Der Drache, eine mythische Figur, die seit jeher die menschliche Vorstellungskraft bevölkert, hat jahrhundertelange ikonografische Wandlungen durchlaufen, bis er zu dem feuerspeienden, geflügelten Ungeheuer wurde, das wir heute kennen. Seine Präsenz in der bildenden Kunst erzählt einen besonderen Entwicklungsweg: vom altgriechischenDrakon, der einer Schlange ähnelt und wegen seiner Stärke gefürchtet ist, wie die Hydra von Lerna, die von Herkules besiegt wurde, bis hin zum mittelalterlichen Wesen mit Fledermausflügeln, Hörnern und feurigem Atem, das teilweise von den schrecklichen Beschreibungen des Leviathan im Buch Hiob inspiriert wurde. Die mittelalterlichen Bestiarien kodifizierten das Bild des Drachens als Symbol des Bösen und lieferten den Künstlern Referenzmodelle, die jahrhundertelange Darstellungen beeinflussen sollten. Berühmte Beispiele wie der Drache im Harley-Manuskript MS 3244 aus der Mitte des 13. Jahrhunderts zeigen bereits das Aussehen, das wir heute mit den Kreaturen assoziieren: einen krokodilartigen Körper, fledermausartige Flügel, Hörner und ein feuriges Maul.
In der Toskana gibt es in Museen und Sammlungen Werke, die die Entwicklung der Figur illustrieren. Für Ambrogio Lorenzetti, Carlo Dolci und Piero di Cosimo wurde der Drache zum Protagonisten heroischer und mythologischer Erzählungen, der oft von Heiligen und Helden besiegt wurde. Der heilige Georg, der als Ritter und Märtyrer verehrt wird, befreit die Prinzessin Elisava von einem Drachen, der ihre Stadt bedrohte, und verwandelt den Schrecken der Kreatur in ein Symbol für den Sieg des Guten über das Böse. In ähnlicher Weise wird der Erzengel Michael als junger bewaffneter Krieger dargestellt, der den Drachen, die Inkarnation des Bösen, besiegt: Seine Bilder feiern den Triumph der Tugend und des Glaubens.
Die Ikonographie wurde durch Cornelis Cort, Salvator Rosa und Giovanni Battista D’Angolo erweitert, die das Ungeheuer in biblischen und mythologischen Kontexten mit viel Liebe zum Detail und Dramatik neu interpretierten. Auch die angewandte Kunst feiert die Kreatur: Die Jaspisvase aus der Werkstatt der Saracchi, die sich heute in der Schatzkammer der Großherzöge im Palazzo Pitti befindet, verwandelt den Drachen in eine Übung technischer Virtuosität, während im Museum der Contrada del Drago in Siena die fantastische Figur zu einem Emblem und Symbol für die Identität der Gemeinschaft wird. Von der Malerei bis zur Skulptur, von der Miniatur bis zum Kupferstich zeigt jede Darstellung, wie der Drache das Böse, die Angst und gleichzeitig den Mut und die Tugend derer verkörpert, die sich ihm stellen. Die in den toskanischen Museen aufbewahrten Werke bieten ein reichhaltiges und abwechslungsreiches Panorama, in dem sich Mythos, Religion und künstlerischer Einfallsreichtum vermischen und die ewige Faszination einer Kreatur bestätigen, die die Fantasie der Betrachter immer wieder aufs Neue anregt. Hier ist also das Versteck der Drachen in der Toskana.
Der Heilige Georg von Donatello aus dem Jahr 1636, der von der Arte dei Corazzai in Auftrag gegeben wurde und sich heute imNationalmuseumBargello in Florenz befindet, stand ursprünglich in einer Nische im Freien in Orsanmichele und wurde später durch eine Kopie ersetzt, die einen innovativen Ansatz für die Bildhauerei darstellt. Der Bildhauer geht an das Problem des Raums anders heran als der Maler oder der Architekt: Während der Maler mit der Perspektive eine illusorische Tiefe erzeugt und der Architekt den Raum durch die Geometrie des Gebäudes definiert, arbeitet der Bildhauer mit dem festen Volumen. Donatello baut den Heiligen Georg nach einer dreieckigen Logik auf: die gespreizten Beine bilden die Basis, der Schild nimmt komplementäre Dreiecke auf, der eiförmige Kopf und der säulenförmige Hals fügen sich in diese Geometrie ein.
