Wenn zeitgenössisches Mosaik eine Hymne an das Leben ist. Die Kunst von Enzo Tinarelli

Um Enzo Tinarellis Mosaike zu sehen, muss man seine Malerei sehen; um seine Malerei zu sehen, muss man sich inmitten seiner Mosaike verlieren; um die Seele seiner Kunst zu begreifen, kann es nützlich sein, einen Beitrag wieder aufzugreifen, den Valerio Rivosecchi, heute Inhaber des Lehrstuhls für Geschichte der zeitgenössischen Kunst an der Akademie der Schönen Künste in Rom, Anfang der 2000er Jahre über die Malerei geschrieben hatte, die Tinarelli in jenen Jahren geschaffen hatte: eine Malerei, die sich dem Auge des Betrachters “in einem attraktiven und dekorativen Gewand präsentiert, das aus eleganten räumlichen Gleichgewichten, üppigen chromatischen Vereinbarungen, Voluten und musikalischen Dissonanzen besteht”. Auf den ersten Blick könnten sogar einige von Tinarellis Mosaiken, vor allem jene, die in dieser Periode entstanden sind (aber die gleiche Argumentation lässt sich auch auf seine frühen Werke ausdehnen), als eine Art chromatischer Wirbelwind erscheinen, eine Partitur im Schonberg’schen Sinne, eine Explosion von Linien, Flächen, Fragmenten, Farben, Nuancen, Übersetzungen einer Idee des freien Zufalls, die Tinarelli seit den Anfängen seiner Forschung immer bekräftigt hat: Kunst, so sagt er mir, ist für ihn im Wesentlichen Sabotage, die Bejahung eines Prinzips der Freiheit. Eine Annahme, die während seiner gesamten Karriere, die in den späten 1970er Jahren begann, stabil geblieben ist (die kürzlich von Giovanna Riu in Carrara in den Räumen des Palazzo Binelli kuratierte Ausstellung mit dem Titel Assolo per mosaico. Opere 1979-2024), die in der Lage ist, ständig zwischen Malerei, Mosaik und Zeichnung zu wechseln, und die als drei autonome Momente einer einzigen Forschung betrachtet werden kann. Eine im Wesentlichen gestische Forschung (und das ist sie im Laufe der Jahre geblieben), eine Forschung, die ihre Wurzeln in einem präzisen kulturellen Temperament findet, in jenen Jahrzehnten, in denen die italienische Kunst, nachdem sie die extremen Gipfel des Experimentierens mit Zeichen und Material gesucht hatte, versuchte, weiterhin eine Synthese mit der Tradition zu betreiben. Tinarellis Kunst entstand aus der informellen Kunst, die sich in den Jahren vor seiner Ausbildung in der Poebene verbreitet hatte: seine Referenzen und idealen Meister waren, um nur einige zu nennen, Mattia Moreni und Germano Sartelli, Künstler, die das Interesse an der Materie teilten, die er als ein Ausdrucksmittel betrachtete, das mit physischer, viszeraler und gestischer Spannung aufgeladen war, und die mit einer radikalen Haltung und einer starken kreativen Autonomie einherging. Sein materieller Lehrmeister war Sergio Cicognani, der mit Severini, Mathieu und Kokoschka zusammengearbeitet hatte, ein Künstler von Beruf, ein “Mosaikmaler”, wie er oft genannt wurde, der es nicht versäumen konnte, seinen Schüler in die Geheimnisse des Mosaiks einzuweihen (und für Cicognani ist es nützlich, daran zu erinnern, dass ein guter Mosaizist auch ein guter Maler sein muss). In Tinarellis Kunst spürt man jedoch von Anfang an den präzisen Wunsch, die modernsten Experimente mit einem antiken Hintergrund zu verbinden, den er selbst, ein gebürtiger Ravennaer, im byzantinischen Mosaik fand. Und das ist nicht nur eine Frage der Technik: Zu keinem Zeitpunkt seiner Karriere hat sich das Mosaik als Übersetzung der Malerei verstanden (wie es bei so vielen anderen Künstlern der Fall war). Tinarelli bekräftigt mit Nachdruck die Autonomie des Mosaiks, Tinarelli bekräftigt mit lauter Stimme die Wiedererkennbarkeit des Mosaiks, Tinarelli bekräftigt die Stärke des Mosaiks, die für ihn nicht nur eine Frage der Farbe ist, sondern auch die Schwere der Arbeit, die Schwere des Materials (obwohl er oft bewiesen hat, dass er in der Lage ist, es fast bis zum Punkt zu erleichtern).(obwohl er sich oft als fähig erwiesen hat, es bis zum Paradox zu erleichtern), die Schwere einer direkten Technik, die die Idee des Mosaiks in Ravenna in den alten Jahrhunderten widerspiegelt, wo Mosaike oft eine praktische, alltägliche Funktion hatten (sie waren Sockel für Altäre, Tische, Fußböden), aber sie hatten auch eine kontemplative Funktion, die in der dritten Dimension verstärkt wurde. Das Licht beherrscht das Mosaik und verwandelt es, denn das Mosaik besteht aus Zeichen, aus Materie, aus Erfindung, aus Diskontinuität, aus Klangfarben. Mosaik ist Licht, das fest wird.

