Brassaï, das Pseudonym von Gyula Halász (Brașov, 1899 - Nizza, 1984), ist eine zentrale Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts, deren Werk untrennbar mit seiner Fähigkeit verbunden ist, das Innerste und die geheimnisvolle Seele von Paris einzufangen. Der gebürtige Rumäne ungarischer Herkunft, der in der französischen Hauptstadt, seiner Wahlheimat, tief verwurzelt ist, wurde von seinem Freund und Schriftsteller Henry Miller liebevoll als “lebendes Auge” bezeichnet, ein Spitzname, der seinen außergewöhnlichen Weitblick und seine durchdringende Fähigkeit, das Wesen der Welt zu erfassen, gut zum Ausdruck bringt. Sein umfangreiches und vielseitiges künstlerisches Schaffen steht im Mittelpunkt einer bedeutenden Retrospektive im Centre Saint-Bénin in Aosta, die vom 19. Juli bis 9. November 2025 stattfindet und von Philippe Ribeyrolles, einem Wissenschaftler und Enkel des Künstlers, kuratiert wird: Mehr als 150 alte Abzüge werden zusammen mit Skulpturen, Dokumenten und persönlichen Gegenständen des Fotografen präsentiert, die einen tiefen und bisher unveröffentlichten Einblick in sein Werk bieten) zeigt, dass Brassaï nicht nur Fotograf war: Er war auch Maler, Bildhauer und Intellektueller, ein vielseitiger Künstler, dessen scharfer und poetischer Blick auch heute noch neue Generationen inspiriert.
Ab 1924, im zarten Alter von 25 Jahren, tauchte Brassaï in die Pariser Kulturszene ein, knüpfte enge Beziehungen zu Pablo Picasso, Salvador Dalí und Henri Matisse und erkundete Bereiche, die von der surrealistischen Bewegung bis zur Modewelt reichen. Seine Fotografien sind zu berühmten Bildern geworden: von rätselhaften Nachtansichten der französischen Hauptstadt, die oft in Nebel gehüllt oder vom Regen durchnässt sind, bis hin zu Porträts von Berühmtheiten und gewöhnlichen Menschen, von belebten Vorstadtclubs bis hin zu Graffiti an Pariser Wänden - Brassaï hat es verstanden, die tausend Gesichter von Paris darzustellen.
Obwohl sein Werk oft der französischen “humanistischen Schule” zugeordnet wird, wäre eine solche Definition zu kurz gegriffen und würde die Komplexität seines Ansatzes, der Instinkt, Technik und eine tiefe Neugier auf das Unerwartete verbindet, nicht vollständig erfassen. Als “Schöpfer von Bildern”, wie er sich selbst bezeichnete, strebte Brassaï danach, einen Lichtblitz in der Dunkelheit einzufangen, Poesie im einfachsten Alltag zu finden und jedem Menschen und jedem Objekt, das er mit seiner Linse einfing, Würde und Einzigartigkeit zu verleihen. Auf seinen Entdeckungsreisen dokumentierte er das “geheime” und unterirdische Paris mit seinen Bars, Tanzlokalen, Kabaretts und Bordellen, wobei er die Menschen am Rande ebenso selbstverständlich zeigte wie die Eliten. Wir werfen einen Blick auf zehn Dinge , die man wissen sollte, um diesen bedeutenden Fotografen kennenzulernen.
Gyula Halász wählte 1932 den Spitznamen “Brassaï” als Hommage an seine Heimatstadt Brașov (“Brassó” auf Ungarisch), die einst zu Siebenbürgen gehörte (zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die Stadt mehrheitlich ungarisch). Trotz seiner magyarischen Wurzeln wählte Brassaï im Januar 1924 Paris als ständigen Wohnsitz, ließ sich am linken Ufer nieder und blieb dort für den Rest seines Lebens, so dass er 1949 als Franzose eingebürgert wurde und sich voll und ganz der transalpinen Kultur zugehörig fühlte.