Die zentrale vertikale Achse, die sich von der Spitze des Schildes bis zum Kopf erstreckt, verleiht moralische Stabilität, ohne starr zu sein, dank der Bewegung der seitlichen Linien. Die Statue drückt die menschliche Tugend aus: Der Heilige Georg ist der Protagonist seines eigenen Handelns, der Sieger durch Vernunft und Entscheidung, nicht durch göttlichen Willen. Die Perspektive des Reliefs am Fuße der Statue mit der Darstellung des Heiligen Georg und des Drachens, die Fluchtlinien zwischen dem Felsen und dem Portikus und die Verwendung von Licht auf dem konkaven Hintergrund tragen dazu bei, den Protagonisten Tiefe zu verleihen und sie zu isolieren, und erinnern an das antike römische Prinzip der Modellierung des Raums mit Hell-Dunkel. Das Werk spiegelt somit ein Renaissance-Ideal des Gleichgewichts zwischen Geometrie, Tugend und menschlicher Erfahrung wider.
Perseus befreit Andromeda von Piero di Cosimo, gemalt zwischen 1510 und 1515, ist eine Tempera-Grasmalerei auf Tafel, die sich heute in den Uffizien befindet. Das Werk erzählt eine der bekanntesten Episoden aus Ovids Metamorphosen und verwandelt den Mythos in eine kontinuierliche und artikulierte Erzählung. Die Hauptszene zeigt Perseus, wie er das Seeungeheuer besiegt, das Andromeda verschlingen soll, eine äthiopische Prinzessin, die geopfert werden soll, um den Stolz ihrer Mutter Kassiopeia zu bestrafen, die sich der Beleidigung Poseidons schuldig gemacht hat. Der Held erscheint mehrmals innerhalb desselben Bildraums: Zunächst fliegt er in geflügelten Schuhen über die Landschaft, als er das gefesselte Mädchen entdeckt, dann kämpft er gegen den Drachen (wie in der Beschreibung des Werks berichtet und definiert), und schließlich feiert er seinen Sieg neben der befreiten Andromeda, seiner zukünftigen Braut.
Die Erzählstruktur ist von starken emotionalen Kontrasten geprägt. Auf der rechten Seite dominiert der Jubel des Königs und der Menge, während auf der linken Seite die Angst der Familie, die sich des bevorstehenden Opfers bewusst ist, überwiegt. Piero di Cosimo bevorzugt eine klare Lesart der Geschichte und mildert die dramatische Spannung durch eine leuchtende und fast beruhigte Meereslandschaft, in der das Ungeheuer überraschend untergetaucht erscheint. Die Tafel war wahrscheinlich für die Dekoration eines Hochzeitszimmers im Palazzo Strozzi bestimmt, vielleicht für die Hochzeit von Filippo Strozzi dem Jüngeren und Clarice de’ Medici, und gelangte später in die Sammlungen der Medici. In den Uffizien ist es bereits Ende des 16. Jahrhunderts dokumentiert, ausgestellt in der Tribuna.
Cornelis Cort, ein berühmter niederländischer Kupferstecher aus dem 16. Jahrhundert, der lange Zeit in Italien tätig war, schuf 1577 den Stichel mit dem Heiligen Georg und dem Drachen nach einem verlorenen Werk von Giulio Clovio, einem berühmten Buchmaler der damaligen Zeit. Der Druck, der im Gabinetto dei Disegni e delle Stampe in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird, befindet sich seit der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in der Sammlung und ist vom Künstler signiert und datiert.
Die Szene gibt die Miniatur wieder, die Giorgio Vasari in seiner Biografie von Clovio erwähnt, in der er berichtet, dass Kardinal Farnese das Werk, das den Heiligen Georg darstellt, Kaiser Maximilian II. geschenkt hatte. Der Stich von Cort überträgt die Zartheit und Präzision der Miniaturen von Clovio in ein grafisches Format und bietet ein wertvolles Zeugnis der Begegnung zwischen der italienischen Kunst und der nordischen Gravurkunst im 16.
Salvator Rosas Radierung und Kaltnadelradierung Jason schläft mit dem Drachen, ein Werk aus den Jahren 1663-1664, das sich in den Uffizien, Gabinetto dei Disegni e delle Stampe, Florenz, befindet, zeigt den Helden bei seinem dritten Versuch, das Goldene Vlies zu erobern. In der Mitte der Komposition gießt Jason den Zaubertrank auf den Drachen, der den kostbaren Mantel des Widders bewacht, während die Kreatur langsam in Schlaf verfällt.
