Das Kunstsystem tötet die Qualität: Sünder werden nicht ohne Kritik geboren": Luca Rossi spricht

In der heutigen zeitgenössischen Kunstwelt, insbesondere in der italienischen, in der der Konsens oft das Urteil ersetzt und der Ruf an die Stelle des Wertes getreten ist, bewegt sich die Figur von Luca Rossi, einem seit 2009 aktiven Kunstkollektiv, weiterhin wie ein Fremdkörper und ist im Laufe der Zeit zu einem kritischen Werkzeug geworden, das darauf abzielt, alle Rollen im Kunstsystem zu durchqueren und herauszufordern: Künstler, Kurator, Kritiker, Zuschauer. Eine notwendige Strategie, so Luca Rossi, um in einem geschlossenen, selbstreferentiellen und zunehmend konfrontationsunwilligen Kontext unabhängig zu bleiben. Seine Praxis entspringt der Kritik, die er nicht als akademische Übung, sondern als operatives Werkzeug versteht, als “Pinsel”, mit dem er in ein System eingreift, das nicht in der Lage ist, Qualität, Unterschiede und Verantwortung zu unterscheiden. In diesem Interview mit Camilla Fumo möchte Luca Rossi die Brüche deutlich machen, die die Gegenwart durchziehen: eine anachronistische Ausbildung, eine immer stärker verwaltete kuratorische Macht, eine auf institutionelles Dekor reduzierte Kunst, eine integrative Rhetorik, die oft das Fehlen von Inhalten verschleiert. Im Zentrum steht jedoch immer wieder dasselbe Problem: das Fehlen einer Kritik, die in der Lage ist, zu orientieren, auszuwählen und Werte zu schaffen. Ohne Instrumente zur Differenzierung verflacht die Kunst, die Besten fallen weg und das System unterstützt weiterhin seine eigenen Fehler. All dies wird in einem Interview erörtert, das weder beruhigende Lösungen noch Abkürzungen anbietet, sondern einen Haltungswechsel vorschlägt: die Wiedererlangung einer kritischen Vision als prägender, ethischer und politischer Akt, der in der Lage ist, der Kunst ihr Potenzial an Risiko, Komplexität und Fantasie zurückzugeben.

CF. Wie würden Sie Menschen, die Sie nicht kennen, das Luca Rossi-Projekt und den Documenta-Blog erklären?

LR. Luca Rossi wurde vor 16 Jahren als eine fiktive Figur geboren, in der alle Rollen des Kunstsystems zusammenlaufen. Der Grund dafür war, dass der Mangel an kritischer Konfrontation in der Kunstwelt und das Vorhandensein einer geschlossenen Umgebung, die Probleme für die Kunst und die Künstler schuf, schon damals offensichtlich waren. Um unabhängig zu sein, war es notwendig, alle Rollen zu spielen. Luca Rossi ist der Kritiker, der Künstler, der Kurator und auch der Betrachter. Das erste Werkzeug, das wir benutzten, waren Kommentare auf Exibart, wie ein Zuschauer, der einen Artikel kritisiert; ein einfaches Werkzeug, das für jeden zugänglich ist. Die Kritik wurde zum ’Pinsel’ von Luca Rossi. Anfangs dachten viele, der künstlerische Aspekt von Luca Rossi seien die Kommentare, doch im Laufe der Jahre entwickelten sich unabhängige Kunstprojekte wie Werke und ortsspezifische Projekte, sowohl in Italien als auch im Ausland.

Kann man sagen, dass Luca Rossi zunächst als Kritiker begann und dann eine aktivere Rolle einnahm?

Ich würde sagen, ja. Meiner Meinung nach kann man heute, wie auch in der Vergangenheit, nicht Teil des Kunstsystems sein (Künstler, Kuratoren usw.), ohne eine kritische Vision zu haben, denn wenn man sich mit zeitgenössischer Kunst ohne eine kritische Vision beschäftigt, läuft man Gefahr, in eine “Inneneinrichtung” abzugleiten, die ich als “weiterentwickeltes IKEA” bezeichne, mit einem prätentiösen Design, das Chancen verpasst. Kritik ist für alle Rollen in diesem System grundlegend.

