Maler, Historiograph, Architekt. Außergewöhnlicher Sammler von Anekdoten. Zuweilen Polemiker. Hofkünstler. Und auch Erfinder der Ikonographie. Letzteres ist vielleicht der am wenigsten bekannte Aspekt von Giorgio Vasari (Arezzo, 1511 - Florenz, 1574): Der Autor der Lebensbeschreibungen, der Architekt der Uffizien, der Maler der großherzoglichen Toskana besaß die außergewöhnliche Fähigkeit, unveröffentlichte Ikonographien auszuarbeiten, und diese Eigenschaft ist kaum zu verstehen, ohne eine Vorstellung davon zu haben, wie Vasari sich die Figur des Künstlers vorstellte. Wenn man ein grundlegendes Element seiner Revolution, die wirkliche Neuheit seiner ästhetischen Theorie, aufzeigen wollte, könnte man es in seinem Bestreben erkennen, eine Bemerkung von Paul Oskar Kristeller zu paraphrasieren, der Malerei das gleiche Prestige wie der Literatur zu verleihen. Für Vasari sollte der Künstler, der bis dahin trotz des Prestiges, das die damalige Gesellschaft den Malern, Bildhauern und Architekten spätestens seit der Mitte des 15. Jahrhunderts zunehmend zuschrieb, kaum mehr als ein Handwerker angesehen wurde, dem Dichter gleichgestellt werden. Die Erfindung neuer Ikonographien, die sich sowohl auf sakrale als auch auf profane Themen beziehen, angefangen bei den komplexen Allegorien, die Vasaris gesamtes Werk durchziehen, muss im Lichte dieser Ambition gelesen werden.
Unter den zahlreichen originellen ikonographischen Erfindungen Vasaris ragt sicherlich dieAllegorie der Geduld heraus, die anlässlich der Ausstellung, die Arezzo seinem großen Künstler anlässlich seines 450-jährigen Todestages gewidmet hat, einer sorgfältigen Untersuchung unterzogen wurde. Die Gelegenheit, sich diesem Thema zu widmen, bot sich ihm, als der Bischof von Arezzo, Bernardetto Minerbetti, sein Freund und Gönner, 1551 im Alter von 40 Jahren ein Gemälde in Auftrag gab, das die Tugend der Geduld auf eine neue Art und Weise darstellen sollte, die auf seine persönlichen Erfahrungen anspielte. Es gab bereits eine Allegorie der Geduld mit einem bekannten ikonografischen Inhalt (Vasari selbst hatte zuvor eine für den Palazzo Corner in Venedig gemalt), aber Minerbetti strebte nach etwas anderem, etwas, das seine Erfahrung als Neffe eines reichen und geizigen Onkels zusammenfasste, der ihn durch die Mangel gedreht hatte, bevor er sein Vermögen erben konnte. Eine kuriose Anekdote also, aus der eine der glücklichsten Erfindungen der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts hervorging. Darüber hinaus wünschte sich der Bischof jedoch ein Gemälde, das, wie Carlo Falciani schrieb, “die Gemütsverfassung wiedergeben sollte, die er seit seiner Jugend beobachtet hatte und die er in seiner Reife zu seinem Emblem erkoren hatte”, die Gemütsverfassung eines Menschen, der fähig war, Schmerzen zu ertragen und Widrigkeiten zu überwinden. Die Bitte des Bischofs implizierte ein Bild, das in der Lage war, das Gefühl eines Menschen sichtbar zu machen, der, obwohl er versucht ist, “zu ertragen und zu erdulden, in der Hoffnung, dass diejenigen, die bitterlich leiden, ihren Plan mit patientia zu Ende bringen”, wie Vasari geschrieben hätte.