Der Künstler greift das Thema mehrfach auf, indem er es in vorbereitenden Studien, Zeichnungen und Gemälden untersucht und den Kontrast zwischen heroischer Spannung und Dramatik der Szene hervorhebt. Das Werk steht für Rosas Fähigkeit, Mythos und Theatralik in einer intensiven Erzählung zu verschmelzen, in der jede Geste und jedes Detail dazu beiträgt, die klassische Legende zum Leben zu erwecken.
Giovanni Battista D’Agnolo, genannt del Moro, schuf zwischen 1560 und 1570 die Radierung Landschaft mit dem Heiligen Theodore und dem Drachen, die heute im Kupferstichkabinett der Uffizien in Florenz aufbewahrt wird. Die Radierung reproduziert eine Original-Feder- und Tuschezeichnung von Tizian Vecellio, die in der Morgan Library and Museum in New York aufbewahrt wird. Das Werk zeigt einen geharnischten Soldaten, der einen Drachen durchbohrt: Es handelt sich um den heiligen Theodor und nicht, wie lange angenommen, um den heiligen Georg.
Theodore, Beschützer Venedigs vor dem Heiligen Markus, zeichnet sich dadurch aus, dass er die Kreatur mit einem einzigen Lanzenstoß besiegt hat, ein Symbol für Mut und Glauben. Die Radierung unterstreicht D’Agnolos Fähigkeit, die Energie und Komposition des venezianischen Meisters auf Metall zu übertragen, mit einer Landschaft, die den szenischen Raum erweitert und die Spannung der mythischen Szene verstärkt.
Carlo Dolcis Evangelist Johannes auf Patmos aus dem Jahr 1656 gehört zu den Sammlungen des Palazzo Pitti in Florenz und wird in der Palatina-Galerie im Odysseus-Saal aufbewahrt. Das in Öl auf Kupfer ausgeführte Gemälde, ein winziges Format, aber von großer Raffinesse, stammt aus den Sammlungen des Großfürsten Ferdinando de’ Medici und ist bereits im Inventar des Poggio Imperiale von 1695 unter den Besitztümern von Vittoria della Rovere verzeichnet. Das Vorhandensein eines Metallträgers, der auf einem dünnen Holzrahmen befestigt ist, bestimmt seine ursprüngliche Bezeichnung als Tafel.
Das Werk geht zwei größeren, heute verlorenen Leinwandversionen voraus, die zwischen 1657 und 1659 für Pier Francesco Rinuccini und Kardinal Giovan Carlo angefertigt wurden. Die Inschrift auf dem Rahmen mit dem Datum und der Uhrzeit des Arbeitsbeginns am Gründonnerstag verrät die strenge Methode des Künstlers und den hingebungsvollen Wert, den er dem Akt des Malens beimaß. Das Thema stammt aus der Apokalypse: Johannes, der auf Patmos gefangen gehalten wird, erlebt die Vision der mit der Sonne bekleideten Frau, die vom siebenköpfigen Drachen bedroht wird. Die Komposition ist in einem zwischen Himmel und Meer schwebenden Raum angeordnet, in dem die Figur des Heiligen im Vordergrund auftaucht und sich unsicher auf das Buch stützt. Die bewusst betonte Handgeste wird zum visuellen Zentrum und lenkt den Blick auf die leuchtende Erscheinung, die von Dürers berühmtem Stich von 1498 inspiriert ist. Dolci beweist absolute Kompetenz in der Wiedergabe von Details, von der Textur des Mantels über die Definition des Haars bis hin zum Drachen und dem Adler, die in Monochrom behandelt werden. Das Kupfer steht im Dialog mit einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen von bemerkenswerter Virtuosität, der mit Drachenköpfen verziert ist, die dem ikonografischen Thema entsprechen. Die Zuschreibung an Cosimo Fanciullacci bleibt plausibel, angesichts der Affinitäten zu Modellen, die in der Florentiner Bronzeskulptur des späten 16. Jahrhunderts weit verbreitet sind und mit dem Kreis von Pietro Tacca in Verbindung gebracht werden.