Sie haben oft eine sehr kritische Meinung zu großen Institutionen und Messen, weil die Qualität hinter anderen Aspekten zurücksteht, wie z. B. dem Ruf der anwesenden Künstler. Trotz Ihrer Meinung hat Luca Rossi an einigen dieser Veranstaltungen teilgenommen. Wie würden Sie Ihre Teilnahme rechtfertigen? Könnte es ein Weg sein, von innen heraus zu rebellieren und diese Räume zurückzuerobern?

Ja, meiner Meinung nach muss man das System nicht zerstören, sondern es von innen heraus verändern. Die Herausforderung besteht darin, innerhalb des Systems zu arbeiten, und zwar auf eine kritische Art und Weise, indem man sogar an Messen teilnimmt, aber die Art und Weise, wie man teilnimmt, verändert. Ich habe zum Beispiel eine Galerie mit genau diesem Ziel gegründet. Es ist dumm, das System zerstören zu wollen, denn dann würde zwangsläufig ein anderes folgen. Man muss auf eine andere Art und Weise dabei sein, und wenn sie es nicht zulassen, muss man die Dinge außerhalb auf eine andere Art und Weise organisieren, wie ich es jetzt mit zwei Projekten in Rom und Turin versuche. Ich glaube, es gibt ’Autobahnen’, die niemand nimmt, weil das System blockiert ist, die Künstler Angst haben und alle Rollen verkümmert sind.

Wie wurde Ihre Anwesenheit bei den Veranstaltungen, an denen Sie teilgenommen haben (z. B. Biennale), in Anbetracht Ihrer Position aufgenommen?

Wenn man mich in der Realität trifft, stimme ich immer mit Luca Rossi überein. Ich habe noch nie jemanden gefunden, der strikt dagegen war, denn diese Themen sind für alle sichtbar. Die Kritik an der Kunstwelt ist auch zu einfach, es ist wichtig, eine Alternative zu haben. Luca Rossi hat in den letzten Jahren eine andere Art des Denkens über das Museum, die Galerie, den Künstler definiert. Natürlich ist das noch ein Tropfen auf den heißen Stein, aber es gibt viele Leute, die genauso denken. Im Allgemeinen fühle ich mich daher immer gut, wenn ich in das System eingeladen werde und die Leute zustimmen. Ich leide unter einer Art Ächtung durch viele Menschen, die mich nicht einladen und mich heimlich behindern. Ich könnte viel effektiver und schneller sein, wenn ich nicht unter einer Art Ausgrenzung durch Luca Rossi leiden würde. Das ist der hässlichste Aspekt, weil es sich wie ein Regime anfühlt.

Wenn Sie sich den Künstler und das Museum der Zukunft vorstellen müssten, um das System neu zu gestalten, wo würden Sie ansetzen? Was ist das größte Hindernis in der Kunstwelt?

Im Grunde genommen rühren alle Probleme von der falschen oder improvisierten Ausbildung der Künstler und Kuratoren her. Viele Insider haben einen improvisierten Hintergrund. An den italienischen und internationalen Akademien und Schulen gibt es anachronistische, altmodische Lehrpläne, so dass selbst die besten Meister der bildenden Künste den Künstlern nichts mehr garantieren können. Paradoxerweise haben Kuratoren, die Manager sind, fast mehr Möglichkeiten. Es bringt mich immer zum Lachen, wenn es für ein Projekt viele Kuratoren gibt und anderthalb Jahre lang nur über sie gesprochen wird. Die Künstler sind völlig nebensächlich. Irgendwann müssen sie (die Institutionen) dann die Künstler bekannt geben, und das sind dann die üblichen 100, 200, 300, die sich ähneln. Letztendlich ist das Wichtigste, die Ausbildung neu zu überdenken, und deshalb habe ich eine Online-Akademie für Künstler und Kuratoren.