Diese tiefe und dauerhafte Verbundenheit mit der französischen Hauptstadt führte dazu, dass sein Schriftstellerfreund Henry Miller ihm liebevoll den Spitznamen “das Auge von Paris” gab. Brassaï selbst zog jedoch eine nuanciertere und persönlichere Beschreibung seiner künstlerischen Identität vor, indem er sich selbst als “ein Fremder von der Grenze zwischen Ost und West, der Paris mit seinem siebenbürgischen Auge betrachtet” beschrieb. Diese Außenseiterperspektive, verbunden mit einer intimen Vertrautheit mit der Stadt, ermöglichte es ihm, die nächtliche, geheimnisvolle und von Leben durchdrungene Atmosphäre der damaligen Metropole einzufangen und zu erzählen, was sie zu einem unerschöpflichen Thema seiner fotografischen Produktion machte. Sein Name ist daher zum Synonym für seine einzigartige und tiefgründige Vision der Ville Lumière geworden.
Brassaï zeichnete sich als Künstler von bemerkenswerter Vielseitigkeit aus, bereichert durch eine kosmopolitische Ausbildung und eine Reihe von Interessen, die weit über die reine Fotografie hinausgingen. Sein Studium führte ihn zunächst an die Akademie der Schönen Künste in Budapest und später nach Berlin, wo er Gelegenheit hatte, führende Persönlichkeiten der europäischen Avantgarde wie Vasilij Kandinskij, László Moholy-Nagy und Oskar Kokoschka zu treffen und zu besuchen.
Seine unstillbare Neugier war nicht auf den visuellen Bereich beschränkt: Brassaï war auch Zeichner, Maler und Bildhauer, und seine Entscheidung , sich nicht auf eine einzige Disziplin zu spezialisieren, war ein charakteristisches Merkmal seiner künstlerischen Persönlichkeit. Wie er selbst zugab: “Es gibt zu viele Dinge, die mich interessieren, das ist eine Tragödie”. Diese Art von künstlerischer Inkonsequenz war eigentlich seine Konsequenz: “Er hat sich immer geweigert, sich zu spezialisieren, weil er die Frische der Vision des Amateurs und das Fachwissen des Profis bewahren wollte”, wie Philippe Ribeyrolles sich erinnert. Er las fleißig Werke von Meistern wie Goethe, Proust, Dostojewski und Nietzsche, ein kulturelles Gepäck, das seine Beobachtungsgabe schärfte und ihn bei seiner Suche nach den hintergründigsten und unverstandensten Aspekten der Wirklichkeit leitete. Dieser multidisziplinäre Ansatz und seine vielschichtige Sensibilität machten ihn bald zu einer führenden Persönlichkeit in den intellektuellen Kreisen von Paris, die in der Lage war, enge Beziehungen zu den wichtigsten Persönlichkeiten der Kunst und Kultur seiner Zeit zu knüpfen.
Die Annäherung Brassaïs an die Fotografie war eher ein unausweichliches Schicksal als eine bewusste Entscheidung: Das Medium drängte sich ihm auf. Seit seiner frühen Kindheit, als er 1904 mit seiner Familie in Paris weilte, prägten sich Bilder der Stadt in sein Gedächtnis ein und riefen Empfindungen und Erinnerungen hervor, die mit Prousts berühmten Madeleines vergleichbar waren. Als Erwachsener trieb ihn ein hartnäckiger Wunsch an, diese Kindheitserinnerungen wiederzuentdecken und zu erleben.
Der Wendepunkt kam 1929, als er sich endgültig der Fotografie zuwandte. Zuvor hatte er für die Agentur Rapho gearbeitet und das wachsende Bedürfnis verspürt, seine Texte mit eigenen Bildern zu untermalen und so Wort und Bild zu verschmelzen. Berühmt wurden seine Fotografien des nächtlichen, geheimnisumwitterten Paris, beleuchtet von Straßenlaternen, Autoscheinwerfern, Nebel oder Regen, die das Wesen der französischen Hauptstadt einfangen.
Der Höhepunkt dieser Erkundung war die Veröffentlichung seines Buches Paris de nuit im Jahr 1933, das nicht nur ein außerordentlicher Erfolg war, sondern auch in die Geschichte der Fotografie des 20. Jahrhunderts einging und ihn zum unbestrittenen Meister der Nachtfotografie machte. Seine Bilder dokumentierten nicht nur, sondern zeigten ein “anderes” Paris, das der Nachtschwärmer und der Rêverie, ein Genre, das sich dank seiner innovativen Arbeit konsolidierte.
