Die Piazza Mignanelli ist voller Spiegel, seit Joana Vasconcelos ihr Werk I’ll be your mirror gezeigt hat, das, wenn man so will, als Ouvertüre zu ihrer Einzelausstellung Venus fungiert, die einige Meter weiter in den Räumen der PM23, dem im letzten Jahr eröffneten Raum der Stiftung Valentino Garavani und Giancarlo Giammetti, stattfindet. Direkt vor der Säule der Unbefleckten Empfängnis befindet sich eine Art Bühne, und die Maske von Vasconcelos wurde auf das Podest vor dem Denkmal gehievt, das Mitte des 19. Jahrhunderts errichtet wurde, als die Kirche die Verkündung des Dogmas der Unbefleckten Empfängnis feiern wollte. Nun wird sich die Statue von Giuseppe Obici einige Monate lang in der Maske von Joana Vasconcelos spiegeln, die aus zahlreichen Spiegeln mit barocken Verzierungen besteht, die der Künstler entworfen hat. Betrachten Sie sie also als ikonografische Ergänzung der Säule. In einem der berühmtesten Bilder der Unbefleckten Empfängnis, dem von Francesco Vanni für den Dom von Montalcino gemalten, befindet sich ein Spiegel, der an die Reinheit der Jungfrau erinnert. Und seit jeher hat man in den Spiegel geschaut, nachdem man seine Maske abgenommen hat, um ein intimes Gespräch mit sich selbst zu führen. Ein aufrichtiges Gespräch, ein reines Gespräch. Joana Vasconcelos ist Portugiesin und war wahrscheinlich noch nie in Montalcino, aber sie kennt Fernando Pessoa, kennt seine Verse(Depus a máscara e vi-me ao espelho, “Ich nahm meine Maske ab und sah mich im Spiegel”) und kennt dann einen nach dem anderen die Worte, die Lou Reed für Nico auf dem Debütalbum von Velvet Underground schrieb. Und so hat er versucht, die ganze zarte Doppelzüngigkeit des Titelsongs und die ganze nackte, tiefe Einfachheit von Pessoas Poesie in ein Bild zu übertragen. Das Werk, das die Ausstellung einleitet, ist eine zweideutige Proklamation der Klarheit.
Joana Vasconcelos hat sich immer zu ihrer eigenen Weiblichkeit bekannt, aber sie behauptet weniger jene feministischen Instanzen, die Kritiker bei der Betrachtung ihrer Werke oft im Tralix gelesen haben. Werke, die in der Regel monumental, aufdringlich, manchmal sogar verstörend sind, und doch so festlich, so vertraut, so gesammelt. Seit einigen Jahren scheint der portugiesische Künstler aufgehört zu haben, das Publikum zu provozieren: Vorbei sind die Zeiten, als er mit Anfang dreißig auf der Biennale von Venedig mit einem titanischen Kronleuchter aus Tampax die Aufmerksamkeit der Besucher auf sich zog oder als er riesige Deckchen an mittelalterliche Schlösser hängte. Oder vielmehr: Joana Vasconcelos hat nicht aufgehört zu provozieren, die Welt um sie herum hat sich verändert, und ihre Kunst hat sich unter Beibehaltung jenes ins Weibliche transformierten, kitschigen Oldenburger Gigantismus, ohne die zutiefst politische Seele zu verlieren, die sie seit ihrem Debüt begleitet, ohne die Ironie, die Leichtigkeit, die Weichheit der Form aufzugeben, die ihr visionäres Repertoire an Alltagsgegenständen durchzieht, der Welt derSie hat sich an die Welt der Alltagsgegenstände angepasst und ist intimer geworden, eine Intimität, die es ermöglicht, zwischen den Zeilen des für die Räume der PM23 konzipierten Projekts zu lesen, eine Art Hommage an das Weibliche, das kritisch durch die Linse der Liebe und der Schönheit untersucht wird (daher die Widmung an die Göttin), ausdrücklich erklärt.