Sie haben die Antwort auf meine nächste Frage vorweggenommen: Glauben Sie, dass Universitäten immer noch wichtig für die Kunstausbildung sind?

Es gibt zwei Aspekte. Zum einen ist die Ausbildung von Künstlern anachronistisch, sehr akademisch, didaktisch, an das letzte Jahrhundert gebunden, also eine Art von Kunst, die harmlos sein muss, kaum mehr als dekorativ. Dann gibt es eine ganze Reihe von Managern, d. h. Kuratoren und Museumsdirektoren, die die Kunst als Hilfsmittel einsetzen. Nehmen wir an, Sie müssen das LUMA in Arles kuratieren: Sie müssen die Zutaten finden, um den Raum modern und zeitgenössisch erscheinen zu lassen. Man muss die Künstler einladen, die Ausstellungen organisieren, aber bei all dem ist die Kunst zweitrangig. Sie wird zu einer Art Dekoration, deren Aufgabe es ist, die Modernität eines Gebiets zu demonstrieren. Die begehrteste Rolle ist vielleicht die der Verwalter dieser Realitäten und nicht die der Künstler. Luca Rossi lehnt sich gegen diese Tendenz auf, und in der Tat entstehen viele meiner Projekte als Zuschauer. Ich gehe in ein Museum und mache alles: den Künstler, den Kurator, den Verwalter, den Zuschauer; es ist der Künstler, der sich gegen diese erdrückende Situation auflehnt, in der das Kunstwerk und der Künstler an den Rand gedrängt werden.

Ihr Standpunkt scheint mir sehr klar zu sein. Auf der einen Seite gibt es die sehr starke und aufdringliche Präsenz der Kuratoren, auf der anderen Seite die Notwendigkeit, Arbeitsmöglichkeiten zu finden. Wie ist es angesichts Ihrer Erfahrung möglich, Geld zu verdienen, ohne die künstlerische Integrität zu opfern, insbesondere zu Beginn Ihrer Karriere?

Lassen Sie mich Ihnen ein konkretes Beispiel geben, um mich besser zu erklären. Stellen Sie sich vor, beim Tennis gäbe es keine Punkte oder eine Möglichkeit, zu messen, wer das Spiel gewinnt. Wenn es keine Punkte gäbe, hätten wir nie Tennisspieler wie Sinner und Alcaraz gesehen, weil wir im Grunde nicht wüssten, wer besser ist als wer. Was in der Kunstwelt fehlt, ist die Fähigkeit zu differenzieren, es fehlt der kritische Sinn, der auch den Künstlern selbst helfen würde, sich zu verbessern. Wenn es Werteskalen gäbe, würden die Künstler ermutigt, ihre Arbeit weiterzuentwickeln. Der Mehrwert würde auch von einer Gemeinschaft von Sammlern und Zuschauern anerkannt werden, und die Künstler könnten von ihrer Arbeit leben. Das völlige Fehlen von Kritik macht alles flach, tötet Unterschiede. Nach so vielen Jahren wenden sich die besten Künstler anderen Dingen zu, weil sie nicht hervortreten können, weil es kein System gibt, das Unterschiede macht. Jemand wie Sinner hätte nicht existieren können, wenn es keine Wertung gäbe, er hätte wahrscheinlich etwas anderes gemacht. Das Kunstsystem ist ein System der totalen Abwesenheit von Kritik, das die Qualität tötet und immer schlimmer wird, es ist eine Hunde beißende Mode. Wenn man darüber nachdenkt, werden Sammler immer noch ihre Fehler unterstützen, um nicht dumm dazustehen. Kuratoren unterstützen die Künstler, die sie ausgewählt haben, auch wenn sie schwach und wertlos sind. Das alles ist auf die kritische Abwesenheit und die Bildungsunfähigkeit des Systems zurückzuführen.