Brassaï begnügt sich nicht damit, die Wirklichkeit zu dokumentieren; für ihn ist die Fotografie ein Mittel zur Interpretation und Sublimierung der sichtbaren Welt. Er bezeichnete sich selbst als “Schöpfer von Bildern” und betrachtete seine Arbeit als “geistige Konstruktion auf der Grundlage der Wirklichkeit”. Diese Sichtweise führte ihn zu einer tiefgreifenden Reflexion über die Komposition, die er als ebenso wichtig erachtete wie das Thema der Fotografie selbst. Seine Philosophie war klar: “Alles Überflüssige muss eliminiert werden, das Auge muss wie ein Diktator geführt werden!”.
Seine Techniken, um die Magie der Nacht einzufangen, waren raffiniert und persönlich. Um die Verschlusszeiten zu messen, benutzte er eine Zigarette und berechnete die Belichtung je nach ihrem Verbrauch. Er nutzte jede verfügbare Lichtquelle - von Autoscheinwerfern bis zu Gaslampen, vom Mond bis zu Schnee und sogar Nebel -, um Volumen zu modellieren und übernatürliche Atmosphären zu schaffen, die die Strenge der Architektur verwandelten und Gesichter und Figuren aus dem Schatten hervortreten ließen.
In seinem Atelier beschränkte sich Brassaï nicht auf eine einfache Abschrift des Negativs. Er griff aktiv in das Bild ein, indem er es beschnitt, konstruierte und die Dichte der Schwärze modulierte, um die Ausdruckskraft zu maximieren, mit dem Ziel, im Betrachter die gleichen Empfindungen zu erwecken, die er im Moment der Aufnahme empfand. Er suchte nach einem “Flackern des Lichts in der Dunkelheit”, wie Daria Jorioz es nannte, das in der Lage war, “im alltäglichen Elend einen Moment der Poesie anzuhalten, jeden Menschen als interessant und einzigartig zu betrachten, über die Belanglosigkeit der Welt zu lächeln der Welt zu lächeln, die sinnliche Schönheit eines Lächelns oder die Zweideutigkeit einer gestohlenen Geste zu feiern, von einer verlassenen Straße am Ende der Nacht zu erzählen und die Dunkelheit mit einer Kamera zu durchdringen”.
Ein zentraler und faszinierender Aspekt des Werks von Brassaï ist die Erforschung dessen, was er das geheime Paris nannte, eine marginale und oft vergessene Welt, die mit der Eleganz der Ville Lumière koexistierte. Der Künstler hatte eine tiefe Vorliebe für das, was er die Menschlichkeit der Slums nannte, die Letzten, die Armen, die Delinquenten, die Bettler. Die Lektüre von Autoren wie Mac Orlan, Zola, Stendhal, Mérimée und Nietzsche nährte seinen Wunsch, in dieses unterirdische Universum einzudringen, was ihn dazu brachte, sowohl die Pariser Eliten als auch die Slums zu besuchen.
Brassaï bewegt sich mit Leichtigkeit zwischen Tanzlokalen mit bunten Laternen und Bars mit roten Moleskin-Bänken, wo sich Arbeiter, Prostituierte, Clochards, Künstler und einsame Wanderer treffen. Er dokumentierte die Welt der Kabaretts, der Volkstänze und sogar der Bordelle, die er poetisch als “Häuser der Illusionen” bezeichnete, in denen Prostituierte “Töchter der Freude” oder “Schönheiten der Nacht” waren und Schläger zu One-Night-Stands wurden. Auf diese Weise konnte er ein ständiges Fresko des “Paris-Canaille” schaffen. Bei seinen Streifzügen durch diese oft gefährlichen Gegenden riskierte er sein Leben. Brassaï, der wegen seiner Kamera oft für einen Polizeispitzel gehalten wurde, musste sich das Vertrauen seiner Motive verdienen, indem er sich manchmal mit Kleinkriminellen anfreundete, um sie zu fotografieren und sie zum Posieren zu bewegen. Mit diesen Aufnahmen bewahrte er eine komplexe und reiche Menschheit vor dem Vergessen und bot ein wertvolles Zeugnis eines volkstümlichen und marginalen Frankreichs, das im Begriff war, auszusterben, und für das er große Zuneigung empfand.