Es ist jedoch mehr als nur eine Hommage, denn Vasconcelos’ Werke füllen nicht nur die Räume des Palazzo Mignanelli. Venus ist nicht, wie es oft der Fall ist, die Feier eines internationalen Stars, der an einem zufälligen Ort gelandet ist und eine Reihe seiner Werke mitgebracht hat, eine zusammengestückelte Anthologie, eine Art Greatest Hits-Sammlung , die einzig und allein dazu gedacht ist, ein Set zu füllen. Gewiss: Die Stiftung hatte das Verdienst, einen der großen Namen der Weltkunst nach Rom zu bringen, und zwar in einen neuen Raum, zur zweiten Ausstellung seines Lebens. Es ist jedoch eine Sache, von einem Künstler zu verlangen, dass er sein bestes Werk für den Rahmen zur Verfügung stellt, das bei Bedarf durch einige für den Anlass geschaffene Werke ergänzt wird, die vielleicht sogar eine gewisse Relevanz für den Raum haben, aber von allem anderen abgekoppelt sind. Andererseits ist es eine Sache, einen Künstler aufzurufen und ihn dazu zu bringen, über ein Projekt nachzudenken, das von oben bis unten zusammenhält, das nicht nur eine Aneinanderreihung von Relikten ist, sondern dazu dient, einer Idee Substanz zu verleihen. Und wenn es der PM23 gelingt, ihre Absichten durchzuhalten, die gleiche Herangehensweise für künftige Ausstellungen zu garantieren, Projekten, die eine Seele und einen Verstand haben, Leben und Körper zu geben, dann werden wir sagen können, dass wir hier in Rom, an der Spanischen Treppe, einen der Gipfel der zeitgenössischen Kunst in Italien haben.
Es wurde gesagt, dass die Ausstellung im Palazzo Mignanelli mehr ist als eine Hommage. Es besteht eine Art Absichtsgemeinschaft zwischen dem Künstler und dem Designer. Der Tenor der Ausstellung wird gleich zu Beginn, im ersten Raum, deutlich, wo Venus. The Painting, eines der Werke, die Vasconcelos speziell für die Ausstellung angefertigt hat, erinnert an zwei Haute-Couture-Entwürfe von Valentino für die Herbst-Winter-Kollektion 1991, die ihrerseits auf den reinen, fast geometrischen Linien von Josef Hoffmann basieren. In jenem Jahr, in dem das Modehaus sein 30-jähriges Bestehen feierte, erschien in Epoca ein Artikel von Ugo Volli, der die Valentino-Frau folgendermaßen definierte: “lang, nicht protzig; mehr romantisch als sinnlich, aber immer praktisch und entschlossen, mehr mediterran als nordisch, bereit, nur wenige perfekte Details ihres Körpers zu zeigen: oft ihre Schultern, ein tiefes Dekolleté am Rücken und natürlich ihr Gesicht und ihre wohlgeformten Hände. Die Farben sind das berühmte Rot und dann viel Weiß, Schwarz und Blumenmuster. Der Akzent liegt bei fast allen Kleidern nicht auf den Brüsten oder den Beinen, sondern auf der Taille, von der in der Regel eine weiche, langgestreckte Sanduhr ausgeht: Es sind sehr gut konstruierte Architekturen von studierter Schlichtheit, bei denen die Drapierung, die Genauigkeit der Details, die perfekte Wiedergabe der Formkontraste und die Konsistenz des Stoffes, die durch die handwerkliche Herstellung gewährleistet wird, sehr viel zählen”. Man nehme diese Worte und wende sie auf die Skulpturen von Joana Vasconcelos an, und man wird einige Ähnlichkeiten finden. Federico Zeri sah in Valentinos Kleidern etwas von griechischer Bildhauerei, von der Beziehung zwischen Figur und Raum in der klassischen Kunst. Bei Joana Vasconcelos sind die Bezüge zur Antike eher ideell und konzeptionell als formal (auch wenn sie manchmal offenkundiger sind: die beiden Bond-Girls , die den Besucher in die Ausstellung geleiten, sind schließlich zwei klassische Statuen), aber das macht wenig aus: selbst der unaufmerksamste Besucher kommt nicht umhin, ständige Überschneidungen zu bemerken.