Mit den sozialen Medien hat heute jeder eine Plattform, auf der er für sich werben kann. Die Meinung der Öffentlichkeit ist auch entscheidend für den Erfolg von Nachwuchskünstlern. Sie sind nicht unbedingt die Besten, aber sie werden durch ihre Anhängerschaft für Museen interessant. Gibt es Ihrer Meinung nach heute eine Figur, die für die Auswahl und die Auswahl verantwortlich sein sollte?

Die Wurzel von allem ist das Fehlen von Kritik, denn dadurch verliert die Ausbildung an Qualität. Wenn es mehr Kritik gäbe, würde sich auch die Ausbildung von Künstlern und Kuratoren ändern, so wie es im Laufe der Jahre der Fall war. Natürlich wird heute nicht mehr das gelehrt, was Ende des 19. Jahrhunderts gelehrt wurde, denn die Ausbildung hat sich dank der Kritik verändert, die auch die Popularisierung fördern würde. Es geht nicht nur darum, zu lehren, wie man Kunstwerke versteht, sondern auch darum, einen Raum zu schaffen, in dem das Publikum Interesse und die Leidenschaft für sie entwickeln kann. Es liegt auf der Hand, dass bei mangelnder Popularisierung und fehlender origineller Kritik die Menschen Künstlern wie Jago folgen werden, die ein Instrument auf banale und rhetorische Weise einsetzen. Um ein Beispiel zu nennen: Ein Publikum, das nicht gewohnt ist, Schokolade zu essen, weiß nicht, woran es sie erkennt. Dasselbe gilt für die Kunst: Die Leute werden sich mit Jago zufrieden geben, der eine stereotype und rhetorische Kunst produziert. Das Problem ist, dass dann auch Jago verloren geht, weil er zwar von einer tollen Pressestelle und Öffentlichkeitsarbeit unterstützt wird, es aber nicht wirklich eine so überwältigende Anhängerschaft für diesen Künstler gibt. Es kommt immer wieder auf den Ausgangspunkt zurück: die Unfähigkeit, zu differenzieren. Es gibt diese Homologation, bei der jeder die Freiheit der Rede hat, aber nichts herauskommt. Es ist, als ob wir hundert Leute in einem Raum wären, die gleichzeitig reden. Auch wenn Jago etwas lauter spricht, ändert das nicht viel. In dieser Situation sollte der Künstler neue Orte, neue Räume für sich beanspruchen, die Leute woanders hinbringen, auch wenn das nicht einfach ist. Ich habe darüber einen Artikel geschrieben: Notes for a guerrilla war, über die Notwendigkeit, Produktionsmittel, Orte und Öffentlichkeitsarbeit zurückzuerobern. Auch ich versuche, neue Wege zu erfinden, aber jeder könnte das tun.

Wenn man so viel Zugang zu den Arbeiten anderer hat, besteht die Schwierigkeit meiner Meinung nach darin, eine eigene Sprache zu entwickeln. In Ihrem Blog vergleichen Sie häufig die Werke zeitgenössischer Künstler mit denen der 1970er bis 1980er Jahre. Glauben Sie, dass man durch das Erlernen einer kritischen Haltung mehr Originalität erreichen kann?