Die ikonografische Erfindung, die Vasari für Minerbetti schuf, war das Ergebnis anspruchsvoller Überlegungen und einer bedeutenden intellektuellen Zusammenarbeit: Neben dem Maler aus Arezzo wirkten auch Annibal Caro, Autor des lateinischen Mottos “Diuturna tolerantia”, und, zumindest in beratender Funktion, Michelangelo Buonarroti mit. Das Gemälde wurde 1552 fertiggestellt und zeigt eine halbnackte junge Frau, die der Kälte einer Winterlandschaft ausgesetzt ist und die Arme vor der Brust verschränkt, während sie einen Wassertropfen beobachtet, der aus einer vasenförmigen Uhr fällt, die sich langsam in den Fels gräbt. “Ein großartiges Gemälde”, hat Cristina Acidini es definiert, “in dem die Bedeutung der schönen, prägnanten Frau nicht mehr durch das traditionelle Joch, ein bescheidenes Attribut bäuerlichen Ursprungs, sondern durch eine kostbare Uhr in Form einer Wasservase mit Stabhemmung im Einklang mit den Gesten, der Umgebung und den symbolischen Objekten dargestellt wird”. Der Künstler kehrte mehrmals zu diesem Thema zurück, aber das Original ist auf einer Leinwand zu erkennen, die sich heute in der Sammlung Klesch befindet.
Es handelt sich um ein Bild, das symbolische und naturalistische Elemente miteinander verbindet: DieWasseruhr, Symbol für Langsamkeit und Beständigkeit, ersetzt das bäuerliche Joch, mit dem die Patience in der ikonografischen Tradition im Allgemeinen identifiziert wurde. Die Haltung der Figur, die an die der sittsamen Venus erinnert, und ihre Nacktheit, die nur von einem Gewand bedeckt ist, das jedoch nicht ausreicht, um die Unbilden des Winters zu mildern, deuten auf ein psychisches und physisches Unbehagen hin, das mit Gelassenheit gezügelt wird. Es handelt sich nicht um ein spektakuläres Leiden, sondern um einen stillen Schmerz, der sich in der geschlossenen Geste des Körpers und dem Zittern der dem Frost ausgesetzten Haut zeigt. Die Wahl, das Leiden durch die Selbstbegrenzung auszudrücken, unterscheidet diese Figur von anderen zeitgenössischen allegorischen Darstellungen, die oft narrativer und theatralischer sind.
Der Verweis auf das griechische Pathos (von dem sich die Begriffe “Leidenschaft”, “Leiden” und eben “Geduld” ableiten) wird hier in ein Bild übersetzt, das, obwohl idealisiert, ein Gefühl der inneren Verletzlichkeit vermittelt. Vasaris Figur der Geduld gehört zu dem, was Acidini als “Ikonographie der Figur im Unbehagen” definiert hat, die bedeutende Vorläufer und Parallelen in der Kunst der damaligen Zeit oder früher hat. Dazu gehören Masaccios Neophyt aus der Brancacci-Kapelle aus dem 15. Jahrhundert, AmmannatisAppennino-Gennaio (zehn Jahre später als Pazienza, aber aus demselben kulturellen Milieu stammend) oder Taddeo LandinisInverno (ebenfalls später, aus dem späten 16. Jahrhundert), die alle durch zusammengekauerte Posen gekennzeichnet sind, um sich vor Kälte oder Schmerz zu schützen. Vasari könnte sich auch von zwei berühmten Bildern Michelangelos inspirieren lassen: der Madonna des Jüngsten Gerichts, die ihre Hände im Nacken verschränkt, und der Kapuzenfigur der Kreuzigung des heiligen Petrus in der Paulinerkapelle, die mit verschränkten Armen herabsteigt.
Vasaris Erfindung hatte ein beträchtliches Vermögen und war schon zu seinen Lebzeiten Gegenstand von Repliken und Variationen. Er selbst stellte autographe Versionen davon her, darunter ein kleines Ölgemälde mit einem Durchmesser von nur zehn Zentimetern, das 2017 bei Pandolfini versteigert wurde, mit der Zuschreibung an Maso da San Friano und einem Schätzwert von 10-15 Tausend Euro. Heute gilt das Werk als eine frühe, signierte Variante des Originals, die wahrscheinlich für einen Florentiner Auftraggeber gemalt wurde (vielleicht war es für ein Kabinett bestimmt, oder vielleicht, so die Hypothese von Falciani, wollte jemand die(vielleicht war es für ein Kabinett bestimmt oder, wie Falciani vermutet, wollte jemand die Bestätigung für etwas haben, das damals als eine Erfindung Michelangelos galt). Auf diesem Gemälde sind im Hintergrund erkennbare architektonische Elemente der Stadt Florenz zu sehen, wie die Kuppel von Brunelleschi, der Glockenturm von Santa Maria del Fiore und der Turm des Palazzo Vecchio. Allerdings fehlen der lateinische Wahlspruch und die Kette am linken Knöchel der Figur, die Vasari in einer vorbereitenden Zeichnung vorgesehen hatte, aber in der endgültigen Fassung für Minerbetti entfernte. Die Entscheidung, die Kette zu entfernen, entsprach wahrscheinlich einer semantischen Absicht: Die Geduld ist, obwohl sie in der Zeit festgehalten wird, keine Sklavin, sondern frei in ihrer Entscheidung, zu warten.