Diese Vase aus Bündner Jaspis mit Gold-, Email-, Perlen- und Rubinapplikationen wurde im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts, vor 1589, hergestellt und ist ein wertvolles Beispiel für die Herstellung von Sammlerstücken, die für die großen italienischen Höfe bestimmt waren. Das Werk, das heute in der Schatzkammer der Großherzöge des Palazzo Pitti in Florenz aufbewahrt wird, weist eine komplexe Struktur auf, die als eine wahre Übung in technischer und formaler Virtuosität konzipiert ist. Ein kreisförmiger Fuß, der durch ein mit Pflanzenmotiven und Edelsteinen besetztes Goldband verziert ist, trägt einen Schaft, der durch goldene, mit Emaille verzierte Knoten gegliedert ist. Die in Form einer Muschel gearbeitete Schale trägt einen Deckel, der vollständig als Drache modelliert ist: Kopf, Flügel und Schwanz sind rund geformt und mit dünnen goldenen Ligaturen befestigt. Auf der Rückseite befindet sich ein kleines Fantasiewesen, das einem Delphin ähnelt und als funktionaler Griff und zugleich als symbolisches Element gedacht ist.
Die früheste urkundliche Erwähnung der Vase findet sich im Inventar der Tribüne der Uffizien aus dem Jahr 1589, in dem das Objekt detailliert in Bezug auf Materialien und Edelsteine beschrieben wird. Ursprünglich befand sich die Vase in den geheimen Schränken der Tribuna und blieb in dieser Schatulle der Medici bis zum Ende des 18. Es wird der Mailänder Werkstatt der Gebrüder Saracchi zugeschrieben, bekannten Schnitzern und Goldschmieden, die für Vasen und Skulpturen aus Halbedelsteinen in Form von realen und imaginären Tieren bekannt waren. Ähnliche Werke, die sich ebenfalls im Tesoro dei Granduchi befinden, lassen auf eine Produktion im Zusammenhang mit den Hochzeitsfeierlichkeiten von Ferdinando I. de’ Medici mit Christine von Lothringen schließen.
Diese russische Ikone ist eine Hommage an den Heiligen Georg, einen der am meisten verehrten Heiligen der alten Rus’. Der Märtyrer aus dem 4. Jahrhundert, Offizier in der römischen Armee und Christ, wurde auf Befehl von Diokletian enthauptet. Die Darstellung zeigt ihn als bewaffneten Ritter, der den Sieg des Guten über das Böse symbolisiert, während er den Drachen durchbohrt. Das Motiv geht auf hagiografische Erzählungen apokryphen Ursprungs zurück. In einer kleinasiatischen Stadt verlangte ein Ungeheuer die tägliche Opferung von jungen Menschen. Als dieses Schicksal Elisava, die Tochter des Herrschers, ereilte, griff Georg plötzlich ein, fällte das Ungeheuer und ließ es mit einem Gürtel gebändigt in die Stadt führen. Die Szene zeigt die Prinzessin vor dem Stadttor und über ihr die regierenden Eltern. Ein Engel krönt die Heilige, eine Anspielung auf den Ruhm des Martyriums.
Stilistisch weist das Werk starke Anklänge an die Malerei des 17. und 18. Jahrhunderts auf: volumetrische Modellierung im naturalistischen Stil, barocke Architektur, dynamische Spannung in der Georgsfigur, der Pferdekopf in Verkürzung und der Drache, der mit kräftigen Gliedmaßen und nicht in Form einer geflügelten Schlange dargestellt ist. Die Ikone, die zwischen dem dritten und vierten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts datiert werden kann, gehört zu den Sammlungen der Uffizien und nimmt ein Modell vorweg, das auch in Kostroma und ÄŒerepovec gefunden wurde. Einzigartig und auf das florentinische Exemplar beschränkt ist die Einbeziehung der Überreste der Opfer des Drachens, ein Detail, das vielleicht durch den Kontakt mit der westlichen figurativen Kultur angeregt wurde. Die Ausführung kann auf dieselbe Werkstatt zurückgeführt werden, die auch für andere Ikonen in den Uffizien tätig war.
Das Museo Stefano Bardini in Florenz beherbergt den Erzengel Michael, der den Drachen erschlägt, ein Meisterwerk von Piero del Pollaiolo, das zwischen 1460 und 1465 entstand. Ursprünglich war das Gemälde Teil eines Prozessionsbanners der Compagnia di San Michele Arcangelo aus Arezzo, wurde aber später ausgeschnitten und in ein Staffeleibild umgewandelt.
Nach einem Aufenthalt in der Sammlung Campana und einer posthumen Versteigerung in der Sammlung Demidov in London gelangte es in die Sammlung von Stefano Bardini und wurde zu einem der wichtigsten Stücke des Museums. Das in Tempera auf Leinwand ausgeführte Werk zeigt den Erzengel Michael, der den Drachen besiegt. Es verbindet die Präzision der anatomischen Details mit einer intensiven Dramatik, die für die florentinische Malerei des 15.