Ich glaube, dass die prägende Zeit des Künstlers ihn nicht belehren, sondern zu einer kritischen Sichtweise anregen sollte. Jahrhundert zu zitieren, ist schön und gut, aber es muss eine Brücke sein, um weiterzukommen, und nicht eine Form von Fetischismus, sonst fallen wir, wie gesagt, in das “weiterentwickelte Ikea” zurück, das für die Einrichtung des Wohnzimmers gut ist, aber wir verpassen Chancen. Ich habe zum Beispiel diese Reihe von Werken, Hidden Works, in denen das Zitat unverhohlen ist, sogar die Künstler in den Werken werden oben genannt. Aber das Zitat wird zu einer Brücke, um mit der Gegenwart umzugehen, das Werk ist versteckt, in einer Welt, in der alles sichtbar ist und uns mit Inhalten bombardiert. Wir können uns nichts mehr vorstellen, nichts mehr abwarten und uns von nichts mehr überraschen lassen. Das Zitat ist für alle sichtbar, aber es wird zu einer Brücke in die Gegenwart, anstatt auf Instagram gezeigt zu werden, sind die Werke versteckt. Meiner Meinung nach sollte die Kritik in der Anfangsphase die Künstler anregen, bevor sie in schwachen Formen erstarren. Wenn man zehn Jahre lang das Gleiche macht, wie Giulia Cenci zum Beispiel, und jeder kennt eine bestimmte Art von Arbeit, ist es danach schwer, sich zu ändern, man kristallisiert sich in dieser Form fest.

Ich möchte Ihnen eine weitere Frage stellen, die das Verhältnis zwischen der “alten” Generation, den etablierten Künstlern, und der neuen Generation, die vielleicht noch in der Ausbildung ist, betrifft. Ich habe sowohl an der Universität als auch außerhalb oft eine sehr lustlose und egozentrische Haltung seitens derjenigen bemerkt, die uns eigentlich hätten unterrichten sollen. Die “Autonomie”, die uns zugestanden wurde, ging oft mit einem zunehmenden Mangel an Beteiligung und Unterstützung seitens der Dozenten einher. Glauben Sie, dass es auf Seiten der etablierten Künstler eine Form von Elitismus gibt?

Auf jeden Fall auf Seiten der Künstler, aber auch auf Seiten der Kuratoren. Ich habe vor einigen Jahren einen Artikel geschrieben, in dem ich sagte, dass diese Leute (Künstler) in Italien es so schwer hatten, sich zu etablieren, dass sie jetzt nicht mehr anderen helfen oder Energie für andere aufwenden wollen. Sie haben bereits ein Trauma erlebt, das sie sehr viel Energie gekostet hat. Wer sind dann konkret die Ausbilder? Wir haben über die Überprüfung der Ausbildung gesprochen, aber wer arbeitet in diesen Schulen? Entweder arbeiten dort Menschen, die auf die gleiche Art und Weise ausgebildet wurden und daher nicht unparteiisch sind, oder Künstler, die eine sehr individualistische Sichtweise haben, die auf dem Doping der Öffentlichkeitsarbeit beruht.

Ich möchte kurz auf die Geschehnisse bei der Kinobiennale eingehen. Ich kann mir vorstellen, dass Sie die Nachrichten über die Proteste gegen den Völkermord gehört haben, die die Institution und die Teilnehmer aufforderten, Stellung zu beziehen und bestimmte Akteure vom Festival auszuschließen. Ohne auf Ihre Meinung zu diesem Krieg einzugehen: Glauben Sie, dass es eine unterschiedliche Erwartungshaltung gegenüber Institutionen, die politische Orte sind, und gegenüber Künstlern gibt?

Meiner Meinung nach ist das Einzige, was ein Künstler für Gaza, für die Probleme der Welt, in der Ethik und Moral in die Luft gesprengt werden, tun kann, seine eigene Ethik und Moral privat zu schützen. Konkret ist das das Einzige, was jeder von uns tun kann: sich in unserer privat-öffentlichen Dimension nicht negativ zu verhalten. Natürlich sind auch symbolische Zeichen nützlich, um weltweit Aufmerksamkeit zu erregen, Künstler und Institutionen können Stellung beziehen; in jedem Fall ist es notwendig, jeden Fall zu bewerten.

Die Aufforderung, Stellung zu beziehen, kann manchmal unbequem sein, wenn man nicht so denkt wie die Mehrheit, denken Sie, dass die Notwendigkeit, politisch korrekt zu sein, ein Hindernis für die Provokation sein kann?

