann Pierre Gautreau verheiratet war, überredete, für ihn zu posieren. Das leicht kantige Gesicht zog ihn so sehr an, dass er nach einer langen Reihe von Studien die endgültige Wahl der Profilansicht traf, die dem Gesicht etwas von einem Vogelschnabel verleiht, der an den von Proust beschriebenen Guermantes erinnern könnte. Der fast verächtliche Blick mit einem Hauch von Arroganz und die verschmierte Schminke, die in den Augen eines Malerkollegen der Epidermis etwas “cadavérique et clownesque” verlieh, reichten nicht aus, um die Empörung des Salonpublikums zu erregen. Den Ausschlag gab die Kühnheit der rechten Schulterklappe, die lässig über den Oberarm gezogen war und das Dekolleté in einer ausgeprägten und aufreizenden Nacktheit erscheinen ließ. Das Gemälde wurde zurückgezogen, Sargent behielt es angesichts der Weigerung der Familie Gautreau, es mit nach Hause zu nehmen, in seinem Atelier, gestaltete die juwelenbesetzte Schulterklappe nach den Regeln der Sittsamkeit um und verkaufte es ein Jahr nach dem Tod des Modells an das Metropolitan Museum of Art. Sogar der Name des Bildnisses wurde der damnatio memoriae unterworfen, und das Gemälde ist seither unter dem Namen Madame X bekannt.
Wenn wir von der berühmten Leinwand sprechen, befinden wir uns mitten in der Ausstellung Sargent. Éblouir Paris (kuratiert von Caroline Corbeau-Parsons und Paul Perrin, in Zusammenarbeit mit Stephanie Herdrich), die ursprünglich im Metropolitan stattfand und bis zum 11. Januar 2026 im Musée d’Orsay zu sehen ist. Trotz der Bedeutung, die seine Pariser Anfänge für die Karriere des Künstlers hatten, und der Präsenz von Werken in französischen Museen ist dies die erste monografische Ausstellung, die ihm in Frankreich gewidmet ist. Es bedurfte der Hundertjahrfeier seines Todes, um die Franzosen davon zu überzeugen, diesen Schritt zu tun, und zwar nicht ohne Verzögerung. Italien war in dieser Hinsicht viel klüger und widmete dem 1856 in Florenz als Sohn eines ausgewanderten Ehepaars aus Philadelphia geborenen Maler vor mehr als zwanzig Jahren im Palazzo dei Diamanti in Ferrara eine schöne Ausstellung. Unter dem Titel Sargent und Italien erzählte er von seinen zahlreichen Reisen auf der Halbinsel, wobei er sich auf die aktuellen Ziele Venedig, Florenz und Capri konzentrierte. Sargent ist in der Tat ein kosmopolitischer Künstler, der vier Sprachen spricht: Er wurde in Europa ausgebildet, reiste leidenschaftlich gerne durch die Länder des Mittelmeers und war dank wohlhabender Mäzene, die ihm verschiedene Werke in Auftrag gaben, mit Amerika verbunden. Als Adoptiv-Engländer wollte er sich nie in den Vereinigten Staaten niederlassen, wo seine Wurzeln lagen, und als echter Expatriate im Sinne des von Henry James geschaffenen Kanons (der dieses Lebensmodell begründete und es gleichzeitig am besten in Literatur umsetzte) lebte er zwischen der Alten und der Neuen Welt, mit einer unverzichtbaren und unveräußerlichen Vorliebe für die Alte Welt, deren Geschichte er selbst sammelte und durch seine künstlerischen Entscheidungen wiederbelebte.
In Paris trat Sargent in das Atelier von Carolus Duran und in die École des Beaux-Arts ein und studierte, auch dank seiner Reisen nach Spanien und in die Niederlande, die großen Meister der frühen Moderne. Seine bevorzugten Meister wurden Velazquez, Hals und dann van Dyck, denen er dank ihrer Vermittlung Tizian vorangestellt hatte. Mit dieser tiefgreifenden Hommage an die europäische Porträttradition steht Sargent in einer Kontinuitätslinie, die den Ansprüchen seiner potenziellen Kunden gerecht wird und als entscheidende Garantie für ein Vermögen ohne Risse unter den Vertretern der alten Aristokratie der Titel und der neuen Aristokratie des Geldes auf beiden Seiten des Atlantiks dient. Die alten Meister neu zu malen, war für ihn zunächst eine Pflicht und eine Lehre, dann eine strategische Entscheidung, nicht anders als jedes Jahr ein Porträt und eine Landschaft oder Komposition auf dem Salon auszustellen. Es handelte sich jedenfalls nicht um eine einfache Nachahmung, sondern um eine Neuerfindung des Porträtgenres, getragen von einer superfeinen Technik, einer lebendigen Freiheit des Strichs, die das Werk des Künstlers auf den ersten Blick auszeichnet. Diese Freiheit des Tastsinns, die Sargent auf den ersten Blick von seinem Meister Duran unterscheidet, wird in der Ausstellung deutlich, wenn man die frühen Ergebnisse des Schülers mit den stimmungsvollen, aber vergleichsweise harmloseren Werken des letzteren vergleicht, wie z. B. The Lady with the Glove (Musée d’Orsay).