Die Temperatafel von Sano di Pietro (1406-1481) stellt den Kampf zwischen dem Heiligen Georg und dem Drachen dar und stammt aus der sienesischen Kirche San Cristoforo, wo sie den Mittelpunkt eines Altarbildes bildete, das Giorgio Tolomei am 11. August 1440 testamentarisch in Auftrag gegeben hatte; Testamentsvollstrecker war sein Neffe Francesco di Jacopo Tolomei, der das Werk am 24. August desselben Jahres übernahm. Sano di Pietro, der mindestens seit 1428 tätig war, wurde wahrscheinlich bei Sassetta ausgebildet, ohne jedoch dessen höchste Leistungen zu erreichen, und wurde von seinem Zeitgenossen Giovanni di Paolo beeinflusst, der ebenfalls in Siena arbeitete. Das Werk ist heute im Museo Diocesano in Siena aufbewahrt und zu sehen.
Das Symbol der Contrada del Drago in Siena ist natürlich der Drache, der in jedem Element der Contrada auftaucht. Der Museumsrundgang im Museum der Contrada del Drago, , führt daher durch mehrere Gebäude, die nur wenige Gehminuten voneinander entfernt liegen. Der Besuch beginnt im Oratorium, der Kirche der Contrada, und setzt sich im Saal der Siege fort, wo die im Laufe der Jahrhunderte eroberten Drappelloni aufbewahrt werden. Dann geht es weiter zur Fontanina del Drago (Drachen brunnen ), deren Wasser jedes Jahr während der Festa Titolare zur Taufe der neuen Dragaioli verwendet wird. In der Kostümgalerie sind historische und zeitgenössische Kostüme, antike Fahnen, Masgalani und die von der Contrada gewonnenen Palii ausgestellt.
Die Figur des Drachens, Führer und Wahrzeichen der Contrada, ist auch auf einem Medaillon am Eingang der Kirche Santa Caterina del Paradiso, an der Ecke Piazza Matteotti und Via del Paradiso, abgebildet.
Das Triptychon Badia a Rofeno von Ambrogio Lorenzetti ist ein Komplex mit zwei Registern, bestehend aus sechs vergoldeten und bemalten Tafeln, die dem Künstler zugeschrieben werden und in einen geschnitzten und polychromen Holzrahmen aus den ersten Jahrzehnten des 16. Das untere Register wird von der Figur des Erzengels Michael beherrscht, der als junger Krieger im Kampf gegen einen siebenköpfigen Drachen dargestellt ist; an den Seiten erscheinen auf vertikalen Tafeln der heilige Bartholomäus und der heilige Benedikt. Auf der oberen Ebene befindet sich in einem größeren dreieckigen Feld die Madonna mit dem Kind in einem vergoldeten Zinnenbogen, der jetzt teilweise von einem grünen Hintergrund verdeckt wird; zwei kleine seitliche Dreiecke beherbergen den Heiligen Johannes den Evangelisten und den Heiligen Ludwig von Toulouse.
Die besondere Form des Ensembles und die Umgestaltungen, die es im 16. Jahrhundert erfuhr, haben eine lange Debatte über das ursprüngliche Aussehen des Polyptychons ausgelöst. De Nicola, der es zunächst unbekannten sienesischen Meistern zuschrieb, führte es auf Ambrogio Lorenzetti zurück und vermutete spätere Eingriffe, die die Form und die Proportionen der Tafeln verändert hätten. Andere Lesarten, darunter die von Carli, deuten auf eine andere Herkunft aus der Badia di Rofeno hin und erklären die ikonografischen Veränderungen im Zusammenhang mit den Titeln des Klosterkomplexes. Die während der Restaurierung durchgeführten Untersuchungen schlossen einige frühere Rekonstruktionen aus und bestätigten die strukturelle Einheitlichkeit der oberen Tafeln. Das Werk befindet sich heute im Museo Civico di Palazzo Corboli in Asciano (Siena) und wird trotz einiger Alternativvorschläge fast einstimmig Ambrogio Lorenzetti und seiner Werkstatt zugeschrieben. Der monumentale Rahmen, wahrscheinlich ein Werk von Fra Raffaello da Brescia, integriert groteske Motive, vergoldete Fialen und eine verzierte Predella und stellt eine raffinierte Verbindung zwischen der Malerei des 14. Jahrhunderts und der Schnitzerei der Renaissance her.