Ich persönlich bin immer sehr unabhängig gewesen, so dass ich nie unter einem solchen Druck gestanden habe, nicht einmal von Institutionen. Natürlich muss man den Stadionchor vermeiden, weil er zu einer Verharmlosung des politischen Problems führt. Die Situation in Gaza und auch in der Ukraine ist eine klare Wut, und ich denke, die Biennale von Venedig muss eine Position beziehen, sie kann nicht so tun, als ob nichts geschehen würde. Keiner von uns kann so tun, als ob nichts wäre. Das ist eine symbolische Sichtweise. Aus konkreter Sicht kann jeder in seinem eigenen Privatleben gut arbeiten. Mir erscheinen Menschen, die sich um Gaza kümmern und dann privat oder am Arbeitsplatz so tun, als seien sie heuchlerisch. In der Kunstwelt gibt es diese Tendenz: Sie sind alle fortschrittlich, aber am Arbeitsplatz haben sie aus ethischer Sicht eine schreckliche Einstellung. Wenn diese Leute ein Land regieren würden, würden sie sich genau wie Diktatoren verhalten. Um ein Beispiel zu nennen: Wenn jemand Fahrrad fahren darf und einen kleinen Schaden verursacht, ist das nicht weniger schlimm als jemand, der ein Formel-1-Auto fährt und jemanden umbringt, es ist die Einstellung, die falsch ist.

Ich stimme dem, was Sie sagen, sehr zu und frage mich gleichzeitig: Was passiert, wenn die Leute, die im Privaten ’scheiße’ sind, dieselben sind, die eine institutionelle Rolle innehaben und daher Inklusivität zeigen müssen? In einem Ihrer Blogeinträge wird genau über die Instrumentalisierung der Vielfalt nachgedacht, die vielleicht zu Lasten der Qualität der Arbeit geht.

Das Problem ist immer dasselbe: Ein System, das nicht differenziert, kann den Wert und die Qualität eines Werkes nicht anzeigen, und um etwas Interessantes zu machen, bindet man sich an den Ausweis der Künstler. Um das Publikum anzuziehen, greifen die Kuratoren auf Themen zurück, die meiner Meinung nach grundlegend sind. Wenn die Ausstellung also langweilig und banal ist, dann liegt das daran, dass wir in den letzten 15-20 Jahren schlecht gearbeitet haben und sich gute Künstler in der Zwischenzeit anderen Dingen zugewandt haben. Das ist auch der Grund, warum wir wieder bei Null anfangen müssen. Die besten Leute sind abgewandert, weil das System schlecht funktionierte. Mit der Luca-Rossi-Akademie kann ich verborgene Talente finden, sie ausbilden und in das Zentrum zurückbringen, aber das ist eine schwierige Aufgabe.

Möchten Sie uns erzählen, wie Sie arbeiten? Was ist Ihrer Meinung nach Qualität und was finden Sie heute interessant?

Meiner Meinung nach muss der Künstler heute vor allem die Zügel in die Hand nehmen, die Orte und die Öffentlichkeitsarbeit überdenken, mit anderen Worten, er muss überdenken, wie er seine Arbeit zeigt und wem. Dann gibt es für mich drei Wege zur Qualität, die ich im Laufe der Jahre definiert habe. Der erste Weg ist ’alter-modern’, was bedeutet, sich der Degeneration unserer Zeit zu widersetzen und erstickende Netzwerke zu vermeiden. Es handelt sich um Werke, die versuchen, den Problemen der Gegenwart zu widerstehen. Der zweite Weg ist der der “Post-Wahrheit”, bei dem es darum geht, eine interessantere Realität als die Wahrheit zu schaffen, wie zum Beispiel den Flashmob. Heutzutage hat das, was auf das Podest kommt, wenig Macht, weil jeder bereits im Rampenlicht steht und weil die Realität viel stärker ist als jede Fiktion. Um Aufmerksamkeit zu erregen, muss man etwas erschaffen, das real zu sein scheint, es aber nicht ist, und deshalb hebt es sich vom Mainstream ab. Der dritte Weg schließlich ist eine bestimmte Art von Malerei, die immer noch einen Moment der Reflexion, der Dekompression schaffen kann, der nützlich und interessant sein kann.