Dass diese Idee dem Werk Tinarellis zugrunde liegt, ist ohnehin seit langem klar: Enrico Crispolti, der mehrere Texte für Tinarelli verfasst hat, konnte bereits 1989 ohne Umschweife erklären, dass der Künstler aus der Romagna “das Mosaik als Gesamtmedium praktiziert, nicht als Ort für die Übertragung von anderswo erarbeiteten Bildern, sondern als besonderen materiellen Anlass. Dies ermöglicht eine Konstitution ikono-formaler Evidenz, die eng mit der Vielfalt der materiellen Aggregation korreliert, sei es in Bezug auf die Dicke der Mosaiksteine oder in Bezug auf ihre chromatische Vielfalt”. Und dann fügte er schon damals hinzu, dass Tinarelli “einer der seltenen Akteure im Mosaik ist, sogar im Mosaik, in aktueller Weise, d.h. er erprobt die sprachlichen Möglichkeiten, die mit einer sicherlich besonderen Materialphänomenologie und einer Technik verbunden sind, die sowohl alt ist als auch durch neue kommunikative Instanzen in Frage gestellt wird”. Und so ist er bis heute geblieben: Ein seltener Künstler, auch wenn der Begriff “Mosaik” heute nicht selten im weitesten Sinne verwendet wird (was wir auf Computern sehen, ist ein Mosaik, das Pixel ist das Plättchen, “Mosaik” ist ein einfaches Synonym für eine mehr oder weniger formlose Mischung geworden, manchmal eine Strategie, aber wir sprechen immer von Vorwänden, von Unfällen). Ein Künstler, der genau weiß, was für ihn ein Mosaik ist: ein Fragment, das mit einer Idee von Einheit versehen ist. Und so gehört Enzo Tinarelli heute zu den wenigen Künstlern, die in der Lage sind, und das vielleicht nicht nur in Italien, Poesie auszudrücken, autonome Kunst durch Mosaik auszudrücken.

Schon in seinen ersten Werken, die sich von einer eher experimentellen Phase lösen (eine Phase, die in den Werken der späten siebziger und achtziger Jahre, Compositions , deutlich wird, in denen der 18-jährige Künstler zwar eine frühe Konfrontation mit dem Medium sucht, aber bereits eine vollständige Beherrschung des Materials offenbart), zeigt sich eine energische gestische Ausdruckskraft voller Vitalismus, die fast instinktiv wirkt: Werke wie Scorre a fiotti il terrore menaccioso (1984) und Matrice anamorfica (1985) zeigen mehr als andere den Wunsch Tinarellis, alle Möglichkeiten eines Mosaiks zu erforschen, das nicht nur in chromatischen Wirbeln zu explodieren scheint, sondern sogar die Oberfläche aushöhlt, indem es Klumpen, Vertiefungen, Erhebungen, Absenkungen und Vorsprünge schafft. Mosaik ist, wie wir wissen, eine Oberflächenarbeit. Im Mosaik gibt es keine Perspektive (tatsächlich verweigert das Mosaik die Perspektive). Es ist eine “Haut”, würde Tinarelli sagen: aber es ist eine Haut, die er versucht, mit Fleisch zu füllen. Und so sucht der Künstler auf jede Weise nach Tiefe. Indem er mit der Unregelmäßigkeit der Oberfläche arbeitet, oder, wie Tinarelli es von Anfang an getan hat, indem er in seinen Werken mit mehr oder weniger forcierten Anamorphosetechniken experimentiert, indem er mit Seitenblicken arbeitet. In den Werken der 1980er Jahre gibt es ein unbändiges, feuriges, intensives Zeichen, das hervorschießt, das herausspringt, das mit einer glühenden Ausdruckskraft ausgestattet ist, es ist Leben, das zu einer Geste wird und über die Oberfläche des Mosaiks fließt.