Lange Zeit Giovanni d’Agnolo di Balduccio oder Parri di Spinello da Del Vita zugeschrieben, später einer florentinischen Schule des zweiten Viertels des 14. Jahrhunderts mit Hinweisen auf Bernardo Daddi und einen unbekannten sienesischen Maler, wird die Tafel San Michele Arcangelo heute von Miklòs Boskovits als Werk von Buonamico di Martino, genannt Buffalmacco, anerkannt. Wahrscheinlich wurde es für die zerstörte Kirche Sant’Angelo in Archaltis in Auftrag gegeben, in der die Fraternita dei Laici eine Kapelle hatte, und dann in den Hauptsitz der Institution in der Nähe des gleichnamigen Tores auf dem Gelände der heutigen Festung gebracht. Die Restaurierung im Jahr 1918, die von Domenico Fiscali durchgeführt wurde, um die durch einen Brand (möglicherweise der der Bibliothek der Fraternita im Jahr 1759) verursachten Schäden zu beheben, umfasste auch die Verlegung auf einen neuen Sockel; die Übermalungen wurden in den 1980er Jahren von Carlo Guido entfernt.
Das Werk kann auf die Jahre 1320-25 datiert werden, eine Zeit, in der Buffalmacco auf Einladung von Bischof Tarlati in Arezzo für die Kathedrale tätig war und wahrscheinlich Andrea di Nerio kennenlernte. Der Einfluss des Werks zeigt sich in der Skulptur des Erzengels für die Tür von Sant’Angelo in Archaltis, die vom so genannten Meister des heiligen Michael ausgeführt wurde und sich eindeutig von der bildlichen Vorlage ableitet, wenn auch mit anderen Proportionen.
Das Polyptychon von Stefano di Giovanni di Consolo da Cortona, bekannt als Sassetta, stammt aus dem zweiten Viertel des 15. Jahrhunderts, zwischen 1434 und 1435. Das auf einer Holztafel ausgeführte Werk mit den Maßen 134 × 244 cm vereint mehrere sakrale Szenen, darunter die Madonna mit Kind und zwei musizierenden Engeln, der heilige Nikolaus von Bari und der Erzengel Michael, der den Drachen zu seinen Füßen erschlägt, der heilige Johannes der Täufer und die heilige Margareta von Antiochien, der Verkündigungsengel, das Agnus Dei und die Verkündigung der Jungfrau Maria.
Die stilistische Qualität und die bibliografischen Quellen bestätigen die Zuschreibung an Sassetta, einen führenden Künstler der sienesischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Ursprünglich befand sich das Polyptychon in der Kirche San Domenico in Cortona und wird heute im Diözesanmuseum derselben Stadt aufbewahrt, wo es weiterhin die für den Meister typische raffinierte Verschmelzung von Spiritualität und visueller Poetik bezeugt.
Bartolomeo della Gatta, geboren als Pietro di Antonio Dei (Florenz, 1448 - Arezzo, 1502), war ein Maler, Miniaturist, Geistlicher und Architekt. Er arbeitete vor allem in der östlichen Toskana, mit einer intensiven Tätigkeit in Arezzo und verschiedenen Orten in der Umgebung von Arezzo, darunter Sansepolcro, Cortona, Castiglion Fiorentino und Marciano della Chiana. Seine Werke sind auch in Rom, wo er an der Ausschmückung der Sixtinischen Kapelle mitwirkte, und in Urbino zu finden.
Die Tempera- und Öltafel Erzengel Michael, die sich heute in der Pinacoteca Comunale von Castiglion Fiorentino(Arezzo) befindet, stammt aus der antiken Pieve di San Giuliano und ist auf 1480 datiert. Das Bild zeigt den Erzengel Michael, den Schutzpatron von Castiglion Fiorentino, bei seinem Triumph über den Drachen, der das Böse verkörpert. Neben der himmlischen Figur steht eine junge Mutter mit einem neugeborenen Kind: Es handelt sich um Theodora, die Tochter von Lorenza Guiducci, die das Werk in Auftrag gegeben hatte, und von Paolino Visconti, einem Mitglied der Mailänder Truppen, die während des Konflikts mit Florenz in Castiglion Fiorentino stationiert waren. Die Tafel zeigt die grafische Kunstfertigkeit und die farbliche Lebendigkeit, die das Werk von Bartolomeo della Gatta auszeichnen.