Sargent hatte also eine akademische Ausbildung, die durch Studien und Kopien belegt ist, und für viele Kritiker blieb er immer ein akademischer Maler, auch wenn er von Manet und Monet verführt wurde, mit denen er fruchtbare Beziehungen einging. Aber wenn man ihn so bezeichnen will, war er ein genialer Akademiker, vielseitig und intelligent darauf bedacht, den Geschmack des Umfelds aufzufangen, in dem er sich als Fremder durchzusetzen begann. Dieses akademische Substrat seiner Vision zeigt sich in Oyster Fishing in Cancale (Washington, National Gallery of Art), das den guten Geschmack des Salon-Publikums befriedigen sollte: Die Szene der bretonischen Fischer, die den sonnigen Strand überqueren, wird zum Vorwand, um eine Komposition zu organisieren, die geschickt in der Beziehung zwischen Figuren und Hintergrund strukturiert ist, und um jene flüssigen und beweglichen Lichteffekte zu schaffen, die zur Signatur des Künstlers werden sollten. Es handelt sich außerdem um eine Fälschung en plein air, da nur bestimmte Figuren vor Ort studiert werden, während das Gemälde als Ganzes im Atelier konzipiert wird. Der aufmerksame Betrachter, der sich nicht so leicht verführen lässt, wird anderswo wahre Befriedigung finden. In den kleinen Gemälden und Aquarellen, die auf seinen Reisen in Spanien und Marokko entstanden sind, Orte, die Sargent sehr liebte und von denen er uns eine endlose Bilddokumentation hinterlassen hat, findet man eine sehr hohe Qualität, zumindest für das, was die Pariser Ausstellung uns bietet: Nicht so sehr und nicht nur in dem berühmten Grau-Bernstein-Rauch (Williamstown, Clark Art Institute), sondern auch in den beiden Blicken auf marokkanische Städte und vor allem in derAlhambra (Privatsammlung), in der der Maler die ätzende Wirkung des Lichts auf dem ockerfarbenen Stein von Granada in der Dämmerung der schwülen Luft perfekt wiedergibt. Von diesen iberischen Exkursionen brachte Sargent Ideen für exotische und ehrgeizige Gemälde mit, die in El Jaleo (1882) gipfelten, für das seine Bostoner Mäzenin, Isabella Stewart Gardner, in ihrer Villa Fenway Court einen neuen Hof bauen ließ, um es würdig ausstellen zu können. Das Gemälde ist der große Abwesende in dieser Ausstellung.
Mit den verschiedenen Formaten und der Breite der Themen fasziniert Sargent durch die Vielzahl der Ebenen, auf denen er gelesen werden kann, jenseits der den meisten bekannten Pracht der Porträts. Im Jardin du Luxembourg (Philadelphia Museum of Art) herrscht eine etwas gedämpfte und melancholische Atmosphäre, die einer Erzählung von Anatole France oder derjenigen aus Die Freuden und Tage des jungen Proust würdig ist. Der perlmuttfarbene Schleier, der den Abend einhüllt und etwas von Whistler hat, wird von den zinnoberroten Farbtupfern einiger Blumen erhellt, und die in der Mitte des Himmels schwebende Scheibe des Vollmondes lässt goldene Tropfen in das Wasserbecken fallen. Diese Suche nach virtuosen und niemals banalen Lichteffekten, eines der Elemente, die den Vergleich mit seinen französischen Kollegen nahelegen, macht Sargent stets erkennbar: ImVenezianischen Interieur (Pittsburgh, Carnegie Museum of Art) liegt die Originalität des Gemäldes - mehr noch als in dem der Komposition aufgeprägten Schrägschnitt - in jenem diagonalen Streifen Sonnenlicht, der den kahlen, grauen Boden wie von Manets Pinselstrichen poliert durchschneidet.