Und das kann ja auch gar nicht anders sein. Bevor sie sich an die Arbeit an der Venus machte, nahm sich Joana Vasconcelos ein paar Monate Zeit, um die historischen Kollektionen von Valentino zu studieren. Pamela Golbin wählte einige Kleider aus dem Archiv des Hauses aus, und die Künstlerin bietet nun dem Publikum in Rom ihre Interpretation an. Zuweilen entstand die Übereinstimmung mit einer gewissen Spontaneität: Schauen Sie sich das leichte, leuchtende Kleid in Pfirsich- und Orangetönen an, das Strangers in the night vorstellt, eine Kabine voller Autoscheinwerfer, die sich im Rhythmus des Sinatra-Songs ein- und ausschalten und die Möglichkeit einer nächtlichen Liebe heraufbeschwören, die um der Nacht willen verzehrt wird.eine nächtliche Liebe, die auf den Straßen von Lissabon vollzogen wird (es ist interessant, sich daran zu erinnern, dass etwa 20 Jahre vor Vasconcelos, das Werk stammt aus dem Jahr 2000, Giancarlo Giannini ebenfalls Strangers in the night sang, auf der Suche nach der gleichen flüchtigen Wärme auf den Straßen von Warschau). Oder man betritt den Raum, in dem drei Abendkleider Marilyn bewachen, eines der berühmtesten Werke von Joana Vasconcelos, das Paar Schuhe mit riesigen Absätzen aus einfachen Töpfen einer in Portugal beliebten Marke, “eine unwahrscheinliche Verbindung”, wie die Künstlerin es nennt, zwischen einer häuslichen, intimen Dimension und der Macht der Stadt.Eine “unwahrscheinliche Verbindung”, wie die Künstlerin es nennt, zwischen einer häuslichen, intimen und familiären Dimension, der Dimension, auf die die meisten Stereotypen von Frauen reduziert werden, und einem Glamour, der in Denkmälern sublimiert wird, die bewusst und stolz kitschig sind, ein dekorativer Exzess, der dazu dient, den Widerspruch zu enthüllen und die Idee zu verdeutlichen, dass die Rollen, die wir mit Frauen assoziieren, nichts als Konstruktionen, Kunstwerke sind. In dem großen Saal, in dem die Venus, die imposante, eigens für die Ausstellung geschaffene Installation, untergebracht ist, wurde der Dialog stattdessen am Tisch studiert, und das Werk ist das Ergebnis einer Reflexion über einige der bedeutendsten Kleider in der Geschichte von Valentino. Das Werk kann in der Tat als eine Art Erweiterung der Kleider betrachtet werden. Es ist schwierig, durch den Raum zu gehen und nicht überall einen direkten Bezug zu den Kleidern zu finden, die fünfzig Jahre der Geschichte des Hauses umfassen. Venus ist ein Werk aus der Serie Valkyrie, die vor mehr als zwanzig Jahren begann: Riesinnen aus handgestrickter Häkelwolle , textile Göttinnen, weich und bunt, die in den Raum eindringen, ihre Tentakel durch die Räume strecken, in der Luft schweben, zur Decke aufsteigen und auf den Boden sinken, anschwellen wie Brüste, wie Gebärmütter, einhüllen und umarmen und dann, leicht, verschwinden. Jedes von ihnen ist einer Frau gewidmet, die die Fähigkeit und die Kraft hatte, ihr eigenes Schicksal und das anderer Frauen zu verändern. Die Walküren von Joana Vasconcelos haben die Kraft der kriegerischen nordischen Jungfrauen bewahrt, aber sie haben ihre kämpferische Natur verloren: Sie sind friedliche Kriegerinnen. Wohlwollend. Mütterlich. Beschützend. Hier erkennen wir die Welt von Joana Vasconcelos, Fee und Hexe, Zauberin, die über ein rundes Reich herrscht, eine weiche, goldene Höhle, einen Garten, der in die Wände eindringt, ein ursprüngliches Repertoire, eine Explosion, einen Zauber, einen Schoß, eine Symphonie, eine Vision.