Eine der wichtigsten Serien im Werk von Brassaï ist seine umfangreiche Dokumentation von Graffiti an den Wänden von Paris. Für ihn übt die Wand eine geradezu urtümliche Faszination aus, und die Graffiti stellen eine wahre “Sprache der Wand” dar, Zeugnis des einfachsten und spontansten Ausdrucks der Menschheit. Der Künstler betrachtete sie als die größte Galerie primitiver Kunst, verglich sie mit den Zeichnungen prähistorischer Menschen in Höhlen und sah in ihnen die Ursprünge von Kreativität und Schrift.
Seine Suche nach diesen “menschlichen Kratzern” begann in den 1930er Jahren und dauerte mehr als dreißig Jahre, in denen Brassaï akribisch Orte, Daten und Verwandlungen festhielt, um sie vor dem Verschleiß der Zeit und dem Vergessen zu bewahren. Seine Faszination für die Art Brut und die Randkunst wurde von Künstlern wie Georges Braque, Joan Miró, Pablo Picasso und Jean Dubuffet geteilt und geschätzt.
Der Höhepunkt dieser Arbeit war das 1960 erschienene Buch Graffiti, in dem er seine Erkenntnisse in neun Kategorien einteilte. Die Bedeutung seiner Graffiti-Arbeiten wurde international mit einer Einzelausstellung im MoMA in New York 1956-1957 unter dem Titel Language of the Wall. Parisian Graffiti Photographed by Brassaï, die ein großer Erfolg war.
Mit seiner ausgeprägten Sensibilität und seiner angeborenen Neugier passte Brassaï wie selbstverständlich in die pulsierenden intellektuellen und künstlerischen Kreise von Paris und schloss Freundschaften und arbeitete mit vielen der einflussreichsten Persönlichkeiten des 20. Zu seinem Kreis gehörten Größen wie Fernand Léger, Georges Braque, Joan Miró, Henri Matisse, Alberto Giacometti und vor allem Pablo Picasso. Mit letzterem verbindet ihn eine tiefe Freundschaft und eine “ästhetische Komplizenschaft”, die auf Wahlverwandtschaften beruht und die Faszination für die nonkonformistischen Kreise der Folies Bergère und die geheimnisvolle Welt des Circus Medrano teilt.
Seine Nähe zur surrealistischen Bewegung wird durch seine Zusammenarbeit mit der Avantgarde-Zeitschrift Minotaure deutlich, in der seine Fotografien neben denen von Man Ray veröffentlicht werden und seinen Ruf festigen. Durch “Minotaure” lernte er surrealistische Schriftsteller und Dichter wie André Breton, Paul Éluard und Salvador Dalí kennen und arbeitete mit ihnen zusammen. Mit Dalí schuf er die Serie der “Sculptures involontaires”, in der er Alltagsgegenstände in Ausdrucksformen der surrealistischen Abstraktion verwandelte. Brassaï verkehrte auch mit Jean Cocteau, Jacques Prévert und Samuel Beckett und trug zu einer intensiven Pariser Kultursaison bei.
Der Ruhm von Brassaï geht schnell über die Grenzen Frankreichs hinaus und festigt sich dank prestigeträchtiger Kollaborationen und zahlreicher internationaler Reisen. Eine der bedeutendsten Partnerschaften war die mit der renommierten amerikanischen Zeitschrift Harper’s Bazaar, für die er von 1937 bis in die 1960er Jahre hinein fleißig arbeitete. Für die Zeitschrift porträtierte Brassaï zahlreiche Protagonisten des französischen Kunst- und Literaturlebens, darunter viele seiner Freunde. Diese Porträts wurden später Teil des 1982 erschienenen Bandes Les artistes de ma vie.
Seine Reisen beschränken sich nicht auf Europa; Brassaï erkundet die Welt und fertigt Reportagen, auch in Farbe, an damals unbekannten Orten wie Griechenland, der Türkei, Marokko und Brasilien, aber auch in den Vereinigten Staaten, England und Irland. Seine erste Reise in die Vereinigten Staaten im Jahr 1957 war eine aufschlussreiche Erfahrung: dort traf er Fotografen wie Walker Evans und Ansel Adams, wobei letzterer besonders für seine Sicht der Natur und die Qualität seiner Abzüge geschätzt wurde. Diese umfangreiche internationale Tätigkeit zeugt von seiner unermüdlichen Neugier und seiner Fähigkeit, das Wesen der verschiedenen Kulturen und Landschaften einzufangen.
