Das Paradox des Urheberrechts: Die moderne Kunst ist gefangener als das Mittelalter

Wir leben in einer Zeit, in der alles fotografiert wird. Frühstücke, Sonnenuntergänge, Konzerte, Hunde, Katzen, Nudelteller. Und es ist völlig normal, dass sich auch dieKunst in diesen ständigen Strom von Bildern einreiht. Doch ausgerechnet hier stoßen wir auf die höchste Mauer: das Urheberrecht. Die Situation grenzt ans Groteske. Wenn ich ein mittelalterliches Fresko fotografiere, kann ich es überall zeigen und sogar auf ein T-Shirt drucken. Wenn ich aber mehrere Künstler des 20. Jahrhunderts fotografiere, muss ich ihre Erben um Erlaubnis bitten, eine Steuer zahlen und einen bürokratischen Aufwand betreiben, den nicht einmal das Passamt bewältigen kann. Es spielt keine Rolle, dass sich das Werk in einem öffentlichen Museum befindet, das mit öffentlichen Geldern unterhalten wird: Das Bild bleibt gepanzert. Das Ergebnis: ein Fresko aus dem 14. Jahrhundert ist freier als ein Werk aus dem 20. Ein Paradoxon, das nach Vergeltung schreit. Das Alte ist frei, das Moderne ist im Gefängnis.

Ein eindrucksvolles Beispiel für die Absurditäten des Urheberrechts in derzeitgenössischen Kunst ist Robert Indianas berühmte LOVE-Serie . Im Mai 2018, nur einen Tag vor dem Tod des Künstlers, leitete die Morgan Foundation eine Klage gegen Indianas langjährigen Assistenten Jamie Thomas und den Verleger Michael McKenzie ein und beschuldigte sie der Verleumdung und Verstöße gegen das Urheberrecht und den Visual Artists Rights Act. Der Stiftung zufolge hatten Thomas und McKenzie den Künstler von seiner Familie und seinen Freunden isoliert, um Werke unter seinem Namen ohne seine Zustimmung zu vervielfältigen und zu verkaufen. Doch damit nicht genug der Kontroverse: Ende April desselben Jahres reichte McKenzie eine Gegenklage ein, in der er die Morgan Foundation eines massiven Betrugs bezichtigte. Seiner Ansicht nach waren die Rechte an der LOVE-Serie nie gültig gewesen, da das Werk seit 1964 gemeinfrei war. Die Skulptur, die inzwischen zu einer international anerkannten Ikone geworden ist, war 1965 bekannt geworden, als das Museum of Modern Art ihr Bild für Weihnachtskarten verwendete.

Genau hier zeigt sich das Paradoxon unseres digitalen Zeitalters: nicht zirkulieren zu können bedeutet, nicht zu existieren. Eine Ausstellung ohne gemeinsam nutzbare Fotos ist eine Ausstellung, die am Tag nach ihrer Schließung verschwindet, ein Werk, das nicht online verbreitet werden kann, ist ein kultureller Geist. Für Millionen von Menschen findet die Begegnung mit Kunst heute zuerst auf Instagram oder Google statt. Wenn ein Werk dort nicht zu finden ist, existiert es für sie einfach nicht. Jemand hat das erkannt: Das Rijksmuseum in Amsterdam hat Hunderttausende von ultrahochauflösenden Bildern online zur Verfügung gestellt, und das MET in New York hat dasselbe getan. Die Botschaft ist klar: Je mehr Werke zirkulieren, desto lebendiger sind sie, desto mehr werden sie zum kollektiven Erbe. Andere wiederum verteidigen das Urheberrecht wie eine mittelalterliche Barrikade und geben sich der Illusion hin, dass sie die Kunst schützen, während sie sie in Wirklichkeit unterdrücken.

Sicherlich ist das Urheberrecht sinnvoll, um den Verdienst eines lebenden Künstlers zu schützen oder den Markt für kommerzielle Reproduktionen zu regulieren, aber welchen Sinn macht es, es auf Lehrfotos, Online-Enzyklopädien und populäre Beiträge anzuwenden? Hier geht es nicht um Kommerz, sondern nur um Kultur. Es geht nicht um den Schutz des Geldbeutels, sondern um den Schutz desZugangs zum Wissen.

Hinter diesem Wahnsinn verbirgt sich eine radikalere Frage: Wem gehört dieKunst? Dem Künstler, seinen Erben oder der Gemeinschaft, die sie finanziert, die sie ausstellt, die sie lebt? Können wir wirklich akzeptieren, dass ein Werk, das einmal in einem öffentlichen Museum ausgestellt wurde, ein Gefangener der privaten Rechte bleibt? Sollten wir nicht erwarten, dass es Teil unseres kollektiven Gedächtnisses wird, frei zirkulieren und bekannt werden kann?

Ohne Bilder stirbt die Kunst. DennKunst ist heute Bild. Es geht nicht darum, das physische Museumserlebnis zu entwerten, sondern anzuerkennen, dass das Leben der Kunst nicht in den Sälen endet: Es geht online weiter, in Büchern, in den sozialen Medien, im kollektiven visuellen Gedächtnis.

Aus diesem Grund ist das Urheberrecht für Kunstwerke kein Schutz, sondern Zensur. Es verteidigt nicht den Künstler, sondern macht ihn unsichtbar. Es schützt das Werk nicht, sondern isoliert es. Es stärkt das Erbe nicht, sondern verarmt es. Vielleicht ist es an der Zeit, die Perspektive umzukehren: Nicht die Öffentlichkeit muss um Erlaubnis bitten, das Werk sehen zu dürfen, sondern die privaten Eigentümer müssen begründen, warum sie es verweigern wollen. Denn ein Werk, das nicht verbreitet, nicht gesehen, nicht geteilt wird, hört auf, Kunst zu sein, und wird einfach zu einem Objekt.

Besser ein riskantes geteiltes Werk als ein vergessenes Werk. Besser ein “missbräuchliches” Foto als ein grabenartiges Schweigen. Denn das wahre Gefängnis der Kunst ist nicht die Zeit, nicht die Entwürdigung, nicht der Diebstahl: Es ist dieUnsichtbarkeit. Und wenn wir wirklich wollen, dass die Kunst überlebt, müssen wir uns eine Welt vorstellen, in der sie atmet, sich vervielfältigt und sich selbst neu erfindet, dank derer, die sie beobachten, fotografieren, kommentieren und teilen. Die wahre Stärke der Kunst liegt nicht nur in ihrem Schaffen, sondern in ihrer Fähigkeit, in das Leben der Menschen einzutreten, zu inspirieren, zu lehren und im kollektiven Gedächtnis zu bleiben. Ein Werk, das in einem Schrein eingeschlossen bleibt, ist tot; ein Werk, das zirkuliert, selbst auf die Gefahr hin, falsch interpretiert zu werden, lebt. Und das Leben ist für die Kunst die einzige Form der Freiheit, die wirklich zählt.

Der Autor dieses Artikels: Federica Schneck

Federica Schneck, classe 1996, è curatrice indipendente e social media manager. Dopo aver conseguito la laurea magistrale in storia dell’arte contemporanea presso l’Università di Pisa, ha inoltre conseguito numerosi corsi certificati concentrati sul mercato dell’arte, il marketing e le innovazioni digitali in campo culturale ed artistico. Lavora come curatrice, spaziando dalle gallerie e le collezioni private fino ad arrivare alle fiere d’arte, e la sua carriera si concentra sulla scoperta e la promozione di straordinari artisti emergenti e sulla creazione di esperienze artistiche significative per il pubblico, attraverso la narrazione di storie uniche.

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