Es mangelt also nicht an thematischer Kontamination. Ebenfalls von Vasari stammt eine Allegorie der Geduld, die sich im Besitz der Uffizien befindet und in der Vergangenheit mit dem Bild der Artemisia, der Königin von Karien, verwechselt wurde, die berühmt dafür ist, die Asche ihres Mannes getrunken zu haben: Erst die Überprüfung ikonografischer und dokumentarischer Quellen hat es ermöglicht, die richtige Identifizierung wiederherzustellen. Sogar in der kleinen Tafel, die einst Francesco Salviati zugeschrieben wurde, erkennt man heute eine Ableitung von Vasaris Modell, obwohl die Figur im Profil und in einer nachdenklichen Haltung dargestellt ist, die eher an die Musa Polyhymnia der antiken Sarkophage erinnert als an die sittsame Venus, die das Original inspirierte.
Der Erfolg des Bildes von Vasari geht weit über die florentinische Sphäre hinaus. Ein bemerkenswertes Beispiel ist der Hof von Ferrara, wo die Pazienza von Herzog Ercole II. d’Este als persönliches Schmuckstück angenommen wurde. Ein Medaillon aus dieser Zeit, das von Pompeo Leoni entworfen wurde, zeigt eine weibliche Figur mit verschränkten Armen und leichtem Gewand, die an den Felsen gekettet ist, neben einem Krug, aus dem unter einer Armillarsphäre Wasser tropft. Die Inschrift lautet “superanda omnis fortuna”, ein Virgil-Zitat, das die Macht der Tugend bei der Überwindung von Widrigkeiten betont. Vasaris Umsetzung wurde also an die politischen und kulturellen Werte des ferraresischen Hofes angepasst. Das Ergebnis waren bildliche Darstellungen, wie die von Camillo und Sebastiano Filippi für die Camera della Pazienza in der Galleria Estense in Modena, und sogar Varianten auf Medaillen und Kunstgegenständen.
Die Geschichte der Verbreitung der Allegorie der Geduld ist auch die Geschichte ihrer Zuschreibungen. So gibt es zum Beispiel eine berühmte Version, die ebenfalls in der Familie Este hergestellt wurde (wegen der Armillarsphäre und des Mottos “Superanda omnis fortuna”, die, wie wir gesehen haben, das Medaillon kennzeichnen). Das Medaillon des Herkules II.), , das heute im Palazzo Pitti aufbewahrt wird, wurde in der Vergangenheit fälschlicherweise Parmigianino, Francesco Salviati, Giuseppe Porta und sogar Vasari selbst zugeschrieben, bevor die Entdeckung des Gemäldes, das sich heute in der Sammlung Klesch befindet, die Debatte um dieses Werk neu entfachte. Moderne Studien, die sich auf dokumentarische und stilistische Befunde stützen, hatten jedoch bereits die Urheberschaft der Erfindung auf Vasari zurückgeführt und darauf hingewiesen, dass er sich bei einigen Ausführungen der Mitarbeiter bediente und dass nicht alle Bildvarianten von ihm persönlich gemalt wurden. Anna Bisceglia zufolge kann die Version im Palazzo Pitti, auf der auch die Kette zu sehen ist, mit der das Mädchen an den Felsen gefesselt ist, dem Ferrareser Kreis der Familie Filippi und insbesondere Sebastiano Filippi, genannt Bastianino, zugeschrieben werden, und zwar aufgrund des plastischen Aufbaus der Figur und der besonderen Gliederung der Draperie (’Der Stil des Werks“, schreibt Bisceglia, ”zeichnet sich durch eine überschwängliche Weichheit aus, die es in die Reihe der Ferrareser stellt, deren erstes Beispiel das von Camillo und Sebastiano Filippi für die Camera della Pazienza im Auftrag von Herkules II. ausgeführte Werk ist, das heute in der Galleria Estense in Modena aufbewahrt wird"). Es handelt sich im Übrigen um ein Werk, das dem in der Galleria Estense aufbewahrten sehr ähnlich ist.