Für Brassaï endete der fotografische Akt nicht mit der Aufnahme; der endgültige Abzug war die wahre Krönung der Arbeit und verlieh ihr die volle künstlerische Würde. Er vertrat mit Überzeugung die vollständige Urheberschaft des Prozesses: “Für einen Fotografen wie mich bedeutet ein Negativ nichts, es zählt nur der Abzug des Autors. Deshalb wollte ich meine Abzüge immer selbst herstellen”. Dieses Engagement führte dazu, dass er die Negative persönlich entwickelte und alle Abzüge in seinem eigenen Atelier herstellte, so dass er von Anfang bis Ende die volle Kontrolle über den kreativen Prozess hatte. Brassaï, so erzählt seine Frau Gilberte in einem Interview mit Annick Lionel-Marie, das im Katalog der Ausstellung in Aosta veröffentlicht wurde, “entwickelte die Negative, bereitete die Fixierbäder vor und machte die Abzüge und Vergrößerungen selbst in seiner Werkstatt. Er hatte Dutzende von Flaschen mit verschiedenen Präparaten und viele chemische Formeln an der Wand hängen. Er blieb wach und arbeitete lange, vor allem nachts; ich konnte das Ticken des Metronoms hören, von dem er sich nie trennen wollte. Er liebte es, den Prozess von Anfang bis Ende zu kontrollieren, man hat nie jemandem erlaubt, die Abzüge zu machen (abgesehen von Formaten, die größer als 40 × 50 cm waren, was sein Vergrößerungsgerät nicht schaffte)”. Diese Akribie ermöglichte es ihm, durch die Qualität der Abzüge die gleichen intensiven Gefühle wiederzugeben, die er zum Zeitpunkt der Aufnahme empfand.
Im Laufe seiner Karriere entwickelte Brassaï auch eine innovative Serie, die er Transmutationen nannte. Bei diesen Arbeiten greift er mit einer Feder direkt in das Originalnegativ (oft Glasplatten) ein, schabt es ab und hebt es mit Tusche an. Dieser Prozess der “freiwilligen Mutationen” verwandelt das ursprüngliche Bild: Die ursprüngliche Fotografie verschwindet und macht Platz für neue Formen, die Realismus mit Träumen verbinden und eine neue visuelle Existenz annehmen. Diese Technik zeugt von seiner kontinuierlichen expressiven Forschung.
Neben seiner fotografischen Meisterschaft zeichnete sich Brassaï auch als vielseitiger Intellektueller, produktiver Schriftsteller und sogar als Filmemacher aus. Seine Leidenschaft für das Schreiben manifestiert sich in einer umfangreichen Textproduktion, die lange Vorworte und bedeutende Essays umfasst. Zu seinen bedeutendsten literarischen Werken gehören der Roman Histoire de Marie (1949), die erhellenden Conversations avec Picasso (1964), ein bahnbrechendes Werk, das dreißig Jahre lang den Austausch und die Beschreibungen der Ateliers des Künstlers sammelt, und Le Paris secret des années 30 (1976), ein Fresko eines populären und marginalen Frankreichs. Sein letztes Buch, Les Artistes de ma vie (1982), sammelt Zeugnisse und Erinnerungen aller Künstler, die er besucht hat.
Brassaï war nicht gleichgültig gegenüber der Macht der Worte, wie seine Kommentare und Überlegungen zur Umsetzung der gesprochenen Sprache in die Schrift zeigen. Sein unermüdlicher Geist erstreckt sich auch auf den Film: 1956 wird sein Kurzfilm Tant qu’il y aura des bêtes, der im Zoo von Vincennes gedreht wurde, bei den Filmfestspielen von Cannes für seine Originalität ausgezeichnet.
Er starb am 7. Juli 1984, als er gerade dabei war, ein Buch über seinen geliebten Marcel Proust fertig zu stellen, dem er mehrere Jahre seines Lebens gewidmet hatte, um die Verbindungen zwischen dessen literarischem Werk und der Fotografie zu ermitteln. Er wurde auf dem Friedhof von Montparnasse beigesetzt, dem Herzen des Paris, das er ein halbes Jahrhundert lang so gefeiert und dokumentiert hatte. Er war, wie Ribeyrolles betont, “vor allem ein Spaziergänger, der seinen Blick auf seine Epoche richtete, auf ein einfaches Alltagsleben, das er als Plünderer von Schönheit aller Art sublimieren wollte und das er auf diese Weise vor der Zeit und dem Vergessen bewahren konnte”.
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