Venus erforderte sechs Monate Häkelarbeit, Hunderte und Aberhunderte von Stunden kollektiver Arbeit mit über zweihundert Frauen (Studentinnen, Migrantinnen, Insassinnen, Frauen in Anti-Gewalt-Programmen), für die die Arbeit zu einem Mittel der sozialen Wiedergutmachung wurde. Die Künstlerin stellte Modelle zur Verfügung, einige Häkellehrerinnen lehrten die Workshop-Teilnehmerinnen, wie man sie umsetzt, und das Werk, Stück für Stück, entstand aus den Händen einer Gemeinschaft von Frauen, die dann erstaunt, erstaunt, bewegt, fast ungläubig waren, so die Anwesenden, als sie am Ende die Früchte ihrer Arbeit sahen. Ihre Aussagen sind in einen Dokumentarfilm von Daniele Luchetti eingeflossen, der die Erinnerung an dieses Chorwerk bewahren soll, das einen Prozess der Beteiligung, der Wiedergeburt und der Befreiung ausgelöst hat. Es muss gesagt werden, dass Joana Vasconcelos nicht die einzige Künstlerin ist, deren Werk weitgehend auf einer chorischen Anstrengung, einem gemeinsamen Engagement, der Aktivität von Dutzenden von Menschen, die an der Verwirklichung des Werks teilnehmen, beruht. Ganz im Gegenteil, diese Art des partizipativen Arbeitens ist in der zeitgenössischen Kunst zur gängigen Praxis geworden: Es ist heute nicht ungewöhnlich, Ausstellungen, Galerien, Biennalen in Venedig und mehr zu besuchen und Werke zu finden, die das Ergebnis stundenlanger Handarbeit und handwerklichen Könnens sind, wenn nicht sogar von Künstlern und Kunsthandwerkern, die sich mit Weben, Nähen, Weben, Modellieren, Dekorieren, Knüpfen, Flicken, Verdrehen, Zusammensetzen beschäftigen. Joana Vasconcelos muss jedoch eine Vorreiterrolle zugeschrieben werden, und in dieser Dimension liegt auch die internationale Bedeutung ihrer Kunst.
Wenn die Ausstellung von der Säule der Unbefleckten Empfängnis ausging, die sich in der Maske von Joana Vasconcelos widerspiegelt, und nach einer Art Erzählung der Geschichte der Frauen alle Archetypen durchlief, werden im letzten Raum, dem Höhepunkt der Ausstellung, einer traumhaften Umgebung, in der sich das irdische Paradies der Künstlerin befindet (Garten Eden), alle Werke von Joana Vasconcelos in der Ausstellung präsentiert.Im irdischen Paradies der Künstlerin(Garten Eden) finden all diese Archetypen (die Walküre, die Verführerin, die Prostituierte, das Aschenputtel usw.), die bei dieser Gelegenheit jeweils durch ein Kleid dargestellt werden, ihren Ursprung, ihre ursprüngliche Reinheit, den Ort, an dem die Weiblichkeit entsteht, wieder: Man versinkt in der Dunkelheit eines materiellen Traums aus Blumen und Lichtern, eines künstlichen Gartens, in dem das Glitzern der LEDs die Liebkosungen eines Windes suggeriert, der nicht da ist, eines reinen und doch zweideutigen Paradieses, in dem alles klar zu sein scheint, in dem aber alles künstlich ist. Und man versucht, einen Ausgang zu finden.
Der Autor dieses Artikels: Federico Giannini
Nato a Massa nel 1986, si è laureato nel 2010 in Informatica Umanistica all’Università di Pisa. Nel 2009 ha iniziato a lavorare nel settore della comunicazione su web, con particolare riferimento alla comunicazione per i beni culturali. Nel 2017 ha fondato con Ilaria Baratta la rivista Finestre sull’Arte. Dalla fondazione è direttore responsabile della rivista. Nel 2025 ha scritto il libro Vero, Falso, Fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte (Giunti editore). Collabora e ha collaborato con diverse riviste, tra cui Art e Dossier e Left, e per la televisione è stato autore del documentario Le mani dell’arte (Rai 5) ed è stato tra i presentatori del programma Dorian – L’arte non invecchia (Rai 5). Al suo attivo anche docenze in materia di giornalismo culturale all'Università di Genova e all'Ordine dei Giornalisti, inoltre partecipa regolarmente come relatore e moderatore su temi di arte e cultura a numerosi convegni (tra gli altri: Lu.Bec. Lucca Beni Culturali, Ro.Me Exhibition, Con-Vivere Festival, TTG Travel Experience).
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