Als Schüler von Bicci di Lorenzo und Mitarbeiter von Masaccio in Pisa war Andrea di Giusto, auch bekannt als Andrea da Firenze, ein Maler, der sich zwischen der gotischen Tradition und den Einflüssen der Renaissance bewegte und auch als geschickter Kopist bekannt war. Aus diesem Grund beauftragten ihn die Olivetanermönche des Klosters Sacca in der Nähe von Prato mit der Reproduktion des berühmten Polyptychons von Lorenzo Monaco aus dem Jahr 1411 für Monteoliveto (heute in der Galleria dell’Accademia in Florenz). Andrea hat die Hauptfiguren mit lebhaften Farben und Sorgfalt wiedergegeben, wobei er einige Gesichter verändert hat, wie z. B. die Ersetzung des Heiligen Thaddäus durch die Heilige Margareta. Die Geburt Christi in der Predella erinnert an die nächtlichen Szenen von Lorenzo Monaco, während andere Episoden den Einfluss von Fra Angelico erkennen lassen, darunter dieÜbergabe des Namens an Johannes den Täufer, die aus einem Raum in der Markuskirche stammt.
Es folgen die Geburt Christi, die Heiligen Placidus und Maurus, der Tod des heiligen Benedikt und das Leben der heiligen Margareta, die die Liebe des Präfekten Olibrio zurückwies und dafür inhaftiert und enthauptet wurde. In den drei mittleren Ecken wird der segnende Gottvater von dem verkündenden Engel und der Jungfrau flankiert. Das 1435 vollendete Polyptychon eröffnete Andrea einen weiteren prestigeträchtigen Auftrag: die Vollendung der Fresken in der Kapelle der Mariä Himmelfahrt, die von Paolo Uccello unterbrochen wurde. Die Gemeinde Prato erwarb das Triptychon 1870 vom Kollegium Cicognini, in das es 1775 aus dem ehemaligen Olivetanerkloster San Bartolomeo delle Sacca gelangt war. Derzeit befindet es sich im Museum des Palazzo Pretorio.
Die um 1250 datierte Skulptur, die sich über der einzigen Tür der Fassade der antiken Kirche San Michele in Cioncio in Pistoia befindet, die heute dem Heiligen Josef geweiht ist, wurde von dem Kunsthistoriker Adolfo Venturi an ihrem ursprünglichen Standort fotografisch dokumentiert. Es wurde einem unbekannten Scarpellino zugeschrieben, während andere seine Qualität hervorheben und von einer guten pisanischen Schule sprechen. Venturi hingegen bringt es, zusammen mit den Skulpturen der Tür von San Pietro Maggiore, mit einem Künstler in Verbindung, der Guido da Como nahe steht, der um 1250 die Kanzel von San Bartolomeo in Pantano schuf.
Die meisten späteren Kritiker beziehen sich stattdessen auf Guido da Siena. Die Darstellung des heiligen Michael, der den Drachen tötet, aus Marmor und Holz mit Schnitzereien, Gemälden und Vergoldungen, zeugt von der Verbreitung des Erzengelkults in der Stadt.
DasJüngste Gericht auf dem Monumentalfriedhof von Pisa ist das berühmteste Werk des Zyklus Triumph des Todes, das Buonamico Buffalmacco zugeschrieben wird. In dem Komplex, der bereits teilweise mit den Szenen aus den Geschichten der Heiligen Väter und derHölle wieder zusammengesetzt ist, entsteht eine theatralische Kulisse: rechts die Verdammten, links die Seligen, geteilt durch den Erzengel Michael. Oben beherrschen die Jungfrau und Christus, der Richter, die gesamte Komposition, flankiert von den Aposteln und einer Schar von Engeln, die die Instrumente der Passion erheben und an die letzte Bedeutung der Erlösung erinnern.
In der Mitte der Verdammten erscheint ein monumentaler Luzifer, der doppelt so groß ist wie die Christusfigur. Er verkörpert den Stolz, die Wurzel allen Übels, und erscheint als grüner Drache mit schlangenartigen Hörnern und Schuppen, der gerade dabei ist, einen der Verdammten zu verschlingen. Das Bild, das einst von erklärenden Inschriften begleitet wurde, bezog den Betrachter mit ein und lud ihn ein, sein eigenes Leben mit dem dargestellten zu vergleichen - eine moralische Reise, ähnlich der, die durch die Göttliche Komödie berühmt wurde.