Eine der interessantesten und komplexesten Ableitungen von Vasaris Ikonographie ist ein Tafelbild von Giovanni Maria Butteri aus den 1660er Jahren, das kürzlich bei Koller versteigert wurde, wo es 2022 für die Summe von 171.000 Schweizer Franken (ca. 180.000 Euro) verkauft wurde. In Butteris Gemälde behält die Figur der Patience die ursprüngliche vasarianische Pose bei, die in geduldigem Warten an den Felsen gekettet ist, ist aber von völlig anderen Attributen umgeben, die die allegorische Bedeutung verstärken. Die Zeit wird nicht mehr durch die Wasseruhr dargestellt, sondern durch ein Sternmedaillon mit einem Uroborus, der sich in den Schwanz beißenden Schlange, Symbol der Ewigkeit und der Kreisförmigkeit der Zeit. In der Mitte erscheint Kronos-Saturn, der gerade einen seiner Söhne verschlingt, ein Bild, das traditionell an Zerstörung erinnert, in diesem Kontext aber einen positiven Wert annimmt und auf die Rückkehr des Goldenen Zeitalters anspielt. Hinter der Figur erhebt sich der Wagen Apollos, der die Pferde antreibt und so die Wiedergeburt des Tages und die Hoffnung symbolisiert. Dieses Element, so Carlo Falciani, steht in Verbindung mit dem Zweig, der aus dem abgeschnittenen, von der Frau gestützten Stamm sprießt, wahrscheinlich ein Verweis auf den Medici-Bronzon, das Emblem der Wiedergeburt, das Lorenzo der Prächtige nach dem Tod seines Bruders Giuliano in der Pazzi-Verschwörung von 1478 annahm. Der Spross mit Blättern, bei denen es sich eher um Oliven- als um Lorbeerblätter handeln könnte, erinnert an das laurentianische Motto “Le temps revient” und an Vergils prophetische vierte Egloga, die die Rückkehr eines neuen goldenen Zeitalters ankündigt. Die symbolische Komplexität des Werks wird durch das Vorhandensein eines Skorpions in der linken unteren Ecke vervollständigt, der ein Symbol für Täuschung oder Betrug sein könnte und der in Verbindung mit der Kette auf die Geduld anspielen könnte, die erforderlich ist, um die Hindernisse zu überwinden, die den Menschen binden können. Die Datierung des Werks in die 1860er Jahre, also in die Lebenszeit von Francesco I. de’ Medici, deutet auf einen möglichen Zusammenhang mit dynastischen Ereignissen hin.
Butteris Werk ist jedoch ein beredtes Beispiel dafür, wie Vasaris Erfindung zu einem offenen Modell wurde, das in der Lage war, neue Bedeutungen aufzunehmen und sich an spezifische politische und dynastische Kontexte anzupassen. Die Freiheit, mit der der florentinische Künstler symbolische Elemente kombinierte, die noch nicht kodifiziert waren, zeigt, dass dieAllegorie der Geduld “den florentinischen Künstlern der Jahrhundertmitte”, so Falciani, “die Möglichkeit aufzeigte, neue Allegorien frei von der antiken Tradition zu schaffen”.
Der Erfolg derAllegorie derGeduld zeugt noch heute von der Reife, die Vasari nach seinen Reisen auf der Halbinsel, seinen Erfahrungen in Venedig und seiner Vertrautheit mit den antiken Quellen und seinen Zeitgenossen erreicht hatte. Der Künstler konnte nun mit den größten Geistern seiner Zeit konkurrieren und künstlerische Erfindungen schaffen, die dazu bestimmt waren, geografische und zeitliche Grenzen zu überschreiten und Generationen von Künstlern in ganz Europa zu beeinflussen.
DieAllegorie der Geduld war also nicht nur eine Stilübung, sondern eine Art konzeptionelle Konstruktion, in der Giorgio Vasari moralische Spannung, ikonografische Erfindung und formale Sprache zu verdichten verstand. Es war auch ein bedeutendes Beispiel für seine Fähigkeit, auf eine Kundschaft mit maßgeschneiderten und raffinierten Lösungen zu reagieren, im Dialog mit dem antiken Erbe und dem zeitgenössischen künstlerischen Denken. In der Verbindung von Inhalt und Form repräsentiert diese Figur nicht nur eine Tugend, sondern eine ganze existenzielle Haltung.
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