Leben, könnte man sagen, im wahrsten Sinne des Wortes, denn einer seiner Forschungsstränge, vor allem zwischen den späten 1980er und den 1990er Jahren, beschäftigt sich seit langem mit dem Prinzip der Existenz: Zellen, DNA-Stränge, Chromosomen, die sich unweigerlich in der Tessera verdoppeln, die wiederum Zelle, Primordium, Quelle, einheitliches Element ist. Eine Untersuchung, die darauf abzielt, die Strukturen, die Verbindungen, die Netzwerke zu ergründen, die unsere Existenz als lebende Organismen bestimmen. Die Ursprünge dieser Idee, so Rivosecchi weiter, sind in der byzantinischen Kunst zu finden: Das mystische Kreuz von St. Apollinare in Classe ist keine Darstellung, kein Hinweis, sondern vielmehr eine direkte Vision der Idee Christi, es ist So wie die Chromosomen und DNA-Stränge von Tinarelli keine Darstellung unseres biologischen Lebens sind, sondern eine Vision der Wissenschaft “mit ihren magischen Instrumenten”, schreibt Rivosecchi, “und inzwischen sicherlich einflussreicher in unserer Vorstellung als alle Symbole der alten Religionen”.

Es war daher nur natürlich, dass diese Erkundung der biologischen Ursprünge unserer Existenz über die wissenschaftlichen Bezüge hinausging, die die Produktion der 1990er Jahre kennzeichneten: waren die Werke damals in den zellulären Sequenzen und allgemein in allen Symbolen der unsichtbaren Organisation des menschlichen Lebens selbst verankert, so hat die Poesie von Enzo Tinarelli seit den 2000er Jahren diese Sprache in eine breitere visuelle Textur verwandelt, in der das strukturelle Element zur Evokation wird, zu einem Weg, zu einer Erinnerung in Bewegung. Das Mosaik ist, wie gesagt, für Tinarelli immer ein Fragment, wenn auch mit einer eigenen Einheit: In den letzten Jahren ist diese Konsistenz noch deutlicher geworden, jedes seiner Mosaike scheint wie ein Stück Unendlichkeit, das von den Wegen unserer Existenz durchkreuzt wird. Nicht selten stößt man in seinen jüngsten Mosaiken auf das, was er als “genetische Spuren” bezeichnet, deren Vorläufer sich in seiner früheren Produktion wiederfinden: es sind Linien, Fäden, parallele Fragmente, die die Oberfläche des Werks durchziehen, wie innere Spuren unseres Lebens. Sie sind also weder starr noch geometrisch, aber auch nicht instinktiv und ungeordnet: sie fließen frei, als würden sie emotionale Partituren zeichnen, sie sind Akzente, die eine Art Spannung zwischen Ordnung und Unordnung, zwischen Planung und Instinkt manifestieren, als würde das Mosaik zu einem Versuch, eine Lebenserfahrung in eine wesentliche Sprache zu übersetzen. Einer der besten und berührendsten Beweise für diesen Strang ist Se trouver dans la foule (2003), ein Teppich aus polychromen Murmeln, in dem die Spuren auf das Leben des Künstlers und seiner drei Kinder anspielen, die zusammenlaufen, sich wieder vereinen und dann wieder verschwinden, weil, so Tinarelli, das Leben selbst so funktioniert.

Das Motiv der Landebahn (und damit das nie endende Interesse an Biologie und Genetik) kehrt auch in den jüngsten Werken wieder(Isole, Slittamenti, Sospensioni, die zur Produktion der letzten Jahre gehören), oft sogar im Titel(Piste funambule). Die Kraft der Farbe, die seine früheren Werke durchdrungen hat, ist hier etwas abgeschwächt; oft kreuzen die Linien seiner Kompositionen Seiten aus weißem Marmor, aber Tinarelli bleibt ein reiner Kolorist im klassischen Sinne des Wortes, ein Künstler, der, wie Baudelaire gesagt hätte, Formen durch den “harmonischen Kontrast farbiger Massen” definiert und seine epische Poesie mit der Kraft und gleichzeitig mit der Zartheit seiner eleganten chromatischen Texturen ausdrückt. Die jüngsten Werke, die in den letzten zehn Jahren entstanden sind, gehen von abstrakten Ideen aus, auf die Elemente aufgepfropft werden, die sich auf etwas Konkretes beziehen (Pfeile, Flammen, Türen, Durchgänge, Kreuzungen, Flüsse, Brücken, Haken...), mit der Idee, von einem durch den Titel suggerierten Bezugspunkt auszugehen, um das Thema an einen anderen Ort zu bringen. Die Existenz verläuft nämlich nicht in geraden Bahnen, sondern ist ein Weg, der aus Umwegen, Umkehrungen und unerwarteten Enthüllungen besteht: diese Bahnen sind das Thema der jüngsten Arbeiten des Künstlers aus Ravenna. In seinem Werk ist eine subtile zeitliche Oszillation zu erkennen, der Wunsch, über die Linearität der Chronologie hinauszugehen, um zu einer tieferen Vision der Zeit zu gelangen, als ob er sagen wollte, dass die Zeit ein Gewebe und keine Abfolge ist. Darüber hinaus ist es gerade das Medium des Mosaiks, das diese Möglichkeit aktiviert. Eine Kunst des Zusammensetzens und Wiederzusammensetzens, ein freier, freudiger, ernsthafter, solider und gleichzeitig oft ironischer poetischer Akt.