Im 14. Jahrhundert wurden die Wände des Friedhofs mit Fresken bereichert, die der Beziehung zwischen Leben und Tod gewidmet sind und von Francesco Traini und Buffalmacco selbst gemalt wurden. Ihre Werke setzten die Predigten des Dominikaners Cavalca und die Visionen Dantes in Bilder um, die besonders imTriumph des Todes und im Jüngsten Gericht erkennbar sind.
Die Temperatafel im Museo Nazionale di Villa Guinigi in Lucca zeigt den Heiligen Michael, wie er seinen Speer in den Drachen zu seinen Füßen stößt. Die Kreatur hat einen blaugrünen Körper und Flügel mit Knorpeln, die mit weißem Blei hervorgehoben sind. Der Erzengel trägt ein blaues Gewand mit Falten, die in der gleichen Technik ausgeführt sind; die äußeren Flügel nehmen den Farbton des Gewandes auf, während die inneren von fast weiß oben zu dunkelbraun unten übergehen, wobei die Federn durch dunklere Akzente betont werden. Zwei dekorative Bänder, horizontal und vertikal, sind in Dunkelbraun gehalten, eine Farbe, die in der Fibel wiederkehrt, die den rosafarbenen Mantel abschließt.
Das raffiniert ausgeführte Werk wurde von Mario Bucci auf Empfehlung von Roberto Longhi Francesceso Traini zugeschrieben. Die überzeugendste Datierung sieht es in der Mitte des fünften Jahrzehnts, in Verbindung mit dem Polyptychon von Pisa mit der Glorie des Heiligen Dominikus. Die Tafel spiegelt noch den Einfluss von Simone Martini wider, vor allem in den Analogien mit der avignonesischen Produktion des Meisters und Giovannettis. Angelo Tartuferi schlägt eine chronologische Annäherung an den Heiligen Bischof bereits in Santa Felicita vor. Wahrscheinlich war das Gemälde schon früh in der Gegend von Lucca vorhanden und hat dort tätige Maler wie Angelo Puccinelli (De Marchi 1998) und Figuren, die dem so genannten Meister von San Frediano nahe standen, beeinflusst. Das aus dem Convento dell’Angelo in den Bergen von Brancoli stammende Gemälde wurde vorübergehend im Museo di San Matteo aufbewahrt, bevor es in die Villa Guinigi gelangte, ein Ort, der besser zu seiner Herkunft passt. Die Altartafel von Priamo della Quercia und die Seitentafeln von Gherardo Starnina stammen ebenfalls aus der Kirche in Tramonte.
Der Stylophorus-Löwe, der mit einem zweiköpfigen Drachen kämpft, wurde von Guidetto und seiner Werkstatt zwischen dem späten 12. und frühen 13. Jahrhundert in Kalkstein gehauen. Das Werk, das der italienischen Schule mit lombardischen Einflüssen angehört, befindet sich im Kirchenschiff am Rande des Presbyteriums der Pieve diSanta Maria Assunta in Diecimo, in der Gegend von Borgo a Mozzano (Lucca). Guidettos Werk, das zu den besten Werken der toskanischen Bildhauerkunst des frühen 13. Jahrhunderts gehört, zeichnet sich durch die Erneuerung der Kanzeln aus, die frühere Modelle wie Guglielmos grandiose Kanzeln für Pisa überarbeiten und an die lombardischen Ideologien und plastischen Sprachen anpassen.
Die dynamischen und lebendigen Messen von Guglielmo weichen hier einer eher statischen Monumentalität, bei der der Meißel intensiv eingesetzt wird. Der Löwe, dessen Mähne ordentlich gekräuselt ist, steht muskulös und fest auf seinem Sockel, während der zweiköpfige Drache reagiert, indem er sich auf die Unterlippe beißt und in den Schenkel sticht. Die beiden Löwen und die Figur, die Jesaja hält, stammen von der ursprünglichen Kanzel, die 1675 zerlegt wurde und deren Existenz im Testament des Bartolomeo Proficati aus Lucca von 1348 dokumentiert ist.
Achtung: Die Übersetzung des italienischen Originalartikels ins Deutsche wurde mit Hilfe automatischer Tools erstellt. Wir verpflichten uns, alle Artikel zu überprüfen, aber wir garantieren nicht die völlige Abwesenheit von Ungenauigkeiten in der Übersetzung aufgrund des Programms. Sie können das Original finden, indem Sie auf die ITA-Schaltfläche klicken. Wenn Sie einen Fehler finden, kontaktieren Sie uns bitte.