Dank dieses außergewöhnlichen Schaufensters, dem Salon, wird Sargent allmählich in der Pariser Szene bekannt und beginnt, Mitglieder der lokalen Gesellschaft und nach Frankreich gezogene Amerikaner zu verewigen. Einige Porträts der späten 1970er Jahre wirken wie Versuche, in einem Genre, in dem alle miteinander konkurrieren, seinen persönlichen Stempel aufzudrücken, aber er erreicht schließlich sein Ziel. Im Porträt von Édouard und Marie-Louise Pailleron (Des Moines Art Centre Permanent Collections) fallen die hypnotische Fixierung des kleinen Mädchens, um das sich das ganze Gemälde dreht, und der trotzige Blick ihres Bruders auf, in dieser Fähigkeit, van Dycks Porträts von Kindern und Jugendlichen im späten 19. Dies ist die dominierende Farbe des Porträts von Dr. Samuel Pozzi (Los Angeles, Hammer Museum), das dem breiten Publikum auch (und vielleicht vor allem) durch das Buch des englischen Schriftstellers Julian Barnes(The Man in the Red Robe) bekannt ist. In diesem zur Feierlichkeit und Erhabenheit erhobenen Bild des Privatlebens wird nicht nur der Charme eines Arztes jener Zeit, einer bekannten Persönlichkeit der Gesellschaft und eines passionierten Frauenhelden verewigt, sondern auch der gesamte Reiz der Belle Époque, die von der weiblichen in die männliche Sphäre übergeht, zusammengefasst. Noch faszinierender ist das Porträt der Töchter von Edward Darley Boit (Boston, Museum of Fine Arts): Nicht weniger säulenartig als die riesigen orientalischen Vasen im Hintergrund tauchen die vier kleinen Mädchen - eine Art Varianten eines einzigen Typs, die in leicht unterschiedlichem Alter aufgenommen wurden - aus der Dunkelheit auf und blicken uns an wie jene Erscheinungen, die in den Geistergeschichten von James auftauchen, der einer der frühesten und glühendsten Verehrer Sargents war. Natürlich umfasst die Ausstellung nicht nur Meisterwerke. Eine Reihe von Gemälden, die manchmal von anhaltender, manchmal von ungleichmäßiger Qualität sind, da sie weniger engagiert sind, konzentrieren sich auf Freunde und Kollegen wie Fauré, Rodin, Helleu und Monet; letzterer wurde beim Malen en plein air porträtiert.
Anhand des Porträts und einiger Studien des Gesichts seines Freundes Albert de Belleroche, dessen Profil und etwas verächtlicher Gesichtsausdruck Madame Gautreau so sehr ähnelt, können wir schließlich das Geheimnis der Entstehung des Porträts von Madame X ergründen und erfahren, wie sehr Sargent von einer Physiognomie fasziniert war, die von männlich zu weiblich und umgekehrt übergeht, mit einer Zweideutigkeit, die nur die Malerei verstärken oder ganz aufheben kann.
In den Jahren nach dem Aufsehen, das das berühmte Gemälde erregte, war Sargent einer der wichtigsten Förderer einer Subskription für den Ankauf von ManetsOlympia durch den französischen Staat, das bei seiner ersten Ausstellung einen noch größeren Skandal ausgelöst hatte. Kurze Zeit später war Sargent mit La Carmencita an der Reihe, das eine kurzlebige, aber schillernde Wiederbelebung der Pariser Salons markierte und 1892 erworben wurde (es befindet sich heute im Musée d’Orsay). Dieses große, ebenfalls von der spanischen Welt inspirierte Porträt schließt die Ausstellung ab.
Mit seiner Abreise nach London im Jahr 1886 überließ Sargent das Feld Giovanni Boldini und dem Triumph jener weiblichen Schönheiten, die wir alle kennen. Wer weiß, wie sich die beiden großartigen Porträtmaler auf dem Pariser Platz geschlagen hätten, wenn sie im Dickicht ihrer aristokratischen Kundschaft Seite an Seite gekämpft hätten. Mit den beiden wurde der Archetypus des weiblichen Charmes geboren, der Schönheit, Geschmack und Haute Couture vereint und der in den folgenden Jahrzehnten von der Malerei in die Hochglanzmagazine überging. Auf den Seiten einer Vogue-Ausgabe von 1999 sieht man eine strahlende Nicole Kidman, die von Steven Meisels Linse in modellhafte Kleider gekleidet und in denselben Posen wie die sargentinischen Ikonen fotografiert wurde. Auch dieser Aspekt der Massenkultur gehört zum Reichtum des Künstlers, erfasst aber nur seine glänzende Oberfläche. In der Vielfalt seiner Genres, Techniken und Medien ist Sargent ein vielseitiger Künstler, den es - angefangen bei den fantastischen Aquarellen, die eine Ausstellung 2017 in der Dulwich Picture Gallery in London schön herausgestellt hat - im Detail und als Ganzes zu entdecken gilt. An dem Tag, an dem er beschloss, mit Paris Schluss zu machen, war er 30 Jahre alt geworden und hatte einige seiner Meisterwerke geschaffen, darunter die Madame X, die er später als “das Beste, was ich gemacht habe” bezeichnete. Er ließ die Hauptstadt zurück, die ihn ins Leben gerufen und dann vergessen hatte, aber nicht den Erfolg, der ihn bis zu seinem Tod verfolgen sollte.
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