Es gibt auch eine eher spielerische Komponente in Tinarellis Produktion, die der Künstler als eine Form des Divertissements betrachtet. Ein Beispiel dafür ist die 2010 begonnene Serie Sui modi di dire cuore (Über die Art und Weise, das Herz zu sagen), eine Untersuchung der Form des Herzens als emotionaler Archetyp, die zu einer unbeschwerten und gleichzeitig beunruhigenden Reflexion über unsere tägliche Affektivität wird (die Mosaike, die ironischerweise Sprüche und Sprichwörter wiedergeben, die mit dem Herzen zu tun haben, werden alle von poetischen Texten begleitet, die von Freunden, Künstlern und Kritikern geschrieben wurden, deren Wege sich mit denen von Tinarelli gekreuzt haben). Oder die Serie der überschwemmten Bücher aus dem Jahr 2003, ein kleiner Kern von Werken, die aus einem tragischen Ereignis resultieren, nämlich der Überschwemmung, die Carrara in jenem Jahr heimsuchte und das Atelier des Künstlers überschwemmte, wodurch er viele kostbare Bücher verlor (und kostbar im wahrsten Sinne des Wortes: wegen ihres Inhalts und ihres Preises), darunter die beliebten Kataloge über die Mosaiken von Ravenna oder die Bände über die Geschichte der Mosaiken: Tinarelli hat diesen Büchern durch das Mosaik neues Leben eingehaucht, indem er sie in Elemente von Kunstwerken verwandelt hat, die in der Lage sind, diesen Verlust ohne jedes Gefühl des Bedauerns wiederzugeben, mit der Idee, dass auch ein Gegenstand, der nicht mehr die Funktion hat, für die er gedacht war, neue, sinnvolle Bedeutungen annehmen kann.

Tinarellis Werke sind im Grunde genommen Hymnen an das Leben. Das waren sie in den 1980er Jahren, das waren sie während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn, und das sind sie immer noch, auch wenn sie eine eher spielerische und verspielte Form annehmen. Und die jüngsten Werke übersetzen die Bildsprache des Künstlers in poetische Formen, die sich auf die conditio humana als eine Reise beziehen, die aus Fragmenten von Erfahrungen besteht, die sich im Laufe der Zeit schichten, trennen und immer wieder neu zusammensetzen. Es handelt sich nicht um Darstellungen des Lebens, sondern um Visionen. Visionen eines Künstlers, der in das Mosaik verliebt ist, der sich dem Mosaik verschrieben hat. Visionen, in denen zudem Materie und Idee in völliger Symbiose leben: Selbst in den Titeln finden sich Hinweise auf die Mosaikpraxis, und es gibt sogar einen Fall eines lautmalerischen Titels, der sich auf das Handwerk des Mosaizisten bezieht(Rito rde pick tack von 1988). Visionen, in denen man nicht selten die Antike und die Gegenwart im Dialog sieht, manchmal sogar auf direkte Weise, wie 2017, als seine Tovaglia romagnola in der Krypta der Basilika San Francesco in Ravenna für die diesjährige Biennale del Mosaico aufgestellt wurde. Poetische Visionen, im Grunde genommen. Es scheint fast so, als wolle Enzo Tinarelli durch Fragmentierung und Harmonie, durch eine gestische und kontrollierte Abstraktion, durch ein Zeichen, das die Oberfläche zum Leben erweckt, andeuten, dass alle Existenz in der Begegnung zwischen Chaos und Ordnung, zwischen Logik und Irrationalität, zwischen Vergangenheit und Gegenwart konstruiert ist.

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