Warum die Malerei, die oft als traditionell, ja fast als überholt gilt? Das ist eine Position, die im Gegensatz zu den neuen Ausdrucksmitteln steht.

Die Malerei ist der dritte Weg, die ersten beiden sind viel besser! Aber da es sich um ein Medium handelt, das sich im Nebel der Zeit verliert, ist es in der Lage, eine Blase zu schaffen, die immer noch interessant sein kann. Es gibt nicht nur Malerei, sondern ein paar Arten und ein paar Maler. Als historisches Werkzeug kann sie uns immer noch zum Nachdenken anregen.

Das ist eher eine Neugierde von mir: Wer sind die drei Künstler, die Sie im Moment am meisten mögen/interessieren?

Ich mag Santiago Sierra, Tino Sehgal und Martin Creed sehr, alles Künstler aus den 1990er Jahren, Tino Sehgal ist etwas jünger. Ich mag einige Projekte des amerikanischen Kollektivs MSCHF, das 2019 gegründet wurde. Sie machen Arbeiten, die ich interessant finde, manchmal gehen sie mit dem Merchandising zu weit. Ich mag auch etwas von Maurizio Cattelan, zum Beispiel Banana(Comedian, 2019), weil es eine kohärente Vision zum Ausdruck bringt. Der Diskurs ist nicht so sehr “ich mag es”, “ich mag es nicht”, sondern die Bewertung, ob ein Künstler eine Haltung im Fokus hat. Die Banane von Cattelan drückt seine Haltung zweifellos perfekt aus. Ich mag auch bestimmte Werke von Damien Hirst sehr, vor allem aus den frühen 1990er Jahren. Unter den jüngeren Künstlern fasziniert mich Dahn Vo.

Wenn ich über Damien Hirst nachdenke, denke ich an Künstler, deren Werke die Grenzen der Moral überschreiten. Marco Evaristti inszeniert in seinem Werk Helena 10 Mixer, in denen sich lebende Goldfische befinden, die vom Publikum aktiviert werden können. Glauben Sie, dass es noch Sinn macht, gewisse Grenzen der Sensibilität auszunutzen?

Das klingt für mich nach Unsinn, dann kommt es auf das Ziel an. Die Provokation muss zu einem Mittel werden, um woanders hinzugehen. Kennen Sie Aníbal Lopez? Er ist ein südamerikanischer Künstler, der jung gestorben ist. Während einer Ausstellung präsentierte er ein Ferkel mit einer Schleife, mit der man interagieren konnte. Schließlich wurde das Ferkel zum Schlachthof gebracht und wurde zu Schweinefleisch für dieselben Leute, die mit ihm gespielt hatten. Das ist deshalb interessant, weil Aníbal in der Ausstellung zusammenfasst, was in der Realität passiert. Die Provokation ist interessant, weil dem Tier keine direkte Gewalt angetan wird, sondern nachgestellt wird, was jeden Tag in Schlachthöfen geschieht. Kleine Fische zu nehmen und sie auszupeitschen, scheint mir ein wenig Selbstzweck zu sein.

Ich hatte den gleichen Eindruck, auch wenn Evaristti die Absicht hat, die Grenzen des Publikums zu testen.

Marina Abramović machte eine Performance mit demselben Sinn. Sie befand sich in einem Raum mit verschiedenen Objekten und die Leute konnten mit ihr machen, was sie wollten. Ich persönlich hätte die Mixer nicht aktiv gemacht, aber das ist die Entscheidung der Künstler. Es ist ein Grenzbereich.

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